Retratos Capitais

Crítica - RED - Aposentados e Perigosos

2011-03-12T12:34:00.000-03:00

De todos os brucutus de filmes de ação que ganharam fama principalmente nos anos 80 e 90, Bruce Willis é o único que ainda mantém um bom prestígio em Hollywood e consegue participar de bons projetos. Van Damme, Stallone, Norris, Seagal e Lungreen, uns mais outros menos, atualmente vivem de pequenos projetos e já não possuem mais a mesma fama de antes. Mas Willis soube se adaptar aos novos tempos e ainda continua, aos 56 anos, participando de grandes produções. A última a aportar nos cinemas foi RED - Aposentados e Perigosos.

Baseado na graphic novel Warren Ellis e Cully Hammer, o filme conta a história de Frank Moses (Bruce Willis), agente aposentado da CIA, que se vê misteriosamente sendo alvo de sua antiga agência. Com a ajuda de antigos companheiros de campo (todos cunhados de RED - aposentetados e estremamente perigosos) e da telefonista da CIA pela qual está apaixonado (Mary-Louise Parker), Moses se volta contra a agência em busca dos responsáveis.

Um dos grandes baratos dessa produção é o recrutamento de Moses dos antigos companheiros. Nessa empreitada grandes ator entram em cena: Morgan Freeman, Helen Mirren e Brian Cox. Mas quem tem o papel mais destacado é John Malkovivh, no delicioso papel do agente insano e paranóico que acha que todos a sua volta querem o matar. Notar também a rápida participação de Ernest Borgnine, que ganhou o Oscar de melhor ator em 1955 por Marty, como o responsável pelo arquivo da CIA. O melhor do filme, de fato, são os atores, pois conseguem dar aos personagens o carisma que talvez não teriam com outras pessoas.

No entanto, o diretor alemão Robert Schwentke (de Plano de Voo com Judie Foster) não conseguiu um bom resultado ao montar seu filme e falhou ao imprimir um ritmo fluido a trama. O longa optou por adicionar novos elementos em relação a graphic novel que o inspirou, prejudicando o resultado do filme. São muitas cenas desnecessárias, que estão ali somente para encher linguiça e dar ao filme algo que não possui os quadrinhos: o humor e as reviravoltas. O primeiro elementos se encaixou muito bem, mas o segundo somente esticou o final do filme, prejudicando seu final. De resto há algumas boas cenas de ação e diálogos interessantes. Em uma sessão-pipoca, o filme funciona muito bem.

RED - APOSENTADOS E PERIGOSOS ***

(Red, EUA, 2010, 1h51, Ação)

Diretor: Robert Schwentke

Com Bruce Willis, Mary-Louise Parker, Karl Urban, John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Brian Cox, Richard Dreyfuss e Ernest Borgnine.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 7,1

Crítica - O Discurso do Rei

2011-03-12T00:01:00.000-03:00

Talvez a grande expectativa criada devido ao fato do filme ter sido agraciado com o Oscar de melhor filme tenha prejudicado a minha percepção ao julgar que ele possuísse qualidades que de fato não possui. A grande verdade é que O Discurso do Rei não é um grande filme. Certamente foi feito e vendido como se fosse. Repleto das qualidades que são demasiadamente apreciadas pelos críticos (não somente os da Academia, mas também dos que compõe a banca de outros festivais importantes), o filme sofre do mal de parecer afetado, convencido das qualidades que foi projetado para ter. Mas dentro desse invólucro composto por direção de arte, fotografia, trilha sonora e temática clássica, está um roteiro por demais frágil que, apesar de alguns ótimos momentos, no fundo não passa do batido "superando limites pessoais".

Com núcleos dramáticos quase que divididos (mas que no final se unem), O Discurso do Rei por um lado retrata o drama sofrido pelo futuro rei inglês George VI (Colin Firth), que sofre de gagueira. O tratamento derradeiro, depois de muitos insucessos com outros médicos, começa quando sua mulher (Helena Bonhan Carter) conhece Lionel Longue (Geoffrey Rush), especialista que promete a cura ao seu marido. Por outro lado, o filme acompanha o fim do reinado do rei George V e a posterior disputa pela sucessão entre o príncipe gago e seu irmão (Guy Pearce).

Tom Hooper foi extremamente contido na condução da sua câmera. Não se pode considerar que os enquadramentos propositalmente assimétricos (como se destacasse mais a parede por trás do sofá e não Colin Firth sentado sobre ele no canto da tela) é o que há de mais novo na cinematografia recente. Na verdade, a intenção de Hooper foi mesmo permanecer fiel à cartilha e filmar uma produção que facilmente pode ser confundida com uma da década de 50, de tão formal é a sua estética.

O que sustenta o filme de verdade, que faz com que as quase duas horas de projeção se justifiquem e valham a pena é a atuação irrepreensível de Colin Firth, ganhadora do merecido Oscar de melhor ator. Sem a presença de Firth o filme perderia quase toda a força que possui e lançaria o filme de vez na vala comum. É nesse ponto se encontra o maior mérito de Hooper, pois ao deixar nas mãos de Firth e Geoffrey Rush (que também está ótimo) o filme ganha a profundidade que o roteiro não conseguiu transmitir. Quando os dois estão juntos na tela, o filme brilha. Felizmente o roteiro de David Seidler fornece os diálogos à altura do desempenho da dupla.

Ao afirmar que a parte técnica do filme é tudo pautado no que se entende por clássico, não quer dizer que isso seja necessariamente ruim (a trilha sonora em certos momentos impressiona), mas nesse caso tudo me pareceu demasiadamente artificial, ainda assim do gosto da Academia que contemplou o filme com os principais prêmios: filme, diretor, roteiro original e ator.

O DISCURSO DO REI ***

(The King's Speech, Reino Unido/EUA/Austrália, 2010, 1h50, Drama)

Diretor: Tom Hooper

Com Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonhan Carter, Guy Pearce, Timothy Spall e Derek Jacobi.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 8 ,4

Crítica - O Solteirão (Solitary Man)

2011-03-11T21:41:00.000-03:00

Antes mais nada é preciso destacar a falta de senso da distribuidora brasileira de chamar este filme como O Solteirão. Além de confundir com o terrível filme de Ben Stiller do mesmo ano, a tradução do título original, Solitary Man, não podia ser mais inapropriada. Mais lógico seria chamá-lo de "O Solitário". Tirando essa bola fora, o filme em geral é correto. Certamente o espectador não verá em nenhum momento lapsos de genialidade do diretor ou um conteúdo altamente original. O grande trunfo do filme é sua regularidade e a escolha de não optar por soluções fáceis.

Michael Douglas é Ben Kalmen, o solteirão do título. Mulherengo e com nome sujo que o impede de seguir na profissão de vendedor de carros, ele aos poucos percebe que seu jeito inconsequente o está afastando dos seus amigos e família. Trata-se de uma verdadeira descida ao inferno de um homem que ainda vive a sombra das glórias de outrora e agora é vítima dos próprios erros. O filme acompanha a fase final de sua derrocada rumo ao ostracismo, quando retorna à faculdade onde se formou e é defrontado com seu passado.

O grande mérito desse drama é a abordagem sincera, crua de como uma pessoa pode ter como principal obstáculo para uma vida feliz a seu própria personalidade. O diretor Brian Koppelman (que também assina o roteiro) traça um retrato amargo e transparente da desintegração familiar e da auto destruição. Para encarnar tudo isso não poderia ter sido outra a escolha de Michael Douglas para o papel principal. Conseguindo expressar tanto o lado boêmio quanto o lado boa praça de Ben Kalmen, Douglas consegue dosar bem. O elenco de apoio também merece elogios, que conta com nomes de peso como Danny DeVito, Mary-Louise Parker, Jesse Eisenberg e Susan Sarandon.

Apesar de alguns erros na composição de alguns personagens (como o de Danny DeVito, cuja proximidade com Kalmen não convence), O Solteirão é um filme para se refletir e, principalmente na sua segunda metade, demonstra muito vigor com algumas ótimas cenas, principalmente a final em que os personagens de Douglas e Sarandon conversam sentados no banco onde se conheceram. Quando os créditos começam a rolar depois dessa cena, alguns vão odiar o modo como filme se concluir, mas certamente serão surpreendidos refletindo a respeito.

O SOLTEIRÃO ****

(Solitary Man, EUA, 2009, 90 min., Drama)

Diretor: Brian Koppelman

Com Michael Douglas, Danny DeVito, Mary-Louise Parker, Jesse Eisenberg e Susan Sarandon.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 6,5

Crítica - O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus

2011-03-07T22:40:00.000-03:00

Esse filme infelizmente ficou conhecido por ser a última produção na qual o ator Heath Ledger participou antes de morrer em janeiro de 2008. Ele não tinha sequer gravado metade de suas cenas e deixou o diretor Terry Gilliam (de Brazil - O Filme) em maus lençóis, pois inviável seria retomar os trabalhos desde o início com a participação de outro ator no papel. Entretanto, esse difícil momento por qual passou a produção do longa foi vital para que brotasse uma ótima sacada. Tal ideia permitiu que todas as cenas de Ledger fossem aproveitadas e as restantes fossem completadas com o trabalho de outros três grandes atores (Colin Farrel, Jude Law e Johnny Depp). E isso foi feito de forma plausível e natural, adaptando a mudança de maneira bastante coerente.

Desse modo, Gilliam enriqueceu ainda mais seu filme, que é fantástico não somente em relação à temática, mas também em relação à qualidade. O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus conta a história do mago do título (Christopher Plummer) que vive há mais três mil anos e hoje se ocupa com as apresentações do seu show em uma espécie de circo itinerante, onde tem a ajuda de sua filha Valentina (Lily Cole), e dos amigos Anton (Andrew Garfield, o novo Homem-Aranha) e Percy (Verne Troyer). Em seu show Doutor Parnassus proporciona as pessoas que toparem entrarem dentro de seu espelho (que na verdade é um portal que tranporta a pessoa direto para a mente do mago) uma experiência única, retirada diretamente dos sonhos dela. Essa rotina ameaça a acabar quando o próprio diabo (interpretado soberbamente pelo cantor Tom Waits) vem cobrar uma dívida antiga do Doutor Parnassus, fruto de uma antiga aposta entre eles.

Tony (Heath Ledger) é um misterioso sujeito que é encontrado enforcado pela caravana do Doutor Parnassus e, aos poucos, começa a alterar o estado das coisas ao levar prosperidade aos shows da trupe. É nesse momento, quando Tony atravessa o espelho do Doutor Parnassus, que ele começa a ser interpretado pelo trio de atores. Retratando a natureza dúbia do caráter de Tony, a cada vez que ele atravessa o espelho a sua aparência se altera. Primeiramente, Tony é Johnny Depp, envolto em uma aura que lembra muito Jack Sparrow (coisa que está cada vez mais comum). Depois é a vez de Jude Law encarnar o personagem, em uma interpretação demasiadamente caricatural, a mais fraca de todas. Por fim, Colin Farrel é o responsável em mostrar o desfecho do personagem de Tony na trama. Somente na parte final que fica mais claro a ausência de Ledger, vendo que ela deu muito trabalho para ser suprida.

O desempenho do restante do elenco também está acima da média. Começando pela revelação Andrew Garfield, que demonstra bastante naturalidade e carisma. Lily Cole também vai bem como a personagem feminina da história, centro de todo o conflito. Mas quem rouba a cena mesmo é Tom Waits. Irônico, pernicioso e hipócrita, ele esbanja desenvoltura ao compor o personagem mais bem acabado do filme.

Gilliam já demonstrou antes que sabe se virar bem quando o assunto é criar histórias fantásticas (basta conferir Brazil - O Filme), mas aqui ele propositalmente pesou a mão e criou um verdadeiro delírio. Ao mesmo tempo em que somos apresentados ao mundo fantástico por trás do espelho, vemos a preocupação da trupe do Doutor Parnassus com preocupações normais, como o medo da polícia e a preocupação com o dinheiro. Tais dificuldades foi o jeito de Gilliamoptou para mostrar que no mundo de hoje há pouca margem para a fantasia, a ditadura da verdade e do comum desenconrajam o escapismo proporcionado por seu show e, por extensão, pela imaginação.

O MUNDO IMAGINÁRIO DO DOUTOR PARNASSUS ****

(The Imaginarium of Doctor Parnassus, Reino Unido/Canadá/França, 2009, 1h56, Fantasia)

Direção: Terry Gilliam

Com Heath Ledger, Andrew Garfield, Christopher Plummer, Lily Cole, Colin Farrel, Johhny Depp, Jude Law e Tom Waits

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 7,1

Crítica - Match Point - Ponto Final

2011-03-07T21:23:00.001-03:00

Woody Allen cansou de não ter seu trabalho reconhecido nos EUA e, em busca de recursos, decidiu trocar o cenário de sua amada Nova York pela paisagem de Londres, onde encontrou muita gente disposta a financiar suas ideias, dando-lhe o que ele mais queria: ampla liberdade artística para criar sua nova produção. Allen assim iniciava uma nova fase de sua carreira no momento em que alcançava os 70 anos de idade. O primeiro fruto desse novo rumo foi Match Point - Ponto Final, ambientada em Londres e quase desprovido daquilo que se tornou uma de suas marcas registradas: o humor.

O filme começa com um interessante preâmbulo falando sobre a influência da sorte sobre o rumo das nossas vidas. A bola passa de um lado e do outro até que ela esbarra na parte de cima da rede e sobe. Dentro de alguns centésimos de segundos o destino da partida será selado com a passagem ou não da bola para o lado oposto da quadra. Ou seja, a sorte vai definir o sucesso ou a desgraça do tenista. Essa reflexão somente irá fazer sentido junto à história do filme nos seus momentos finais, mas ela serve para logo nos primeiros minutos de projeção, arrematar o espectador para somente libertá-lo quando os créditos começarem a rolar.

A envolvente história de Match Point começa mostrando o ex-tenista Tom Hewitt começando a dar aulas num exclusivíssimo clube de tênis de Londres. Devido ao seu gosto por ópera, ele começa uma amizade com o playboy Chris Wilton. Logo Hewett se torna amigo de toda a família, principalmente da irmã Chloe com quem começa um relacionamento. Entretanto é da noiva de Chris que ele tem uma incontrolável obsessão, ameaçando a estabilidade e o luxo que começou a desfrutar de sua nova posição.

Conduzido de forma compassada e contida, a história de adultério logo toma contornos dramáticos e expõe toda a hipocrisia do personagem principal. De um romance, aos poucos a tensão vai subindo, transformando a história em um suspense imprevisível, algo semelhante ao que Allen fez em O Sonho de Cassandra (2007). Em ambos os filmes o acaso exerce grande influência sobre a vida dos seus personagens, demonstrando que ela pode ser decidida nos pequenos detalhes, conforme o exposto na cena inicial de Match Point.

Muito bem recebido pela crítica (inclusive a norte-americana que pegava no seu pé) o filme acerta o tom, prende a atenção e nos oferece um final digno de um grande filme. A mudança de ares fez tão bem ao diretor que ele filmou Londres nos seus dois filmes seguintes: Scoop - O Grande Furo e O Sonho de Cassandra. Somente com esse pequeno exílio na Europa que os americanos pareceram ter percebido a falta que ele faz por lá.

PONTO FINAL - MATCH POINT ****

(Match Point, Reino Unido/EUA/Irlanda/Rússia, 2005, 2h02, Drama)

Direção: Woody Allen

Com Jonathan Rhys Meyers, Scarlett Johansson, Emily Mortimer e Brian Cox.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 7,8

Crítica - Robin Hood

2011-03-06T22:26:00.002-03:00

Ridley Scott não é um diretor ruim. Muito pelo contrário, Scott é talentoso e já dirigiu ótimos filmes, como o clássico Blade Runner - O Caçador de Andróide, além de Gladiador e O Gângster. Mas é preciso reconhecer que sua fórmula de dirigir filmes de ação já está começando a dar sinais visíveis de desgaste. Essa impressão é patente ao conferir o seu trabalho em Robin Hood. Antes de mais nada, foi totalmente desnecessário produzir uma nova história do herói que rouba dos ricos para dar aos pobres. Nem mesmo a justificativa de fazer um filme retratando a origem do mito foi o suficiente para me convencer da necessidade de produzir uma nova versão. Trata-se do típico bordão "deu tudo o que tinha que dar", pelo menos por enquanto.

Independentemente de tudo isso a grande verdade é que o novo Robin Hood é fraco. Muito bem produzido, sim, mas sem nenhum charme ou empolgação. Os personagens não são nenhum pouco carismáticos, começando justamente pelo personagem-título. Russel Crowe está péssimo no papel, sem nenhum carisma e de atuação tétrica e burocrática. Cate Blanchett não tem sorte melhor e Max Von Sydow é o único que salva, continuando excelente no auge dos seus 81 anos.

Como já destacado o filme conta a origem do herói, quando ainda fazia parte do exército do rei Ricardo Coração de Leão. Depois deste ser assassinado na França, enquanto voltavam da Cruzada em Jerusalém, Robin Hood e alguns amigos abandonam o exército e partem para a Inglaterra com a coroa real buscando dinheiro. Mas as circunstâncias os fazem cair na região de Nottingham, onde o herói conhece a bela Marion Loxley (Cate Blanchett) e onde se envolve nos conflitos com o tirânico recém empossado Rei João.

O maior problema do filme é, sem dúvida alguma, as suas duas horas e meia de projeção que cansam o espectador. E esse tempo é muito mal preenchido, sendo diversas as cenas desnecessárias, que, se fossem cortadas na edição final, não fariam a menor falta, como a sub-trama em que Robin Hood precisa se passar como esposo de Marion Loxley para que esta não perca as terras que lhe pertencem. Nada disso vai influenciar no resultado final do longa. Tal profusão de sequências inúteis acabaram por desvalorizar os momentos chave do filme.

Se Robin Hood possuísse uns 40 minutos a menos, talvez o resultado fosse outro, claro que não ocultaria a falta de inspiração artística, mas valorizaria a parte técnica, que inclui belas fotografia e direção de arte, além de boas cenas de ação. Talvez seja a hora de Ridley Scott se reinventar.

ROBIN HOOD **

(idem, EUA/Reino Unido, 2010, 2h29, Ação)

Diretor: Ridley Scott

Com Russel Crowe, Cate Blanchett, William Hurt, Mark Strong e Max Von Sydow.

Cotação: RUIM

Cotação IMDB: 6,9

Crítica - Pulse

2011-03-06T17:19:00.001-03:00

Virou moda nos últimos dez anos a refilmagem americana de grandes sucessos do terror japonês. A lista é extensa e inclui filmes conhecidos como O Chamado (adaptação de Ringu, de 1998), O Grito (adaptado de Ju-on, de 2003) e Água Negra (versão homônima do filme japonês de 2003) dirigida pelo brasileiro Walter Salles. Todos esse filmes, sem exceção, não conseguiram superar o irmão japonês em qualidade, seja em relação ao roteiro, seja em relação aos sustos proporcionados. Outra produção americana que falha miseravelmente ao tentar retratar um sucesso do terror japonês é Pulse. E não foi por falta de know-how que isso aconteceu: produzido pelos irmão Weinstein e roteirizado pelo outrora mestre dos filmes de terror Wes Craven, Pulse não conseguiu transmitir toda a experiência proporcionada por Kairo (2001), que é considerado por muitos um dos melhores filmes do gênero.

A premissa do filme até chega ser interessante: aparentemente todos cujos computadores são infectados pelo vírus "Red Tape" acabam se suicidando. Na verdade, isso ocorre devido aos espectros que acompanham a corrente elétrica para se propagar e, desse modo, possam sugar a vida das pessoas. Mas todos os pontos forte que possa se extrair do roteiro se perdem totalmente, rendendo apenas um susto aqui e outro acolá. Nada mais. Não seria de esperar mais do diretor Jon Sonzero que não tinha feito (e ainda não fez) mais nenhum filme.

Pulse perdeu uma ótima oportunidade para trazer a baila questões interessantes que poderiam ser adicionadas para dar mais verossimilhança às cenas e mais profundidade à história, deixando de lado aquela incômoda sensação (comum nos filmes de terror) de que o próprio filme não se leva a sério, que a única coisa que importa seja o terror na espécie. A abordagem sobre as consequências do uso demasiado de tecnologia sobre as relações pessoais (presente na versão original) é apenas tratada tangencialmente. Mas o que essas produções parecem não entender é que a plausibilidade da história influencia muito na sua qualidade, mesmo que se trate de eventos fantásticos. Pulse possui erros de continuidade crassos e soluções risíveis. O cenário apocalíptico decorrente do vírus-fantasma seria facilmente contido se, para dar apenas uma sugestão, a torre de celular fosse desativada.

Antes de assistir Pulse (se é que o leitor esteja tentado a passar por tão decepcionante experiência), recomendo que assista Kairo, para que a fórmula original trazida pelo filme japonês não chegue desgastada e que a boa experiência proporcionada por ele não se perca. Por isso antes de assistir qualquer filme adaptado do japonês é melhor conferir a obra original, que invariavelmente é melhor.

PULSE *

(idem, EUA, 2006, 1h21, Terror)

Diretor: Jon Sonzero

Com Kristen Bell, Iam Somerhalder e Christina Millian.

Cotação: PÉSSIMO

Cotação IMDB: 4,5

Filmes Essenciais #18 - Disque M Para Matar

2011-02-28T16:01:00.002-03:00

Hitchcock foi tão genial na arte cinematográfica que conseguia retirar de cenários limitados grandes histórias. Rodado praticamente dentro de um limitado espaço, Disque M Para Matar se passa quase somente dentro do apartamento do casal interpretado por Ray Milland e Grace Kelly. O diretor já tinha fazido algo semelhante em Festim Diabólico, onde, além de rodar o filme quase sem cortes, a história se passou apenas dentro do apartamento dos personagens principais. E parece que quanto mais limitadas são as condições, maior se mostra a técnica de Hitchcock de filmar. Sempre sustentado em ótimos roteiros, o diretor sabia como conduzir a narrativa de modo que o filme não se mostrasse sonolento. O enquadramento de sua câmera é perfeita.

Milland é Tony Wendice, ex-jogador de tênis que descobre que sua mulher Margot (Grace Kelly) o está traindo com um escritor de romances policiais. Desiludido e interessado na possível herança, Tony planeja um plano genial para matar sua mulher. Para isso chantageia um conhecido seu, notadamente mal elemento, para executar o plano. Mas, conforme foi antecipado num dos diálogos entre Tony e o escritor de histórias policiais quando este sustentou não existir plano perfeito, tudo deu errado. Num golpe de sorte, Margot consegue matar seu algoz no momento que ele a estrangulava e uma intricada investigação policial então se dá início.

É impressionante como o roteiro consegue trabalhar com todos os detalhes da trama de forma coerente. Pequenos elementos da história como a jogo das chaves, a meia-calça e a janela aberta demonstram o quanto é elaborado o plano de Tony e, posteriormente, a investigação policial. Para suprir a limitação proposital do espaço, muito se foi exigido dos seus atores, fazendo-os também grandes responsáveis por manter o fôlego do filme até o fim. Perceba o quanto os atores caminham enquanto conversam. No todo, é irrepreensível a atuação tanto de Ray Milland quanto de Grace Kelly (que fazia o seu primeiro filme com Hitchcock, posteriormente trabalharam juntos também em Janela Indiscreta e Ladrão de Casaca).

Se fosse considerar apenas a trama de Disque M Para Matar seria fácil reconhecer a qualidade do filme a surgir, mas sob a batuta de Hitchcock fica evidente que ele é muito melhor do que podia se esperar dele. Vemos sua mão em quase tudo, desde a escalação do elenco, passando pela intrigante história até o comportamento da câmera, que mostra somente aquilo que o diretor pensava em passar no momento e, apesar de sabermos o culpado do crime desde o começo, soube reservar um final surpreendente. Técnica e conteúdo: isso é Hitchcock.

DISQUE M PARA MATAR *****
(Dial M for Murder, EUA, 1954, 1h45, Suspense)
Diretor: Alfred Hitchcock
Com Ray Milland, Grace Kelly e Robert Cummings.
Cotação: ÓTIMO
Cotação IMDB: 8,1

Crítica - I'm Still Here

2011-02-26T12:33:00.000-03:00

Ninguém aparentemente sabia, mas a virada na vida de Joaquin Phoenix em meados de 2008, quando revelou a todos que estava abandonando a carreira de ator para se tornar um cantor de rap, era apenas a execução de um dos seus papeis e, de longe, um dos mais ousados. Phoenix decidi ir mais longe do que todos foram quando o assunto é o gênero "mockumentary" (documentários falsos de eventos fictícios) e, em parceria com seu amigo Casey Affleck, faz um retrato da sua paulatina degradação pessoal culminada na desctruição de sua imagem e carreira.

Os eventos do filme chocam até mesmo os previamente avisados de seu conteúdo e deixa incrédulo os desavisados sobre a veracidade do conteúdo. Phoenix deixa a barba e o cabelo crescerem e começa a compor e cantar rap. Mas suas performances são tão ruins que não demora para que ele vire motivo de piada na imprensa. As portas então começam a se fechar para ele, ao mesmo tempo em que suas ações ficam cada vez mais reprováveis. Phoenix quase em todas as cenas aparece fumando maconha, cheira cocaína, transa com prostitutas e fala muita bobagem. Sem falar no modo estúpido em que passa a cumprir sua agenda. No lançamento de seu último filme, Os Amantes (Two Lovers), ele trata mal os reporteres, não responde as perguntas e faz de quase todas as suas ações uma completa falta de educação. Mas talvez o ponto alto dessa estupidez seja quando recusa o papel que Ben Stiller oferece em O Solteirão. O ator foi tão destratado que é impossível acreditar que não sabia do projeto antes.

De um modo marginal, o filme consegue tocar em temas profundos, como coragem de correr atrás dos sonhos, por mais diferentes que eles possam ser, e ser original em meio a um mundo de convenções e falsidade, da maneira que Hollywood é. Pena que o invólucro dessa mensagem seja tão corrompido pela depravação pessoal do personagem, de modo que o que há de bom no filme seja colocado em segundo plano.

Phoenix e Affleck precisaram de muita coragem para realizar esse projeto, que dividiu opiniões sobre a genialidade ou a leviandade de ambos. Talvez a maior intenção do projeto é discutir sobre em que ponto personagem e ator se entrelaçam e se relacionam. Resolvo não ser tão radical quanto a minha análise e reconheço que houve sim um propósito na produção, pois rendeu cena de especial relevo, como a final em que Phoenix é submerso pelo rio em que caminhava. Essa é uma cena emblemática, pois representa a decida ao inferno do personagem (ou do próprio?) Joaquin Phoenix, sendo engolido pelo próprio ego.

Hollywood que parece não ter gostado da brincadeira de Phoenix e Affleck, pois além de ter sido um fracasso nas bilheterias, os dois vão passar por um bom período na geladeira sem fazer nem um projeto relevante. Ambos já esperavam por isso.

I'M STILL HERE ***
(idem, EUA, 2010, 1h48, Drama)
Direção: Casey Affleck
Com Joanquin Phoenix.
Cotação: REGULAR
Cotação IMDB: 6,1

Filmes Essenciais #17 - Serpico

2011-02-14T14:25:00.000-02:00

O primeiro filme de Al Pacino depois de O Poderoso Chefão foi Serpico, e mais uma vez o ator consegue uma atuação irrepreensível, consolidando a carreira de um do que mais tarde veio a ser um dos melhores atores do cinema mundial. Em Serpico, Pacino faz um papel tão complexo quanto o de Michael Corleone, o de um policial em meio a um drama pessoal: o de ser um policial honesto em meio a um departamento ou ainda, tirando raras exceções, de um sistema corrupto.

Pacino é Frank Serpico, um policial recém saído da academia que almeja ser detetive. Como patrulheiro ele evitava receber, ao contrário de todos os seus parceiros, qualquer tipo de propina. Atitude que fez ele começar a se indispor com seus colegas fardas, pois ninguém confiava em um policial que não entrassem no sistema das coisas. Cansado da perseguição Serpico decide entrar para a divisão de policiais a paisana, onde pensava que encontraria mais tranquilidade para trabalhar, mas o principal efeito foi se distanciar mais ainda dos outros policiais. Aos poucos Serpico percebe que não é somente seus companheiros que estão corrompidos, mas toda a corporação como um todo, atingindo até o Comissário geral. Perseguido e acuado, ele tenta de todas as maneiras mudar a situação, mas sempre esbarra na conivência das autoridades.

O interessante é que desde as primeiras cenas sabemos o destino trágico reservado a Serpico. Quando o drama de Serpico se desenha, sabemos que tudo aquilo irá culminar em tragédia, restando só a dúvida sobre quem é responsável pelo tiro no seu rosto. Seria represárias de policiais? Ou acidente de serviço? Somente no final do filme isso é revelado. Mas tal fato não é o ponto central do filme, o que realmente dá densidade à história são as consequências criadas por se agir integramente. Seria muito mais fácil aceitar a propina e entrar no jogo sujo dos outros, mas Serpico optou por não se corromper, o que se mostrou muito mais duro.

Até a namorada de Serpico de forma velada sugeriu que ele cedesse a pressão dos policias e aceitasse receber propina. Ela fez isso contando a história de um rei muito querido por todos os seus súditos. No centro desse reino havia uma fonte onde todos matavam sua sede. Isso até o dia em que uma bruxa envenenou a água. Todos que bebessem da água ficariam loucos. De fato, todos, menos o rei, beberam da água contaminada. Não demorou muito para que eles pedissem a cabeça do rei pois, segundo o juízo de todos, ele estava completamente louco. Coube ao rei, por fim, beber a água da fonte. Essa inserção, ainda que sutil, mostra o nível de profundidade da trama, que não se resume a uma mera história policial, e sim a um tratado sobre a princípios de vida.

Sidney Lumet outro belo trabalho, talvez apenas não melhor do que o desafiador Doze Homens e Uma Sentença. Era o auge da produção artística de Lumet, composto por ótimos filmes, como Assassinato no Expresso do Oriente (1974), Rede de Intrigas (1976) e Dia de Cão (1975), obra em que repetiu a parceria com Al Pacino. Em Serpico ele novamente conseguiu explorar o máximo da dramaticidade existente na história real de Frank Serpico; o policial inclusive auxiliou nas filmagens e na preparação de Pacino para o papel.

Serpico foi indicado a dois Oscar (melhor ator para Al Pacino e melhor roteiro adaptado) e ganhou um Globo de Ouro de melhor ator para Pacino, o primeiro dos cinco que o ator atualmente possui.

SERPICO ****
(idem, EUA/Itália, 1973, 2h09, Policial)
Direção: Sidney Lumet
Com Al Pacino, John Randolph e Tony Roberts.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 7,8

Crítica - Alien VS. Predador

2011-02-12T23:51:00.000-02:00

No melhor estilo praticado nos video-games, Alien VS Predador junta dois personagens semelhantes consagrados em outras produções num embate sem precedentes. Nos cinema algo parecido já foi feito em Freddy VS. Jason, com resultados pífios. Tanto Alien quanto Predador tiveram seus momentos de glória há muito tempo: a saga Alien começou em 1979 em Alien - O Oitavo Passageiro, filme que foi seguido por duas sequências, e Predador despontou em filme homônimo estrelado por Arnold Schwarzenegger em 1987, rendendo uma sequência em 1990 com Danny Glover e uma refilmagem no ano passado com Adrien Brody, Laurence Fishburne e a brasileira Alice Braga. Relembrado a ficha corrida dessas duas figuras, parece que não chegou ser uma má ideia fazer um filme com um embate entre os dois alienígenas, o maior empecilho talvez fosse corresponder as expectativas atreladas às duas franquias.

Ser fiel à elas é algo que Paul W. S. Anderson (Resident Evil) conseguiu, pois não esqueceu de inserir as caracteríticas mais marcantes de ambos os personagens e, por isso, não deixou de ser interessante conferir o embate dessas duas criaturas. O problema do filme, entretanto, reside no momento em que Anderson tenta criar uma história de rivalidade entre as duas raças. Simplesmente não convenceu o argumento de que no início da humanidade os Predadores exploravam os humanos, enquanto os Aliens realizavam a mera tarefa de fazer prova da bravura deles. Se a explicação feita agora ficou difícil de entender, no filme a coisa não é melhor. Tal justificativa para a existência da rixa entre as raças é pífia, risível e superficial. A partir do momento em que filme falhou nesse ponto, quase tudo foi posto a perder. Mesmo que em uma ficção-científica não se possa cobrar muita verossimilhança, os argumentos usados devem ter o mínimo de plausibilidade.

Toda história do filme começa com um grupo de cientistas indo investigar atividade térmica no meio da Antártida, desconfiando de que se trata de vestígios de uma antiga civilização. Chegando lá eles descobrem que se trata de uma prisão para o Alien, que acorda de seu sono profundo e começa a lançar seus filhotes para lutar contra os Predadores que também acabam aparecendo por lá.

O roteiro realmente não é lá grandes coisas, o filme na verdade preza em oferecer uma boa fotografia (composto da recriação das paisagens geladas da Artártida), boas lutas, além de razoáveis doses de ação e suspense, fazendo que Alien VS. Predador seja um bom programa para se divertir descompromissadamente. Qualidades que fez o filme desfrutar de um relativo sucesso nas bilheterias, viabilizando a uma continuação de gosto duvidoso em 2007.

ALIEN VS. PREDADOR ***
(Aliens VS. Predator, EUA/Alemanha/Rep.Checa/RU, 2004, 1h38, Ficção/Terror)
Direção: Paul W.S. Anderson
Com Sanaa Lathan, Raoul Bova e Ewen Bremner.
Cotação: REGULAR
Cotação IMDB: 5,4

Crítica - Indiana Jones e a Última Cruzada

2011-02-12T17:10:00.002-02:00

Em 1989 todos acreditavam que a série Indiana Jones chegava ao seu epílogo (somente quase vinte anos depois decidiram fazer o quarto episódio) e, portanto, as expectativas sobre A Última Cruzada eram as maiores possíveis, ainda maior com a anunciada parceria entre Harrison Ford e Sean Conery, no papel de pai de Indiana. Apesar disso, nenhum fã ficou decepcionado com o filme, que conseguiu superar o Caçadores da Arca Perdida em todos os sentidos: ação, roteiro, humor. Depois de O Templo da Perdição não ter agradado tanto o público que viu nas telas uma aventura inferior ao primeiro filme, A Última Cruzada significou também o renascimento de Indiana Jones e o surgimento, até agora, de uma versão definitiva do heroi.

O filme começa com Indiana Jones ainda adolescente em sua primeira aventura para proteger itens históricos das mãos de contrabandistas. E nesse pequeno preâmbulo é explicitado a relação fria do jovem Indiana e seu pai, também arqueólogo, especialmente fascinado pelo mistério do Santo Graal, objeto pelo qual dedicou quase a sua vida para encontrá-lo. E é exatamente na busca desse objeto sagrado que Indiana, anos mais tarde, irá reecontrar seu pai, com quem não se relaciona. Mas os nazistas também querem o objeto e farão de tudo para tirar Indiana e seu pai do caminho.

O maior diferencial de A Última Cruzada é seu acentuado humor, mais do que em qualquer outra versão, que deixa o filme muito mais fluído e engraçado. A química entre Ford e Connery é excepcional. É realmente muito engraçado ver os desentendimentos de pai e filho enquanto eles estão no meio de uma enrascada. Os diálogos espirituosos que estão espalhados por todo o longa dão um especial realce nas cenas. As cenas de ação continuam possuindo aquela violência cômica consagrada nos filmes anteriores e elas são mais numerosas. A Última Cruzada visita mais lugares que os dois filmes anteriores juntos: além dos EUA, Veneza, Berlim, Áustria e uma versão fictícia de Alexandria são os principais cenários por onde Indiana passa em busca do Santo Graal.

Diferentemente das versões anteriores Indiana Jones não teve aqui a companhia constante do que mais se aproxima de uma Indiana-girl, dessa vez a história inovou e contou com uma verdadeira femme falale, uma mulher que no início parecia ser a parceira de Jones no estilo dos filmes anteriores, mas depois se mostra uma das principais vilãs do filme, bem ao jeito consagrado na franquia de James Bond. O papel de colírio dessa versão coube a bela, e praticamente desconhecida, Alison Doody (007 - Na Mira dos Assassinos). Também é destaque o ator River Phoenix no papel de Indiana Jones na adolescência. Na época ele se mostrava um dos atores mais promissores de Hollywood e acaba se saindo muito bem no papel, transmitindo tudo aquilo que a versão mais velha do personagem sempre passou. Phoenix era um ator promissor, pena que anos mais tarde, em 1993, ele morreu prematuramente de insuficiência cardíaca devido ao consumo de drogas.

A Última Cruzada possui tudo aquilo que lançou a franquia Indiana Jones ao panteão dos maiores personagens cinematográficos do cinema, melhorando, inclusive, em alguns aspectos, como no próprio humor já comentado e na trilha sonora (ganhadora de Oscar). A música continuou a cargo do lendário John Williams, compositor responsável pela música de mais de 130 filmes e corriqueiro parceiro de Spielberg e George Lucas.

Poucos esperavam que 19 anos depois uma quarta versão da franquia estrearia nos cinemas, dessa vez apresentando o filho de Indiana Jones. O Reino da Caveira de Cristal foi muito criticado, mas nada a ponto de manchar a brilhante saga do herói nas telas de cinema. Atualmente especula-se o início da produção do quinto filme da série. Considerando os US$ 780 milhões de bilheteria do último filme, é muito difícil que um novo filme não se viabilize, basta Spielberg e Lucas darem seu aval.

INDIANA JONES E A ÚLTIMA CRUZADA ****
(Indiana Jones and the Last Crusade, EUA, 1989, 2h07, Ação)
Diretor: Steven Spielberg
Com Harrison Ford, Sean Conery, Alison Doody e River Phoenix.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 8,3

Crítica - O Escritor Fantasma

2011-02-06T15:39:00.001-02:00

Não foi apenas Wes Craven que saiu em 2010 de um hiato de cinco anos sem dirigir um filme próprio, Roman Polanski também retornou ao ofício de diretor no ano que passou. O Escritor Fantasma é o seu primeiro filme após Oliver Twist de 2005 e é o primeiro depois da acusação de estupro de uma menor que o levou a prisão domiciliar. Mas esqueça a ficha policial do diretor e aprecie a qualidade do seu último trabalho, que apesar de não ser nenhuma de suas obras-primas, ainda é um dos melhores filmes do ano de 2010. Apesar de centrado em uma figura não muito comum ao nosso cotidiano, o escritor fantasma, o filme consegue desde os primeiros minutos de projeção, lançar o espectador em um suspense tão bem construído e amarrado, que suas mais de duas horas de duração passam voando. Polanski, que também assina o roteiro juntamente com Robertt Harris, constrói o enredo de forma lógica e fluída, previlegiando assim o suspense que serve como o principal motor do filme.

Um escritor fantasma é aquela pessoa que escreve um discurso ou um livro ao qual se atribui a autoria para outra pessoa. É um ofício muito comum junto a políticos, que precisam de uma pessoa que elabore suas declarações e artigos. Ou seja, o escritor fantasma não leva o crédito por nada do que escreve e seu nome é totalmente desconhecido pelo público em geral, que nem se dá conta de sua existência. Pois bem, Ewan McGregor é um desses esritores fantasmas (é somente assim que ele será referido, seu nome não é revelado) que é chamado para escrever as memórias do ex-primeiro-ministro da Inglaterra, Adam Lang (Pierce Brosnan). Para isso ele precisa realizar uma série de entrevistas com o político e assim transformar tudo em prosa. Levado a residência de Lan, localisada em uma isolada ilha dos EUA, o escritor fantasma descobre que seu predecessor foi encontrado morto sob circunstâncias bastante estranhas e começa desconfiar das pessoas que o cercam.

Polanski foi muito competente na hora que precisou transmitir o clima de suspense. Valeu-se para isso de uma trilha sonora que lembra muitas vezes a obra de Bernard Herrmann (grande contribuidor nas trilhas dos filmes de Hitchcock), assinada pelo francês Alexander Desplat. Também contribuiu a fotografia bastante soturna. A ilha onde está instalada a residência do ex-primeiro-ministro ou está sob tempo nublado ou sob uma chuva torrencial. Esse tempo úmido contribui para que um certo clima noir seja dada a produção. Mas o ingrediente mais importante do filme é sua trama investigativa. Em nenhum momento a história esfria, Polanski conseguiu a façanha de paulatinamente ir aumentando a dose de suspense, para, no final, nos brindar com um final memorável, cheio de significado e, o mais importante, totalmente plausível diante do filme como um todo.

Ewan McGregor está muito bem no papel principal, conseguindo passar o sentimento de medo e desconfiança de maneira clara e convincene. Não lhe foi exigido grandes diálogos, mas O Escritor Fantasma é o tipo de filme cuja uma única expressão ou imagem, vale mais do que mil palavras. O elenco de apoio também está ótimo, entre eles se destaca Olivia Williams (de O Sexto Sentido, no papel da esposa do primeiro-ministro) e Tom Wilkinson. O filme também conta com participações especiais de Eli Wallach e James Belushi (quase irreconhecível).

Agraciado com o Urso de Prata de melhor direção no Festival de Berlim, O Escritor Fantasma não conseguiu sequer uma indicação para o Oscar 2011, em mais uma daquelas típicas injustiças praticados pela Academia, cujo conservadorismo, associando talvez a figura polêmica de Polanski com o filme, prejudicou o reconhecimento das qualidades de um dos melhores suspenses do ano, ao lado de A Ilha do Medo, de Scorsese. Esse também talvez tenha sido o motivo do fracasso do filme nos cinemas americanos.

O ESCRITOR FANTASMA *****

(The Ghost Writer, França / Alemanha / Reino Unido, 2010, 2h05, Suspense)

Direção: Roman Polanski

Com Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall e Tom Wilkinson.

Cotação: ÓTIMO

Cotação: 7,5

Crítica - A Sétima Alma

2011-02-05T18:11:00.000-02:00

Cinco anos depois de seu último filme como diretor, o competente Voo Noturno, a volta de Wes Craven por trás das câmeras era muito esperado pelos seus fãs. O criador de clássicos do cinema de terror como A Hora do Pesadelo e a franquia Pânico (mérito dividido com Kevin Williamson), Craven tentou emplacar novamente um sucesso com o bastante aguardado A Sétima Alma, pois além de ser seu primeiro em cinco anos é também o seu primeiro roteiro original desde 1994. Contudo os anos de espera não foram correspondido e o seu mais novo filme não emplacou. Parece que Craven decidiu ficar em sua zona de conforto e resolveu não ousar em nada no filme, pois o que se vê é apenas os mesmos elementos trabalhados por ele em Pânico e na saga Freddy Krueger.

Os erros começam logo na fragilidade do roteiro. A história sobre a maldição lançada sobre os sete rebentos nascidos na noite da morte de um serial killer na pequena cidade de Riverton não tem nada se complexa, mas o modo como a história é passada para o espectador é terrível de confusa, sem falar que é fraca na hora de fazer suspense. Não é preciso ser a mais atenta das pessoas para perceber como a história irá se desenrolar e, consequentemente, como ela irá terminar. Até porque a sensação de dèjá-vu é grande. A falta de originalidade é gritante. Para se ter uma ideia o filme possui todas as cenas necessárias presentes nos filmes do gênero: há o misterioso serial killer que aos poucos vai alvejando o seu nicho de vítimas (alguém falou em A Hora do Pesadelo?), uma lenda que dá suporte a todo medo que se instaura na trama (ouvi Amaldiçoados?), sem falar que o assassino está entre os personagens do filme (Pânico?).

O grande problema do filme é esse: Craven não inova, faz do seu novo filme um amontoado de cenas inspiradas nos seus antigos sucessos. Os sustos são previsíveis. Nesse ponto não pude deixar de notar que a cena em que os irmãos Bug e Fang estão escondidos do serial killer dentro do armário. Praticamente uma cópia de uma cena do suspense Os Estranhos, com Liv Tyler.

É de conhecimento geral que os filmes de terror não prezam pela originalidade. As video-locadoras estão inundadas de filmes assim, do tipo que sai direto em DVD. No entanto, ao ver o nome de Wes Craven encabeçando uma produção pela primeira vez em anos, ainda mais após a qualidade de Voo Noturno, sem falar no lançamento em 3D nos cinemas (coisa que hoje em dia não significa mais nada), era de se esperar algo diferente.

Está previsto para o dia 15 de abril o lançamento de Pânico 4, mais uma tentativa de Craven de voltas aos bons tempos, novamente apoiado nos nomes dos outros filmes da franquia, como Neve Campbell, Courteney Cox e David Arquette. Esperamos que não seja mais do mesmo, coisa que não acredito.

A SÉTIMA ALMA **

(My Soul to Take, EUA, 2010, 1h38, Terror)

Diretor: Wes Craven

Com Max Thieriot, John Magaro e Denzel Whitaker

Cotação: RUIM

Cotação IMDB: 4,5

Crítica - De Pernas Pro Ar

2011-02-05T12:10:00.001-02:00

Se Tropa de Elite 2 se mostrou um grande salto de qualidade do cinema brasileiro, não podemos estender esse sucesso a outras obras contemporâneas. Ao mesmo tempo que vemos um filme que consegue mostrar a força do nosso cinema, juntamente nos chega um filme que parece que acabou de sair de um seriado da Globo, de tão parecidas são as técnicas e os enquadramentos da filmagem, sem falar no nível das piadas, que seguem bem o padrão pseudo-liberal praticado na TV e que possuem muita pouca graça.

A ideia era para De Pernas Para o Ar ser uma comédia romântica. Mas a questão é que de romance há muito pouco e de comédia quase nada, e as piadas insertas no filme configuram o mais puro clichê, parecendo que se tentou fazer uma versão brasileira de American Pie. Mas a ousadia do conteúdo é apenas superficial, pois ao mesmo tempo que se fala de liberdade sexual também nos é passado a visão conservadora de que a felicidade se encontra somente sob o binômio emprego-família.

No filme vemos a história de Alice (Ingrid Guimarães), uma marqueteira viciada no trabalho que mal se preocupa com família (clichê duplo) até que o marido decide sair de casa para que ela reflita sobre a relação dos dois. Nesse mesmo dia ela perde o emprego e ela então se vê forçada a mudar de atitude. E no meio dessa mudança vem a conhecer Marcela (Maria Paula), sua vizinha e dona de sex shop barato, onde ela começa a trabalhar. Apesar desse roteiro manjado, cheio de elementos repetidos a exaustão em outras produções, o ponto de partida do filme não é de todo ruim, mas esse ponto a favor se perde em meio a previsibilidade da história e das piadas. Essa falta de originalidade talvez seja o que mais incomoda na produção, pois uma breve olhada nos humorísticos da TV é o suficiente para descobrir de onde veio a principal fonte de inspiração do filme.

De Pernas Para o Ar alcançou até um relativo sucesso de bilheteria, ultrapassando a marca de dois milhões de espectadores, índice suficiente para motivar uma continuação que já está engatilhada para sair no final de 2012. Ainda prefiro comédias brasileiras como Alto da Compadecida, O Casamento de Romeu e Julieta e Mulher Invisível.

DE PERNAS PRO AR **
(idem, Brasil, 2010, 97 min., Comédia)
Diretor: Roberto Santucci
Com Ingrid Gumarães, Bruno Garcia e Maria Paula.
Cotação: RUIM
Cotação IMDB: 5,8

Crítica - Persepolis

2011-01-30T14:42:00.001-02:00

Baseada na grafic novel homônima, Persépolis é uma animação francesa bastante diferente das que se está acostumado a ver, pois ela é direcionada para o público adulto e tem um traço bastante peculiar, prezando pelo tons preto-e-branco e cinzas, muito fiel a história em quadrinhos que inspirou o filme. Mas o que mais chama atenção no filme é a temática política que permeia a história de Marjane Satrapi, uma iraniana que nasceu em meio ao regime ditatorial do Xá Reza Pahlavi.

No começo do filme vemos Marjane com 9 anos de idade e descobrindo a realidade que a cerca. Na escola ela aprendeu que o Xá é o escolhido de Deus para governar o país, mas seus pais, e principalmente seu tio, começam a esclarecer a história de corrupção e repressão que caracterizam o governo do ditador. A partir de então, Marjene começa a entender melhor o país em que ela vive, assim como também o espectador, que é apresentado aos drama de se viver em um país fundamentalista e repressivo, que pune com a morte qualquer tipo de ativista contra o regime. Tentando livrar Marjane dos perigos da guerra recém travada com o Iraque, seus pais a mandam estudar na Europa, na cidade de Viena, na Áustria. Lá, Marjane tem contato com uma cultura totalmente diferente da sua, cuja adaptação não aconteceu sem antes sofrer o típico drama do deslocamento e preconceito.

O filme mostra bem as dificuldades dos iranianos dentro e fora do seu país e tem o grande mérito de aproximar seus personagens das pessoas de culturas bem diferentes das deles, o que é mostrado, por exemplo, na passagem em que os jovens faziam festas secretas, para não ser descoberto pela polícia, que reprimia qualquer evento que juntassem homens e mulheres, sem falar na bebida alcoólica e músicas estrangeiras. No entando, fora do Irã, as dificuldades não se mostraram menores, pois Marjane sofria por causa de uma cultura que não conseguia compreender.

As aventuras da personagem principal são as mesmas de sua criadora, Marjane Satrapi, que escreveu a grafic novel e também co-diregiu o filme. Essa proximidade da autora com o história passada para as telas foi fundamental para o sucesso dessa adaptação, muito fiel e carga dramática na medida certa para provocar e emociar seu público, na sua maioria ignorantes da história pólitica e cultural do Irã. Persépolis foi indicada ao Oscar de melhor animação e ganhou o grande prêmio do júri do Festival de Cannes.

PERSEPOLIS ****

(idem, França/EUA, 2007, 1h28, Animação)

Direção: Marjane Satrapi e Vicent Paronnaud.

Vozes de Chiara Mastroianni e Catherine Deneuve.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 8,0

Crítica - Alien, O Oitavo Passageiro

2011-01-28T23:16:00.000-02:00

Ao revisitar um grande filme antigo é preciso olhá-lo não somente com a concepção atual do que é bom e ruim, é também necessário analisá-lo segundo a ótica da época em que foi lançado, pois em muitos casos, o estrondoso sucesso de um filme da ensejo a ocorrência de muitas cópias que fazem que o material original se envelheça mais rápido com o passar das décadas. Esse parece ser o caso de Alien, O Oitavo Passageiro. O filme veio ressuscitar o gênero de ficção científica após Guerra nas Estrelas, e adicionar ingredientes de filmes de horror foi a fórmula que mais alavancou o seu sucesso. Mas, aos olhos atuais, o horror mostrado no filme já não impressiona tanto e soa um pouco envelhecido.

O filme foi o primeiro de uma trilogia que se completou em 1992, complementado por Alien, O Resgate (dirigido por James Cameron) e Alien 3 (a cargo de David Fincher, até então um diretor desconhecido), que conseguiram manter o sucesso do começo. Em comum entre os três está a figura durona de Sigourney Weaver, semelhante a figura feminina do Rambo, que luta contra o Alien. Em O Oitavo Passageiro conhecemos a origem da história, quando os tripulantes de uma nave cargueira recebe um pedido de ajuda em um planeta desconhecido. No solo um dos tripulante é atacado por um ser alienígida saído de dentro de um ovo. Resgatado e já dentro da nave, a criatura desaparece e começa a aterrorizar a todos.

A partir desse ponto o filme começa a ganhar seus contornos de horror, mas o que mais salta aos olhos é as diversas, e bem executadas, cenas de ação que se seguem. A cena final alia suspense e ação na medida certa é encerra o filme da melhor maneira possível. Ridley Scott que ainda estava no início de sua carreira mostrou sua qualidade e competência ao conseguir passar toda tensão e terror presentes na trama para o espectador.

O que mais chama a atenção no longa, até hoje, é sua apurada direção de arte, recriando precisamente o interior da nave, e efeitos especiais (ganhador do Oscar), que, na versão remasterizada lançada em DVD, fica ainda mais impressionante: marca registrada de Ridley Scott que também impressionou no seu trabalho seguinte, Blade Runner - O Caçador de Andróides.

Alien, O Oitavo Passageiro é um horror que é difícil de se encontrar hoje em dia, bem produzido, executado e escorado em um ótimo elenco. Os filmes do gênero atualmente se resumem quase sempre em filmes B que quase sempre ficam abaixo de crítica. Portanto, ver a obra de Scott deixa um leve sentimento saudosista.

ALIEN, O OITAVO PASSAGEIRO ****
(Alien, EUA, 1979, 1h55, Ficção/Terror)
Direção: Ridley Scott
Com Sigourney Weaver, Tom Skerritt, John Hurt, Iam Holm, Veronica Cartwright e Harry Dean Staton.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 8,5

Top 10 - Os Melhores Filmes da Década - Parte 2

2011-01-27T14:14:00.004-02:00

Demorei um pouco, mas está aí a parte dois do Top10 (mais precisamente top 20 ao todo) dos melhores filmes da década que passou. O link da primeira parte está aqui

OS INFILTRADOS (The Departed, EUA, 2006)

Direção: Martin Scorsese

Scorsese, escorado no ótimo roteiro de William Monahan, ganhador do Oscar de melhor roteiro adaptado, filmou sobre algo que já mostrou ser mestre em filmar: o mundo do crime. Ao adicionar a figura dos infiltrados, ele jogou tanto a polícia quanto os bandidos no mesmo balaio, facilitando a percepção de suas obscuras semelhanças. Scorsese ganhou o Oscar de melhor diretor pelo filme.

APENAS UMA VEZ (Once, Irlanda, 2006)

Direção: John Carney

Uma das maiores surpresas do cinema do ano de 2006, Apenas Uma Vez conta a história de amizade criada entre um músico de rua e uma florista que, juntos, começam a tocar juntos enquanto criam uma grande amizade. Apesar de um roteiro convencional, o filme esbanja emoção em suas músicas que são todas, sem exceção, de excepcional lirismo e melodia. Por isso venceu o Oscar de melhor música em 2008.

ZODÍACO (Zodiac, EUA, 2007)

Direção: David Fincher

Talvez o item mais peculiar da minha lista seja esse ótimo filme policial dirigido pelo sempre competente David Fincher. Muito injustiçado nas premiações americanas, o filme consegue manter o clima de suspense por todos os minutos das mais de duas horas de duranção e, o mais incrível, sem cometer erros de continuidade ou de filmagem.

NA NATUREZA SELVAGEM (Into the Wild, EUA, 2007)

Direção: Sean Pean

A adaptação do livro homônimo de Jack Krakauer sobre a vida de Chris McCandless é tocante. Ao renunciar a sua boa vida de universitário em troca de liberdade que o permitisse por o pé na estrada e conhecer novos lugares e pessoas, foi uma boa oportunidade para se discutir diversos temas sobre a vida e sua ligação com bens materiais e a natureza. Sean Pean não foi simplista em sua abordagem e não se resumiu a fazer um mero filme hippie, ele foi mais profundo e fez realizou uma verdadeira reflexão sobre auto-conhecimento e lições de vida. Emilie Hirtch está ótimo.

BATMAN - O CAVALEIRO DAS TREVAS (The Dark Knight, EUA, 2008)

Direção: Christopher Nolan

Nolan é realmente um cineasta notável, sem toda a publicidade que cerca alguns diretores de Hollywood ele está aos poucos construindo uma filmografia admirável. Em 2008 ele conseguiu fazer algo que já parecia improvável, ressucitar não só a franquia Batman, mas como todas as adaptações de super-herois para os cinemas, provando que elas podem não ser apenas puro entretenimento. Claro que também contribui muito a espantosa atuação de Heath Leadger, que ganhou o Oscar póstumo de ator coadjuvante pelo papel de Coringa.

WALL-E (idem, EUA, 2008)

Direção: Andrew Stanton

O que não falar dessa animação? Sem precisar pronunciar sequer uma sílaba, Wall-E conseguiu se tornar um dos personagens mais carismáticos e, por extenção, mais queridos do cinema. A Pixar, que já era conhecida pela suas ótimas produções, realizou a sua obra-prima e conseguiu transmitir um nível de profundidade e sensibilidade a altura de A Viagem de Chihiro.

GRAN TORINO (idem, EUA, 2008)

Direção: Clint Eastwood

Eastwood encerrou sua produção da década da melhor maneira possível. Novamente dirigindo e atuando, ele consegue fazer um filme tocante e emblemático, em grande parte sustentado em Eastwood, que está ótimo no papel do homem amargurado vivendo fora de seu tempo.

BASTARDOS E INGLÓRIOS (Inglourious Basterds, EUA/Alemanha, 2009)

Direção: Quentin Tarantino

O estilo singular de Tarantino de filmar, valendo-se de violência exagerada virou marca estilística própria do diretor. Dessa vez, Tarantino tinha em mãos um dos roteiros mais originais filmado nos últimos anos e extraindo o máximo de seu elenco, principalmente de Chritopher Waltz (que ganhou o Oscar de melhor ator coadjuvane), realizou novamente um filme criativo e ousado.

UP - ALTAS AVENTURAS (Up, EUA, 2009)

Direção: Pete Docter e Bob Peterson

A Pixar novamente consegue acertar a mão e superar a sua maior concorrente, a DreamWorks. Up é filme sensível, supreendentemente adulto, mas que consegue também agradar os mais jovens. Ao unir o drama da velhice com a alegria da juventude, ambos os personagens centrais se completam e mostra que o choque de gerações é apenas superficial. Todos os personagens são extremamente carismáticos, garantindo muitas risadas e emoções.

AVATAR (idem, EUA, 2009)

Direção: James Cameron

O maior blockbuster da década, filmada pioneiramente por Cameron em 3D (que depois disso virou moda), é proporções épicas tanto dentro quanto fora das telas. Dentro vimos uma ágil aventura de encher os olhos, graças aos até hoje insuperáveis efeitos especiais, e fora das telas vimos a maior arrecadação de todos os tempos, no valor de 1,85 bilhões de dólares, superando Titanic (também dirigido por Cameron).

OBS.: ainda não vi filmes como A Rede Social e A Origem, por isso não pude avaliá-los e eventualmente adicioná-los à lista.

Crítica - Invictus

2011-01-24T00:12:00.000-02:00

Antes de ser um filme sobre a emblemática figura de Nelson Mandela ou um mero filme sobre o rugbi, Invictus foca mais na superação das sequelas do apartheid sul-africano por meio do perdão e da tolerância. Quando Mandela subiu ao poder na África do Sul o medo das pessoas brancas de retaliação dos negros era grande, mas a disposição do presidente, contra toda expectativa, foi promover a união entre eles, achando dentro do esporte o instrumento perfeito para transmitir sua mensagem. Logo no início do filme, Eastwood, em uma demonstração irrefutável do seu talento de contar histórias, mostra a cena em que a comitiva de Mandela passa por uma rua, onde de um lado estava um grupo de pessoas brancas praticando rugbi e do outro várias crianças negras jogando futebol em um campo improvisado. Eastwood não precisou de mais tempo para demonstrar a divisão na qual se encontrava a África do Sul.

Invictus é o nome do poema que servia de inspiração para Nelson Mandela (Morgan Freeman) durante o seu tempo de prisão e que passou para o capitão da seleção de rugbi do país, Fraçois Pienaar (Matt Damon), para inspirar seu time durante a Copa do Mundo que acontecerá no país. Mandela deposita suas esperanças de reconciliação entre brancos e negros no sucesso do time na competição.

Em uma das melhores interpretações de sua carreira, Morgan Freeman encarnou perfeitamente a figura de Mandela, certamente entrando para o rol dos papéis reais mais bem interpretados, do cinema junto com Ben Kingsley no papel de Gandhi, ou como Anthony Hopkins interpretando Richard Nixon. Matt Damon vai bem também, mostrando bastante destreza ao encarar um papel que exigiu mais que seu talento de ator.

Clint Eastwood conduz o filme de forma bastante sóbria no início, retratando com muita precisão a situação política e social da África do Sul e a forma como Mandela enxerga no rugbi a chave para passar sua mensagem ao país, tudo isso regado de ótimos diálogos e discursos. Quando o filme muda de tom e começa a dar mais destaque a campanha da equipe na Copa do Mundo o espectador já está vidrado na campanha rumo ao título da seleção e deixa ter importância pequena a condencendência de Eastwood quanto às falhas de Mandela na condução de sua política. Na parte final, o diretor conduz sua câmera de forma a passar o máximo de emoção à suas cenas, recorrendo até ao batido recurso da câmera lenta, que aqui foi bem aplicada.

Não é um dos melhores trabalhos de Eastwood, mas é inegável reconhecer que ele raramente comete falhas, sendo quase insuperável quando o que se analisa é a arte de se filmar uma história. Em Invictus percemos isso, mas infelizmente faltou o lampejo de genialidade demonstrado anteriormente em Gran Torino e Menina de Ouro.

INVICTUS ****
(idem, EUA, 2009, 2h10, Drama)
Direção: Clint Eastwood
Com Morgan Freeman, Matt Damon e Adjoah Andoh
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 7,4

Filmes Essenciais #16 - Doze Homens e Uma Sentença

2011-01-22T17:59:00.000-02:00

Ter o completo domínio sobre a câmera e sobre s diálogos é algo que exige muita destreza do diretor, pois filmes muito falados correm sempre o risco de se tornarem enfadonhos, sem falar que na maioria das vezes eles não acrescentam nada de substancial para o filme. Esse recurso é muito usado em filmes pretensiosos, que pretendem ser mais inteligentes que o espectador e assim ganhar um falso prestígio. Por isso não deixa de ser surpreendente que Sidney Lumet tenha conseguido no início de sua carreira nos cinemas (mas já era um veterado na produções de TV) realizar um filme sustentado em grande parte sobre os seus diálogos.

Doze Homens e Uma Sentença se passa praticamente todo dentro da sala do júri que precisa decidir se o garoto de 18 anos acusado da morte do pai é culpado ou inocente do crime. É necessário uma unanimidade entre os jurados para a condenação. No entanto, um dos jurados (Henry Fonda) ainda tem dúvida quanto a culpa do garoto e, contra o entendimento de todos, começa a discutir os motivos que colocam em dúvida o seu julgamento.

Entre os jurados é possível, ao longo do filme, identificar precisamente a personalidade de cada um deles, refletindo bem em escala micro a sociedade da época. Encontramos no grupo pessoas preconceituosas, desisteressadas, engajadas, inseguras, enfim, um leque de personalidades que vão se chocar umas com as outras em busca do consenso. O filme coloca com muita nitidez o fato de que o preconceito e a ignorância vão contra qualquer lampejo de racionalidade trabalhado dentro das discussões. A sede de sangue e justiça (?), muito comum ainda hoje, também ofusca a percepção da realidade, pois ansiosos em condenar o garoto que aparentemente teria matado o pai, os jurados nem ao menos se debruçaram no caso, pensando sobre o lado do garoto. O personagem de Henry Fonda foi o único que inicialmente lhe deu o benefício da dúvida.

Tratado dessa maneira Doze Homens e Uma Sentença é um dos melhores filmes de júri (por extenção de tribunais) já feito, pois ele não se preocupa apenas em nos apresentar um caso intricado e cheio de detalhes, mas também em provocar o expectador quanto ao lado subjetivo de qualquer julgamento, principalmente o realizado pelo júri.

Escorado em vibrantes interpretações de todos os jurados, que de uma forma ou de outra, deixaram a sua marca durane a discussão, o filme prende a atenção do espectador a cada minuto, articulando bem todas as pontas soltas do caso, de modo que algo que parecia tão certo no início tenha a credibilidade cada vez mais abalada. O filme foi muito bem recebido pela crítica, inclusive ganhando o Urso de Ouro no Festival de Berlim, além de ter recebido a indicação de 3 Oscars (filme, diretor e roteiro).

DOZE HOMENS E UMA SENTENÇA *****

(12 Angry Men, EUA, 1957, 95 min,.Drama)

Direção: Sidney Lumet

Com Hoenry Fonda, Lee J. Cobb, Martin Balsam e Ed Begley.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,9

Crítica - Um Parto de Viagem

2011-01-14T22:40:00.000-02:00

A carreira de Todd Phillips é feita de altos e baixos, mas mostra sinais claros que está melhorando seu gosto para comédias. Depois de dirigir bombas como Starsky e Hutch - Justiça em Dobro (2004) e Escola de Idiotas (2006), ele finalmente acertou a mão, além de alcançar sucesso, com o hilário Se Beber, Não Case!, talvez o melhor filme de comédia de 2009. No ano seguinte, ele tentou repetir o feito com Um Parto de Viagem, apostando novamente na dobradinha com Zach Galifianakis e adicionando o estrelado de Robert Downey Jr., que vive o melhor momento de sua carreira.

A história de uma figura careta que é praticamente obrigado a aturar a companhia de um sujeito muito louco durante uma viagem que atravessa o país não é nova, ela é na realidade uma refilmagem do clássico Antes Só do Que Mal Acompanhado (1987), cuja dupla principal era encarnada por Steve Martin e John Candy. Só que tudo foi adaptado ao estido de Phillips que é bastante afeito ao humor politicamente incorreto. O responsável para transmitir essa trangressão coube a Galifianakis, bastante a vontade no papel de sujeito amalucado, maconheiro e um tanto inocente.Ele é a grande figura deste filme, cuja figura é perfeitamente contraposta pelo personagem de Downey Jr.: sujeito maduro, moderno e correto, que praticamente é levado a loucura durante a longa viagem que precisou travar.

Não se trata de uma comédia para se ver em família, pois o filme está recheado de cenas que remetem a sexo, drogas e piadas sujas. O ritmo é dinâmico e não deixa o espectador baixar o sorriso por mais do que alguns minutos. As piadas são criativas e espirituosas, muitas vezes somos surpreendido com o grau das enrrascadas que eles se metem.

Quanto ao elenco, a dupla Downey Jr. e Galifianakis não desapontam e demonstraram muita química (ou não, dependendo do ponto de vista) como parceiros de viagem, totalmente diferentes um do outro. Além disso, há também uma pequena participação de Jamie Foxx como amigo do personagem de Downey Jr.

O sucesso de Se Beber, Não Case! lançou tanto Phillips quanto Galifianakis à fama, mas somente com Um Parto de Viagem é que ficou evidente que não se tratou apenas de um golpe de sorte e ficou mais fácil apostar que ambos tem muito futuro no gênero comédia. Futuro esse que vislumbra mais um dobradinha entre eles, dessa vez com a continuação de Se Beber, Não Case!, previsto para maio desse ano.

UM PARTO DE VIAGEM ****
(Due Date, EUA, 2010, 1h40, Comédia)
Direção: Todd Phillips
Com Robert Downey Jr., Zach Galifianakis, Michelle Monaghan, Jamie Foxx e Juliette Lewis.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 7,0

Vida e Obra - Clint Eastwood

2011-01-12T22:02:00.002-02:00

Aos 80 anos de idade, Clint Eastwood nem pensa em ficar longe do cinema. Sua produção tem ficado com o passar dos anos cada vez melhor, tanto com ator quanto como diretor, ás vezes em ótimos rendimentos simultâneos, como fez em Menina de Ouro (2004) e Gran Torino (2008). Nascido em 31 de maio de 1930, começou a vida perambulando em diversas profissões como atendente de loja, bombeiro e músico, até que em 1950 foi convocado para servir o exército, onde sofreu um grave acidente de avião.

Seu início de carreira cinematográfica foi difícil, começou fazendo pequenos papeis em filmes de baixo orçamento e séries de TV (como Rawhide, que estrelou no período 1959-1965). Sua ascensão ao estrelato começou quando, cinco anos após seu último trabalho, protagonizou Por Um Punhado de Dólares (1964), a primeira parte da lendária trilogia de Sergio Leone. Nos anos seguintes vieram Por Uns Dólares a Mais (1965) e o clássico Três Homens em Conflito(1966). Para sempre ficou marcado o seu ar amargurado e carrancudo sustentado enquanto encarnava o homem sem nome. Isso foi o início de sua grande carreira, que ainda demorou alguns anos para se solidificar.

Escorado pelo sucesso da trilogia, Eastwood protagonizou outros faroestes de sucesso. Em 1968 atuou em A Marca da Forca, com Pat Hingle (o comissário Gordon dos quatro primeiros Batman) e Dennis Hopper nos principais papeis; em 1973, em Um Estranho Sem Nome, onde teve elogiado desempenho, tanto como ator quanto como diretor. Mas na década de 70 Eastwood se notabilizou em trabalhar em diversos filmes de ação, como Meu Nome é Coogan(1968), Perseguidor Implacável (1971), Perversa Paixão (1971), Magnum Force (1973) e Rota Suicida(1977). Sua carreira como diretor nasceu nesse período. Enquanto tentava consolidar sua imagem de ator de filmes de ação em Hollywood, ele engatinhava no ofício atrás das câmeras.

Seu primeiro grande reconhecimento nessa área aconteceu na ocasião de lançamento de Josey Wales - O Fora da Lei, onde também fazia o papel principal. O filme chegou até a ser indicado a um Oscar (o de melhor música, a primeira indicação de algum filme de Eastwood). Mas o seu primeiro grande prêmio demorou a sair, antes disso foi indicado à Palma de Ouro do Festival de Cannes em 1985, por Cavaleiro Solitário, e em 1988 por Bird, filme que lhe rendeu o Globo de Ouro de Melhor Diretor. Da segunda metade da década de 80 ficou evidente a predileção de Eastwood em se concentrar mais em sua carreira de diretor e, a partir dos anos 90, ele definitivamente parou de atuar em filmes em que ele não fosse o diretor, o último foi Na Linha de Fogo, de Wolfgang Petersen, em 1993.

Preocupando-se mais em dirigir mais do que em atuar, Eastwood teve sucesso quase que imediato, pois logo em 1992 ganhou seu primeiro Oscar de melhor diretor com o seu último faroeste, o emblemático Os Imperdoáveis, quando também foi indicado pela única vez ao Oscar de melhor ator. Depois disso Eastwood aparentemente começou a se preparar para sua fase mais madura que só viria a partir dos anos 2000. Nessa fase dirigiu os medianos Poder Absoluto (1997), Meia-Noite no Jardim do Bem e do Mal (1997) e Crime Verdadeiro (1999), além do romântico As Pontes de Madison (1995) e do injustiçado Cowboys do Espaço, onde conseguiu reunir um elenco de peso, com nomes como Tommy Lee Jones, Donald Sutherlando, James Garner, além do próprio Eastwood.

O marco principal que fixou o reconhecimento de Eastwood como um dos maiores cineastas da atualidade aconteceu em 2002, com o filme Sobre Meninos e Lobos, quando voltou a ser lembrado pelo Oscar, sendo indicado como melhor diretor. Apesar de ser bastante elogiado, ele não levou o Oscar pra casa. No entanto, fora da América Eastwood ganhou reconhecimento ganhando o prêmio em Cannes e o Cézar. Mantento o alto nível, em 2004 veio Menina de Ouro, o fazendo repetir a dobradinha conseguida em 1992 com Os Imperdoáveis, levando a estatueta do Oscar de diretor e a de melhor filme. Novas indicações vieram com o seu grandioso projeto que filmou seguidamente os dois lados da guerra entre EUA (cuja história foi retratada em A Conquista da Honta) e Japão (Cartas de Iwo Jima). Em A Troca, com Angelina Jolie no difícil papel da mãe que enfrenta a polícia para encontrar seu filho desaparecido, Eastwood faz um filme difícil, longo; talvez por isso ele não tenha caído no gosto do público americano, arrecadando menos do que seus custos (uma diferença de US$20 milhões). Mas seu trabalho mais maduro ainda estava por vir: Gran Torino talvez seja a obra-prima desse diretor que sabe filmar uma história como poucos atualmente sabem fazer e, no papel principal, soube transparecer com perfeição a amargura de um homem que vive fora de seu tempo. Atualmente Eastwwod está em cartaz com o drama sobre a morte Além da Vida, que vem recebendo boas avaliações da crítica.

Na vida pessoal, Eastwood tem sete filhos de cinco mulheres diferentes, sendo que se casou com apenas duas delas, Maggie Johnson e Dina Ruiz, com quem vive atualmente. Também teve um romance entre 1976 e 1988 com a atriz Sondra Locke, com quem contracenou em Josey Wales, Rota Suicida, Punhos de Aço - Um Lutador de Rua (1980) e Impacto Fulminante (1983).

PRINCIPAIS PRÊMIOS

OSCAR: ganhou 2 Oscar de melhor diretor (Os Imperdoáveis e Menina de Ouro), 2 Oscar de melhor filme (idem) e um prêmio honorário Irving G. Thalberg em 1995.

GLOBO DE OURO: ganhou 3 Globo de Ouro de melhor diretor (Bird, Os Imperdoáveis e Menina de Ouro) e prêmio Cecil B. DeMille em 1998.

CÉZAR: ganhou 3 Cézar de melhor filme estrangeiro (Sobre Meninos e Lobos, Menina de Ouro e Gran Torino) e um Cézar honorário em 1998.

CANNES: ganhou um Palma de Ouro de melhor diretor (Sobre Meninos e Lobos) e um prêmio em homenagem a carreira em 2008.

FESTIVAL DE VENEZA: ganhou o Future Film Festival Digital Award por Dívida de Sangue e o Leão de Ouro em homenagem à carreira em 2000.

FILMOGRAFIA (exclui seriados)

DIRETOR: 1971 - Perversa Paixão; 1973 - Um Estranho Sem Nome e Interlúdio de Amor; 1975 - Escalado Para Morrer; 1976 - Josey Wales - O Fora da Lei; 1977 - Rota Suicida; 1980 - Bronco Billy; 1982 - Firefox e Honkytonk Man; 1983 - Impacto Fulminante; 1985 - O Cavaleiro Solitário; 1986 - O Destemido Senhor da Guerra; 1988 - Bird; 1990 - Coração de Caçador e Rookie - Um Profissional de Perigo; 1992 - Os Imperdoáveis; 1993 - Um Mundo Perfeito; 1995 - As Pontes de Madison; 1997 - Poder Absoluto e Meia Noite no Jardim do Bem e do Mal; 1999 - Crime Verdadeiro; 2000 - Cowboys do Espaço; 2002 - Dívida de Sangue; 2003 - Sobre Meninos e Lobos; 2004 - Menina de Ouro; 2006 - A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima; 2008 - A Troca e Gran Torino; 2009 - Invictus; 2010 - Além da Vida.

ATOR: 1955 - Revenge of the Criature (não creditado), Francis in the Navy, Lady Godiva e Tarantula; 1956 - Star in the Dust (não creditado), Never Say Goodbye (não creditado), The First Traveling Saleslady; 1957 - A Raposa do Mar (não creditado); 1958 - Lafayette Escadrille e Ambush at Simarron Pass; 1964 - Por Um Punhado de Dólares; 1965 - Por Uns Dólares a Mais; 1966 - Três Homens e Um Destino; 1967 - As Bruxas; 1968 - A Marca da Forca, Meu Nome é Coogan e Where Eagles Dare; 1969 - Os Aventureiros do Ouro; 1970 - Two Mules for Sister Sara e Os Guerreiros Pilantras; 1971 - The Begiled, Perversa Paixão e Perseguidor Implacável; 1972 - Joe Kidd; 1973 - O Estranho Sem Nome, Interlúdio de Amor (não creditado) e Magnum 44; 1974 - O Último Golpe; 1975 - Escalado Para Morrer; 1976 - Josey Wales - O Fora da Lei e Sem Medo da Morte; 1977 - Rota Suicida; 1978 - Every Which Way But Loose; 1979 - Fuda de Alcatraz; 1980 - Bronco Billy e Punhos de Aço - Um Lutador de Rua; 1982 - Firefox e Honkytonk Man; 1983 - Impacto Fulminante; 1984 - Um Agente na Corda Bamba e City Heat; 1985 - Um Cavaleiro Solitário; 1986 - O Destemido Senhor da Guerra; 1988 - Dirty Harry na Lista Negra; 1989 - Pink Cadillac; 1990 - Coração de Caçador e Rookie - Um Profissional de Perigo; 1992 - Os Imperdoáveis; 1993 - Na Linha de Fogo e Um Mundo Perfeito; 1995 - Pontes de Madison; 1997 - Poder Absoluto; 1999 - Crime Verdadeiro; 2000 - Cowboys do Espaço; 2002 - Dívida de Sangue; 2004 - Menina de Ouro; 2008 - Gran Torino.

Crítica - Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto

2011-01-10T09:48:00.006-02:00

Desde que estreou na direção com elogiadíssimo Doze Homens e Uma Sentença em 1957, o diretor Sidney Lumet tem construído uma carreira bastante eclética, inicialmente se especializando em séries de TV e posteriormente para longas-metragens, tudo ancorado no seu primeiro sucesso. No entanto, sua carreira foi bem irregular, alternando bons momentos com outros nem tanto assim. Lumet é hoje lembrado principalmente por filmes como A Colina dos Homens (1965) com Sean Conery, Serpico (1974) e Um Dia de Cão (1975) com Al Pacino, além de Assassinato no Expresso do Oriente (1974), quando reuniu um grande elenco com Ingrid Bergman, Lauren Bacal e Albert Finney. Mas com o passar dos anos sua obra perdeu relevância e se caracterizou por uma sucessão de erros, como Gloria (1999) com Sharon Stone. Somente em 2007 ele novamente tentaria a redenção, dessa vez com Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto.

Na época Lumet tinha 83 anos, ou seja, no final de sua carreira e com experiência o suficiente para que se evitasse graves erros de execução. Mas, infelizmente, não foi isso que ocorreu. Foi realmente uma pena Lumet falhar no último filme, até agora, da sua carreira. Antes Que o Diabo Saiba... se escora principalmente em seu inventivo roteiro, assinado pelo estreante Kelly Masterson, que conta a história de dois irmãos (Philip Seymour Hoffman e Ethan Hawke) em dificuldades financeiras que decidem assaltar a joalheria dos pais, a qual conhecem como a palma da mão. O seguro cobriria o rombo do assalto e ninguém sairia no prejuízo. Entretanto, tudo dá errado e durante o assalto a mãe da dupla é morta e agora eles precisam se concentrar em apagar as pistas.

A cena do crime é mostrada nos primeiros minutos de projeção e logo depois é empreendida uma cansativa sequência de flash-back, intercalada com a repercussão do crime, fazendo que a pretendida aparência de sofisticação da história se tornasse tudo muito confuso e, principalmente, enfadonho. Depois que o crime foi cometido, o roteiro tinha a oferecer pouca coisa de interessante além do caso que o personagem de Hawke tinha com a mulher do irmão (Marisa Tomei) e da promessa de vingança dos pais deles (Albert Finney). A impressão é que o filme foi mal editado e ficou mais longo do que deveria. A história desse crime desastrado, ao contrário do que possa parecer, não é ponto central de uma história policial e sim de um drama familiar, pois a partir daí há uma colisão familiar, com todos os membros se voltando contra eles mesmos.

Os personagens são bem construídos e os atores conseguiram passar bem a impressão de desespero e canalhice necessários, principalmente Philip Seymour Hoffman. A exceção é Marisa Tomei, cujo personagem foi mal explorado na trama e podia ter maior influência nos rumos que a história tomou, sua participação na trama, com exceção da sua última cena, é quase cosmética.

Por tudo isso, Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto é um filme que promete muito, a começar pelo seu título, mas entrega muito pouco ao espectador. Sua embalagem aparentemente complexa e intricada é, na verdade, apenas um subterfúgio para esconder uma boa ideia mal executada. Uma pena que Lumet tenha praticamente encerrada sua ótima carreira desse jeito.

ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO **
(Before the Devil Knows You're Dead, EUA, 2007, 1h50, Drama)
Direção: Sidney Lumet
Com Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Michael Shannon e Amy Ryan.
Cotação: RUIM
Cotação IMDB: 7,4

Filmes Essenciais #15 - Em Busca do Ouro

2011-01-07T22:32:00.004-02:00

Não é preciso destacar o quanto é difícil escolher o melhor filme dentre as dezenas produzidos/ filmados/ atuados por Charles Chaplin. Luzes da Cidade, Tempos Modernos e O Grande Ditador certamente não podem ficar de fora da lista dos melhores, mas aquele que encabeça praticamente todas as listas dos melhores da história frequentemente feita por críticos é o emblemático Em Busca do Ouro. O próprio Charles Chaplin no fim de sua carreira reconheceu que é por esse filme que ele gostaria de ser sempre lembrado.

Chaplin faz um show completo nesse filme que contou com um grande apuro na produção. Foram deslocados cerca de 600 pessoas (alguns mencionam eram cerca de 2500) para as geleiras de Sierra Nevada para retratar a corrida do ouro no Alasca. A maioria dessas pessoas eram sem-teto que toparam participar das filmagens em troca de alguma comida. Mas o vagabundo que mais se destaca não podia deixar de ser Chaplin. Em Busca do Ouro é famoso por suas diversas cenas antológicas (e engraçadíssimas) que são a sua cara. Não é possível deixar de mencionar a dança no salão com Georgia, a cena da luta entre o procurado pela justiça e o faminto Big Jim dentro da cabana, ou ainda a cena em que a mesma cabana está prestes a cair precipício a baixo. Todas ainda mantêm, mais de 85 anos depois, uma comicidade latente e deliciosa. Mas nenhuma análise ficaria completa sem citar a cena mais famosa de todas: a cena da dança dos pãezinhos. Não foi Chaplin que a criou, mas foi ele quem deu a ela muito mais graça e humor, tornando-se inesquecível.

A história de Em Busca do Ouro se passa no Alasca, onde um mar de pessoas se deslocaram para tentar a sorte na mineração. E Chaplin encarnou um desses intrépidos aventureiros. Mas em nenhum momento ele conseguiu fazer o que queria, pois desde logo uma série de intempéries sempre o deixava no meio de confusão. Depois de passar muito fome com seu colega isolados na cabana, ele chega em uma dessas cidades construídas com essa corrida do ouro e lá, mais precisamente no saloon local, conhece e se apaixona por Georgia, uma bonita dançarina. Outra curiosidade desse filme reside no papel de Georgia, que primeiramente era para ser de Lita Grey. Mas antes das filmagens começarem, Grey, na época com 16 anos, se engravida e posteriormente se casa com Chaplin.

Mas não foi somente risadas que Chaplin quis provocar com Em Busca do Ouro, tão importante quanto foi destacar a vida marginal desse aventureiros do gelo que estão em busca de sucesso e dinheiro. Essa discreta provocação em forma de humor é uma das principais características do cineasta, seja destacando a luta de classes em O Grande Ditador, seja uma crítica à sede por dinheiro do capitalismo em Madame Verdoux.

Conciliar essas duas frentes de trabalho é um dentre os vários motivos que se atribui a Chaplin o adjetivo de gênio. O seu perfeccionismo talvez venha a comprovar tal fato, em Em Busca do Ouro por exemplo, a cena em que Carlitos e Big Jim comem a própria bota foi filmada mais de 60 vezes por Chaplin, até que ela ficasse do seu gosto.

EM BUSCA DO OURO *****

(The Gold Rush, EUA, 1925, 1h25, Comédia)
Direção: Chales Chaplin
Com Charles Chaplin e Mack Swain.
Cotação: ÓTIMO
Cotação IMDB: 8,3

Filmes Essenciais #14 - Amor à Flor da Pele

2011-01-05T10:41:00.002-02:00

O cenário é a Hong Kong dos anos 60. Desde àquela época o espaço nesse pequeno país asiático era disputadíssimo, a oferta de casas não acompanhava o crescimento populacional. A solução encontrada foi dividir cada vez mais os espaços dos apartamentos para abrigar mais famílias, transformando muitos desses apartamentos em pequenas pensões. O fato das pessoas se aglutinarem cada vez mais em pequenos espaços não significou em um aprofundamento das relações pessoais, mantendo-se portanto o modo tímido e discreto do oriental de se relacionar.

É dentro desse cenário que se passa o romance de Amor à Flor da Pele. Ambientado nessas pensões onde diversas famílias convivem dentro de um minúsculo espaço, o romance entre a Sra. Chan (Maggie Cheung esplendorosa) e Chow (Tonny Leung) começa em condições bem adversas. Com os respectivos cônjuges, eles se mudam, quase que simultaneamente, para apartamentos vizinhos, momento em que se conheceram e começaram a ter respeitoso trato. Tudo ameaça mudar quando descobrem que seus parceiros estão tendo um caso entre eles, justificando as longas ausências tanto do marido de Chan quanto da esposa de Chow.

Kar-Wai é extremamente cuidadoso em expor esse quadro mútuo de adultério (tanto que em nenhum momento mostrou o rosto de nenhum dos parceiros adúlteros) valendo-se em várias passagens de apenas menções veladas ou silêncios conclusivos, ou seja, ele retratou tudo de forma muito discreta. Expressando tal cuidado, vemos que a câmera de Kar-Wai parece estar sempre espiando as cenas, dado os recortes e as tomadas fechadas feitas.

O ritmo compassado que Kar-Wai imprime à narrativa destaca a forma reservada, pra não dizer resignada, como o casal traído se aproxima. de jantares de conversa tímida pra aos poucos se desenvolver para um relacionamento mais aberto, apesar de sempre escondido dos conhecidos. Apesar do que o título nacional possa parecer, não se trata de um romance fervilhante, impulsivo, talvez de modo a suprir o profundo desengano sofrido. Mas, ao invés disso, nós vemos apenas um amor reprimido, ansiando para ser liberado e consumado, encontrando apenas como obstáculo os padrões morais da época.

Não há como não torcer para que ambos acabem juntos, pois apesar de nem eles chegarem a se beijar, é evidente que para ambos, com o perdão do reducionismo, o amor está à flor da pele. Não querendo revelar o final, mas impelido a não deixar de citar o pequeno ensinamento embutido na conclusão do filme, cito a passagem que o encerra: "Ele se recorda desses anos perdidos como se olhasse para uma janela empoeirada. O passado é algo que ele pode ver, mas não pode tocar, e tudo que vê agora está turvo e mal definido"

AMOR À FLOR DA PELE *****

(Fa Yeung nin Wa, Hong Kong/França, 2000, 1h35, Romance)

Diretor: Wong Kar-Wai

Com Maggie Cheung e Tonny Leung.

Cotações: ÓTIMO

Cotações IMDB: 8,1

Crítica - Atividade Paranormal 2

2011-01-02T11:34:00.003-02:00

Como já era carta marcada desde o lançamento do seu predecessor em 2009, Atividade Paranormal 2 não demorou muito (pouco mais de um ano) para pintar nas telas de cinema, tentando repetir o estrondoso sucesso alcançado pela primeira versão da história da família atormentadA pela presença de um demônio dentro de sua casa. Para não arriscar demais e correr o risco de desagradar o público, o filme manteve o mesmo formato de antes e pouco ousou em seu roteiro. Tudo que agradou no primeiro filme foi mantido: a filmagem caseira, o cenário familiar e as manifestações que aos poucos vão aumentando, rendendo alguns sustos para os desavisados.

Nessa continuação sai Oran Peli da direção (participando apenas como produtor-executivo) e entra Tod Williams (Provocação, 2004). Tal alteração se mostra apenas cosmética, pois nenhuma mudança estrutural foi promovida e a fórmula de sucesso se manteve intocada. Pena que essa opção teve mão dupla, pois Atividade Paranormal 2 perdeu o grande atrativo que possuía antes: a sensação de suspense que começava bem antes do filme começar. Dessa vez todo mundo já sabia o que esperar dessa continuação, perdendo em grande parte o frescor que contava a favor antes. Não ajuda em nada o aviso supostamente verídico dado em nome da Paramount Pictures de que eles obtiveram ajuda da polícia local ao retratar a história, ou seja, indiretamente dizendo que se trata se fatos reais.

A história da continuação mantém estreita relação com o filme anterior, inclusive com as manifestações sobrenaturais ocorrendo ao mesmo tempo. Dessa vez é a irmã de Katie (cuja história foi contada no primeiro filme) e sua família que serão o centro das manifestações demoníacas. Novamente os eventos foram inicialmente subestimados pela família, que não queriam acreditar no que via, mas aos poucos as manifestações vão intensificando, obrigando-os a tomar alguma providência.

Ficou claro que os roteiristas se desdobraram ao tentar relacionar os eventos dos dois filmes, criando soluções bastante forçadas e que não convencem. Bem, ainda sobraram os sustos para deixar a produção pelo menos divertida? Não, somente com muita inocência é possível se assustar com os momentos mais críticos, e, para piorar, os momentos com mais potencial foram horrivelmente filmadas, mesmo para os padrões de uma produção caseira. As cenas finais foram irremediavelmente prejucadas com a falta de luminosidade, ficando impossível saber o que está se passando dentro da casa.

Custando quase US$ 3.000, Atividade Paranormal 2 ainda conseguiu fazer bonito nos cinemas, arrecadando algo em torno de US$ 84 milhões somente nos cinemas americanos. Lucro excepcional para uma produção tão simples quanto esta. Por isso é fácil entender o fato de Atividade Paranormal 3 já estar marcado para estrear no final desse ano. Estamos diante de uma nova franquia de filmes de horror.

ATIVIDADE PARANORMAL 2 **

(Paranormal Activity 2, EUA, 2010, 1h25, Terror)

Direção: Tod Williams

Com Katie Featherston, Micah Sloat e Sprague Grayden.

Cotação: RUIM

Cotação IMDB: 6,1

Crítica - Preciosa - Uma História de Esperança

2011-01-01T15:51:00.003-02:00

A apresentadora de TV americana Oprah Winfrey foi a grande responsável pelo filme Preciosa - Uma História de Esperança ganhar a dimensão que alcançou, inclusive ganhando dois Oscar, o de melhor atriz coadjuvante para Mo'Nique e de melhor roteiro original. Sem o financiamento e a publicidade feita por Oprah dificilmente Preciosa sairia do círculo alternativo e alcançaria a crítica mundial, pois o filme não é nada fácil de se ver. Trata-se de uma história pesada, amarga, que coloca o dedo na ferida sobre a vida de diversas garotas de periferia.

Com 16 anos, Precious (a estreante Gabourey Sidibe) já é extremamente obesa e mãe de dois filhos, pois desde pequena ela é vítima de constantes estupros do pai. Movida pelos ciúmes, sua mãe (Mo'Nique) ainda a submete a constantes agressões e xingamentos. O único alento de sua vida é imaginá-la em uma vida totalmente diferente, com namorados, riqueza e fama, embora a vida tenha lhe reservado apenas uma dura realidade. A maior chance dela mudar de vida foi começar, depois de ser expulsa de sua escola anterior, um cursinho comunitário, onde conheceu a professora Blue Rain (Paula Patton), a única que se dispôs a ajudá-la.

O diretor Lee Daniels cuidou desses elementos delicados com muita competência, não descendo o nível por meio de uma abordagem repulsiva e nem com sentimentalismos baratos. Apesar de ser um filme duro de assistir (ainda mais triste ao percebermos que aquilo ocorre incontáveis vezes pelo mundo) o sub-título em português deixa transparecer que o filme nos reserva para o final: um grande ensinamento de vida.

Atrizes desconhecidas como Gabourey Sidibe e Mo'Nique, dão um show de interpretação dramática, a primeira ao se passar tranquilamente por uma adolescente (na época ela tinha 27 anos) e ao conseguir transparecer uma triste melancolia no semblante, a segunda por encarnar uma das megeras mais odiosas do cinema. Mais experiente, vemos a pequena, mas importante, participação quase irreconhecível da cantora Mariah Carey como a agente do assistência social.

Sem ter sido feito para divertir ou entreter seu público, a história de esperança de Precious foi feita antes de tudo para chocar, embora em muitos momentos é possível que nos surpreendamos refletindo sobre a existência de diversas Precious em nossas comunidades.

PRECIOSA - UMA HISTÓRIA DE ESPERANÇA ***

(Precious, EUA, 2009, 1h49, Drama)

Direção: Lee Daniels

Com Gabourey Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton e Mariah Carey.

Cotação: REGULAR

Cotação: 7,5

Top 10 - Os Melhores Filmes da Década - Parte 1

2010-12-31T18:45:00.005-02:00

Se em final de ano todo mundo gosta de fazer suas listas dos melhores, imagina em final de década. Esse é um bom momento para relembrarmos o que de melhor o cinema produziu na década, rememorando, com uma pitada se saudosismo, as melhores produções, principalmente as surpresas. Por isso decidi enumerar não apenas 10, mas os melhores 20 filmes da década na minha suspeita opinião. A lista será classificada segundo a ordem de lançamento, incluindo o ano de 2000 até a presente data. A seguir vai a primeira parte da minha lista.

AMNÉSIA (Memento, 2000, EUA)

Direção: Christopher Nolan

Subvertendo o padrão da narrativa cinematográfica ao filmar seu filme de trás para frente, Nolan realiza um filme-protótipo, experimental. O resultado é um filme frenético com um final (início) revelador.

AMOR À FLOR DA PELE (Fa yeung nin wa, 2000, Hong Kong/França)

Direção: Wong Kar-Wai

Sem estar apoiado em um roteiro claro, Wong Kar Wai conta a história do traído casal que se une por meio de um resignado romance.

A VIAGEM DE CHIHIRO (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001, Japão)

Direção: Hayao Miyazaki

Em 2001 finalmente o mundo conhece a obra de Miyazaki, um dos maiores gênio do cinema moderno. A fantasiosa e emblemática jornada de Chihiro para voltar para seu mundo é capaz de encantar crianças e adultos. Ganhou o Oscar de melhor animação em 2003.

DIA DE TREINAMENTO (Training Day, EUA, 2001)

Direção: Antoine Fuqua

Denzel Washinton está perfeito como um corrupto policial que tenta aliciar um novato do departamento. A contraposição do personagem de Ethan Hawke, que tenta seguir os bons princípios da profissão, em meio a um sistema corrompido, se faz emblemática. O embate final entre Hawke e Washington até hoje não saiu da minha memória.

CIDADE DE DEUS (idem, Brasil/França, 2002)

Direção: Fernando Meirelles e Katia Lund.

Chocou o mundo a forma como Meirelles e Lund retrataram o florescer o tráfico de drogas na favela da Cidade de Deus, no Rio. A Cidade de Deus nada mais é do que o microcosmo da vida na periferia dos grandes centros, focando tanto a resistência quanto a degradação de seus habitantes. Chegou a ser indicado a 4 Oscar, inclusive de melhor diretor para Meirelles

O SENHOR DOS ANÉIS - O RETORNO DO REI (The Lord of the Rings: the Return of the Kings, 2003, EUA/Nova Zelândia)

Direção: Peter Jackson

A conclusão da épica saga de Frodo e cia. é de dimensões titânicas. Peter Jackson teve completo domínio dos recursos técnicos disponíveis e os empregou todos de forma brilhante, valendo assistir cada minutos de todos os 200 da projeção. Levou incríveis 11 Oscars, incluindo melhor filme.

BRILHO ETERNO DE UMA MENTE SEM LEMBRANÇAS (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004, EUA)

Direção: Michel Gondry

Uma grande história de amor contada sob seu aspecto mais amargo: o fim do romance. Charlie Kaufman foi extremamente inventivo na hora de contar a sua história sem se fazer pedante nem rebuscado. Jim Carrey e Kate Winslet em ótimas atuações.

O CASTELO ANIMADO (Hauru no Ugoku Shiro, 2004, Japão)

Direção: Hayao Miyazaki

Em 2004 Miyazaki realiza o improvável: realizar uma obra tão boa quanto A Viagem de Chihiro. Funcionando quase como um complemento do anterior, Miyazaki não havia transmitido tudo o que necessitava e nos reservou um outro clássico. A animação em sua melhor forma.

COLATERAL (Collateral, EUA, 2004)

Direção: Michael Mann

Mann imprime em sua obra um impressionante clima noir, que faz desse filme um feito singular na década. Sustentado em atuações segura de Tom Cruise e Jamie Foxx, Mann conseguiu retratar bem a opressão que as grandes metrópoles exercem sobre as pessoas e seus relacionamentos. Final memorável!

O LABIRINTO DO FAUNO (El Laberinto del Fauno, Espanha/EUA/México, 2006)

Direção: Guilhermo Del Toro

Fantasia e realidade se misturam nesse filme deslumbrante. É tocante a forma como a inocência de uma garota encara as crueldades da guerra. A direção de arte do filme (ganhadora do Oscar) é primorosa, resultando em uma fábula visualmente encantadora.

Ler a parte 2

Crítica - Capitalismo - Uma História de Amor

2010-12-31T16:16:00.005-02:00

Depois de criticar a cultura armamentista americana em Tiros em Columbine, a Guerra no Iraque em Fahrenheit - 11 de Setembro e o sistema de saúde americano em Sicko - $o$ Saúde, Michael Moore revisita um dos seus temas mais polêmicos, abordados apenas tangencialmente no início de sua carreira em Roger & Eu: o capitalismo selvagem norte-americano. Não poderia ser o momento mais oportuno de demolir a imagem do capitalismo do que o atual, quando o mundo, principalmente os países desenvolvidos, está se recuperando da devastadora crise econômica que teve seu ápice no ano passado, mas ainda faz sentir seus efeitos até hoje.

Moore inicia seu documentário mostrando a voracidade dos bancos e financeiras sobre o mercado imobiliário, não tendo compaixão das os diversas famílias que perderam suas casas após não conseguir pagar o seu refinanciamento. Depois tenta explicar da forma mais clara possível qual foi a origem da crise imobiliária americana, estopim da atual crise. Também demonstra que os bancos, sob o apoio dos políticos que o avalizam, de explorar a população americana em troco do enriquecimento desenfreado da elite econômica. Moore é muito hábil em demonstrar seu ponto de vista, como ele fez logo na cena de abertura quando comparou a queda do império romano ao momento atual em que se encontra os EUA.

Em um dos pontos altos do filme, Moore mostra a revolta dos funcionários de uma fábrica recém fechada que se recusava a pagar os valores devido. Os empregados então se trancaram dentro da fábrica, só saindo após suas reivindicações serem plenamente atendidas. Ao contrário do que pode parecer, Moore não opta pelo comunismo como alternativa ao capitalismo, ele deseja por um modelo mais livre e equitativo, sem se ater a rótulos. Como é do estilo seu, muitas vezes Moore exagera para provocar, para que o espectador, principalmente o americano, toma uma posição crítica a respeito do abuso que ordienamente ele é vítima. Mas muitas vezes ele tropeça e não consegue a clareza necessária para que o público acompanhe seu raciocínio, que se vale de vários conceitos econômicos complicados.

Mais direcionado ao público americano, Capitalismo - Uma História de Amor pode servir para todos que vivem em um país de economia capitalista. O sistema norte-americano é modelo em todo mundo e, por extensão, muitos dos abusos mostrados por Moore são facilmente identificáveis em nossas vidas, ou seja, o filme interessa porque provoca.

CAPITALISMO - UMA HISTÓRIA DE AMOR ***

(Capitalism: A Love Story, EUA, 2009, 2h07, Documentário)

Direção: Michael Moore

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 7,4

Filmes Essenciais #13 - O Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças

2010-12-30T15:11:00.008-02:00

O prestígio do roteirista Charlie Kaufman já era alto antes de lançar a sua obra-prima. Depois de roteirizar sucessos como Quero Ser John Malkovivh, Confissões de Uma Mente Perigosa e Adaptação, muito se esperava de Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças. Tramas bem elaboradas e inusitadas viagens dentro da psique humana são suas marcas principais, e dessa vez Kaufman não fez diferente, conseguindo escrever uma história praticamente irrepreensível, tecnicamente perfeita. Quando roteiros complexos são levados as telas do cinema, é comum que haja diversos furos e pontas soltas. Mas Kaufman, em parceria com o diretor Michel Gondry, conseguiu contar uma ótima história de uma forma melhor ainda, sem cometer excessos ou exageros estíliscos. Sua trama é complexa, porém não é rebuscada, deixando um tempo para o expectador pensar sobre profundidade da história ao invés de ficar tentando entender as voltas que o roteiro dá, pois basicamente o roteiro se sustenta em uma única e essencial reviravolta.

A história já prende o espectador desde o início. Logo nos primeiros minutos vemos o taciturno Joel (interpretado brilhantemente por Jim Carrey) conhecendo a destrambelhada Clementine (Kate Winslet também em ótima atuação). Rapidamente o casal começa a namorar, mas não demora para que ela começasse a ignorá-lo, como se não o conhecesse. Somente depois Joel fica sabendo que Clementine o apagou completamente da memória por meio da técnica criada pelo Dr. Howard (Tom Wilkinson), que permite que se apague qualquer pessoa ou fato da memória. Revoltado com essa atitude, Joel também se submete ao tratamento para apagar Clementine de sua vida.

De uma maneira totalmente inovadora, e amarga, o filme é um dos romances mais realistas já filmados, pois antes de vasculhar os mistérios da mente humana, Kaufman conta uma grande história de amor, com seus inescapáveis altos e baixos. Será que o fato de um relacionamento ter acabado é motivo o suficiente para que apaguemos ele de nossa mente? Por pior que tenha sido o fim, será que todo o romance tenha sido um erro? Não houve momentos felizes? Kaufman discute tudo isso e passa para o espectador a mensagem de que não nos devemos nos levar pela projeção que fazemos do parceiro em início de relacionamento, pois uma hora ela irá fatalmente desmoronar.

Kate Winslet e Jim Carrey estão ótimos como casal, a química entre os dois é patente, fazendo o clima de romance fluir com naturalidade. A versatilidade de Jim Carrey impressiona, pois prova mais uma vez (a primeira foi em O Show de Truman) que é um eficiente ator dramático. No entanto ele também se vale de sua veia cômica para dar ao personagem um ar mais leve e menos melancólico.

Reconhecido com um justo Oscar de melhor roteiro original (além de um BAFTA) Kaufman superou as expectativas e escreveu um dos melhores filmes e um dos romances mais alternativos, mas não menos tocantes, da década. Uma curiosidade: o título do filme partiu de um poema do poeta inglês Alexander Pope: "Feliz é o inocente vestal!/ Esquecendo o mundo e sendo por ele esquecida./Brilho eterno de uma mente sem lembranças/ Toda prece é ouvida, toda graça se alcança".

BRILHO ETERNO DE UMA MENTE SEM LEMBRANÇAS *****

(Eternal Sunshine of the Spotless Mind, EUA, 2004, 1h48, Romance)

Diretor: Michel Gondry

Com Jim Carrey, Kate Winslet, Tom Wilkinson, Mark Ruffalo, Kirsten Dunst e Elijah Wood.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,5

Filmes Essenciais #12 - O Castelo Animado

2010-12-29T16:41:00.009-02:00

Apenas três anos depois do sucesso mundial alcançado por A Viagem de Chihiro, inclusive angariando um Oscar de melhor animação, Hayao Miyazaki conseguiu realizar uma obra tão magnífica quanto esta com O Castelo Animado. O filme consegue ser praticamente perfeito em quase tudo: roteiro, trilha sonora, animação, efeitos, atingindo um desempenho técnico que em certos momentos supera a obra anterior de Miyazaki. O perfeccionismo desse gênio do cinema japonês é evidente quando se admira o impressionante visual da animação, toda feita segundo o estilo tradicional que o consagrou, não se rendendo às inovações da computação gráfica, exceto por algumas inserções quase imperceptíveis. Uma das suas marcas principais é o cenário ricamente colorido, não ficando evidente sequer uma imprecisão gráfica ou exagero estilístico. Por tudo isso, os filmes de Miyazaki são uma experiência extremamente impactante, impressionando o espectador do começo ao fim.

Baseado na obra da inglesa Diana Wynn Jones, O Castelo Animado mostra a história da jovem Sophie, uma solitária artesã que toca a chapelaria da família. Achando-se feia e desastrada em relação a suas irmãs, Sophie muda de vida quando seu caminho cruza com o do feiticeito Hauru (Howl na versão em inglês) no momento que ele fugia dos demônios da bruxa Arechi. Após esse breve encontro, a bruxa, achando que Sophie tinha alguma ligação com o feiticeiro, joga-lhe um feitiço, fazendo-a se transformar numa idosa de 90 anos, com o agravante dela não poder revelar o seu problema pra ninguém. Sophie então foge de casa procurando alguém que possa ajudá-la, até encontrar com o castelo animado, residência de Hauru. No meio dessa jornada ela recebe ajuda de diversos personagens muito cativantes, como o espantalho Nabo e o demônio em forma de fogo Calcifer. Nos remetendo a uma das melhores características de O Castelo Animado e, por extensão, de Miyazaki: os seus personagens. São todos de arrebatador carisma, sem ao menos precisar pronunciar qualquer palavra, como acontece com Nabo. São eles o principais catalisadores das emoções do filme, fazendo que torçamos, ou não, por eles.

Assim como também acontece com A Viagem de Chihiro, Miyazaki é sutil ao abordar temas profundos em suas animações, ainda que revestidas de uma história aparentemente familiar. Miyazaki agora inclui uma mensagem anti-guerra em sua história. O castelo animado é frequentemente perseguido pelas forças reais, como forma de represália ao feiticeiro Hauru por ele não contribuir na obscura (até o final do filme) e estúpida guerra. A forma que Hauru se rebelou do poderio real, responsável por iniciá-lo no ramo da feitiçaria, parece ser uma mensagem aos governos cujos principais problemas são causados por eles próprios. Tudo em Miyazaki parece ser mais profundo do que parece, são diversos os momentos em que somos assaltados por momentos de reflexão. Lamentavelmente, o Oscar não lhe entregou a estatueta de animação em 2006, que ficou para o comercial Wallace & Gromit - A Batalha dos Vegetais.

O Castelo Animado talvez seja o menos infantil de todas as obras de Miyazaki, seu roteiro é complexo e ás vezes até um tanto confuso, apesar do carisma do seus personagens serem suficiente para garantir a diversão da família. Não somente essencial, conferir a obra de Miyazaki é também algo obrigatório.

O CASTELO ANIMADO *****

(Hauru No Ugoku Shiro, Japão, 2004, 1h56, Animação)

Diretor: Hayao Miyazaki

Vozes de (versão em inglês): Christian Bale, Emily Mortimer, Lauren Bacall, Billy Crystal e Josh Hutcherson.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,1

Crítica - Lembranças

2010-12-28T20:37:00.002-02:00

Pegando carona na popularidade que a série Crepúsculo lhe rendeu, Robert Pattinson encara um novo papel numa produção em bancada em parte por ele próprio. Dessa vez ele é Tyler, um amargurado jovem, cujo irmão de quem era muito próximo se suicidou. Seu pai (Pierce Brosnan) é um riquíssimo empresário com quem não se dá bem, culpando-o do triste destino do seu irmão, assim como de toda a sua família. Sua vida dá uma virada quando conhece a também traumatizada Ally (Emilie de Ravin, a Claire da série Lost).

A história não muito original não dá pistas que quão ruim é o início desse filme, caracterizada por injustificado ritmo lento, diálogos ruins e personagens mal desenvolvidos. Sem falar em diversas cenas forçadas, como a que iniciou a briga de rua, na qual Tyler foi preso pelo pai de Ally (interpretado por Chris Cooper). Nada justifica tamanha surra que Tyler deu em um dos envolvidos na confusão, não ficou claro o porquê dele não se limitar a apenas a apartar a briga. O motivo apresentado pelo colega de apartamento dele para, depois da confusão, se aproximar da filha do policial, é risível, me fazendo perguntar se aquilo que via era um desses besteiróis americanos.

As falhas grosseiras em pontos chaves fadavam o filme a se tornar uma bomba daquelas, até que surpreendentemente o filme foi ganhando profundidade e uma interessante carga dramática. Ficou para o final a abordagem dos problemas familiares dos personagens. O embate de Tyler com seu pai, cobrando-o maior participação na vida da sua irmã menor esbanjou vigor, em grande parte creditado ao excelente desempenho de Pierce Brosnan como pai workaholic e distante. O bullying sofrido das colegas de classe da irmã menor de Tyler também aprofundou o tom do filme. Destaque-se a cena em que Tyler dá um susto daqueles na garota que mexia com sua irmã ao jogar um extintor janela a fora. Nesse ponto até Pattinson que estava mal, demonstrou ser um ator promissor.

Por isso dá pra dizer que Lembranças é um filme que dá pra se dividir em duas partes: a primeira muito mal realizada e demasiadamente longa e uma segunda com cenas interessantes, ocasionalmente vibrantes, concluída de forma previsível, ainda que sob circunstâncias inesperadas. No final, ficam as lamentações quanto aos erros grosseiros do início.

LEMBRANÇAS ***

(Remember Me, EUA, 2010, 1h48, Romance)

Diretor: Allen Coulter

Com Robert Pattinson, Emilie de Ravin, Pierce Brosnan, Chris Cooper e Lena Olin.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 7,0

Crítica - Enterrado Vivo

2010-12-28T00:47:00.006-02:00

É possível se fazer um filme com a participação de um único ator nas telas? Se sim, é ainda possível que esse filme seja tenso, desesperador e prenda a atenção do espectador o tempo todo, tornando-se um dos melhores lançamentos do ano? O novato diretor espanhol Rodrigo Cortés demonstrou que é. Para que isso ocorresse, porém, era essencial que fosse escolhido um ótimo ator, pois ele é quem vai sustentar todo o filme durante os seus 90 minutos de duração. Confesso que a minha escolha não seria Ryan Reynolds (o próximo Lanterna Verde). Mas Cortés teve visão e apostou no ator americano, que não decepcionou e mostrou uma vigorosa atuação mesmo sob as péssimas condições que estava sujeito: deitado e limitado pelo espaço de um caixão comum.

Antes de ver Enterrado Vivo me recusava a crer que o filme todo se passava dentro do caixão e que, apesar de todos que o assistem saberem de sua história, ela é conduzida de modo frenético, sendo impossível saber qual é a próxima atitude do enclausurado. A história não se desenvolveria se não fosse pela presença do celular e do isqueiro dentro do caixão, o primeiro garantindo os diálogos e o segundo fornecendo a luz. Por meio das ligações feitas, descobrimos que o enterrado vivo é Paul Conroy, um motorista de caminhão que trabalhava no Iraque até seu comboio ser atacado, momento em que ele perder os sentidos. Ao acordar descobre que ele está enterrado dentro de um caixão junto com alguns objetos, como celular, isqueiro e um pouco de bebida.

Em meio a todo a esse desespero, Cortés conseguiu inserir diversas discussões políticas atuais como a relação espinhosa do terrorismo com a imprensa (até quanto a publicidade dos seus feitos fornecem subsídios para novos ataques?) e a ocupação norte-americana no Iraque. Tudo costurado por meio de diálogos precisos e frenéticos. Nada do filme está fora do tom, todos os elementos do filmes estão em perfeita harmonia, desde a fotografia sufocante até a trilha sonora opressiva.

Enterrado Vivo alia elementos de cinema autoral com cinema comercial, proporcionando uma experiência rara no cinema, divertindo e provocando ao mesmo tempo. É notável o fato que de projetos tão limitados financeiramente nasçam grandes obras como essa, revelando também profissionais de muito talento como Cortés e Reynolds. Os míseros custos de três mil dólares e os 17 dias de filmagem foram suficiente para que surgisse essa pequena obra-prima.

ENTERRADO VIVO *****

(Buried, Espanha/EUA/França, 2010, 1h33, Suspense)

Diretor: Rodrigo Cortés

Com Ryan Reynolds.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 7,5

Filmes Essenciais #11 - Asas do Desejo

2010-12-26T16:19:00.010-02:00

Quando Win Wenders dirigido Asas do Desejo ele já havia alcançado o sucesso e reconhecimento mundial com o seu Paris, Texas. Três anos depois ele decide voltar a raízes e filmar o coração de Berlim, ainda não recuperada dos efeitos da guerra, além de permanecendo isolada e dividida por um muro que ainda resistia ao fim da guerra fria, separando seu povo. Brilhantemente fotografada ora em preto-e-branco, ora com cores vibrantes, Berlim é palco da existência de diversos anjos. Ninguém além das crianças e cegos sentem a sua presença. Sua existência se resume a perambular pela cidade ouvindo os pensamentos das pessoas e conhecendo os seus dramas e, apesar de não puderem agir diretamente sobre as ações delas, são capazes de trazer certo alento de espírito.

Damiel (Bruno Ganz) é um desses anjos que acaba se apaixonando por uma bela e solitária trapezista (Solveig Dommartin). Essa paixão é somente o estopim da sua profunda vontade de viver como os humanos, sentir coisas triviais, como o toque sobre pele, o frescor de uma lufada de vento e o fascínio de poder reconhecer cores e sabores. Após um encontro com o ator Peter Falk (interpretando ele mesmo) em que ele sente a sua presença ao lado, Damiel decide cair no mundo mortal e viver seu romance.

Win Wenders imprimiu em sua obra um ritmo compassado e lento, sem se preocupar em abrir o jogo do filme logo no seu início. Por isso que a primeira parte do filme é muita mais concentrada na rotina dos anjos em presenciar os duros momentos dos humanos. É melancólica a impotência dos anjos ante o sofrimento humano, ante a ignorância comum a todos que pode custar uma vida. Reside aí numa das razões do anjo Damiel de descer do firmamento, expresso na fabulosa passagem em que ele conversa com outro anjo, quando ele deseja pela ignorância: "Por fim, 'achar' ao invés de 'saber'". O filme nesse ponto realiza um verdadeiro manifesto do valor dos pequenos prazeres da vida, tão ignorados pelas pessoas.

Aceitar o profundo tom filosófico que toma conta do filme é essencial para a obra ser bem apreciada. Poucas obras de hoje em dia, imprimem um tom tão autoral e artístico quanto fez Wenders. Somente em sua meia-hora final que o ritmo da ação se acelera e o roteiro se concentra na experiência de Damiel ao ganhar uma existência mortal. A partir de então, o mundo monocromático que conhecia ganha cores, tudo impresso na bela fotografia de Henri Alekan (A Princesa e o Plebeu)

Fez tanto sucesso que ganhou uma continuação em 1993 (Tão Longe, Tão Perto) e uma adaptação hollywoodiana em Cidade dos Anjos, estrelada por Nicholas Cage e Meg Ryan, filme previsivelmente menos filosófico e mais romantizado do que este. Asas do Desejo rendeu também a Wenders o prêmio de melhor diretor em Cannes.

ASAS DO DESEJO ****

(Der Himmel über Berlin, Alemanha/França, 1987, 2h05, Drama)

Diretor: Wim Wenders

Com Bruno Ganz, Solveig Dommartin, Otto Sander e Peter Falk.

Cotação: BOM

Cotação IMD: 8,0

Crítica - Paprika

2010-12-26T00:39:00.004-02:00

A MadHouse, produtora japonesa de animação, é uma das maiores do mundo, sendo responsável por grandes produções do gênero, como as populares séries Death Note, Devil May Cry e Boogiepop Phantom, além do aclamadíssimo longa Metropolis, baseado na obra do mestre Osamu Tezuka. Todos tem como ponto em comum o apuro técnico e a originalidade de suas histórias. Por isso, cumpre a tradição da MadHouse o filme dirigido pelo cineasta japonês Kon Satoshi (Perfect Blue), muito famoso em sua terra, mas praticamente desconhecido no ocidente. Na maioria das suas animações, são os sonhos o tema principal. Mas em Paprika, segundo o próprio Satoshi, não é contada uma história de sonhos, e sim de pesadelos.

Os sonhos estão prestes a serem totalmente palpáveis, graças a uma nova invenção que permite o acesso ao que se passa na cabeça do paciente enquanto sonha, inclusive possibilitando pontuais intervenções. O problema começa quando três desses aparelhos são roubados. A partir de então, o ladrão começa a invadir o sonho das pessoas e, em seguida, a uni-los em um grande sonho compartilhado. Com a ajuda de Paprika, entidade controladora da máquina, os coordenadores do projeto e um detetive vão em busca dos responsáveis por esse grande caos.

Desse ponto em diante o filme presenteia o espectador atento e esforçado, pois o que se vê é uma profusão desenfreada de sonhos que se misturam com a realidade, fazendo que o espectador se confunda e não saiba mais definir o que é real ou imaginário. Por isso, Paprika é um filme difícil, que exige muita atenção e concentração. Sem isso, somente vendo o filme uma segunda vez que será esclarecida as diversas dúvidas que podem, e certamente irão, aparecer.

Apesar da dureza no conteúdo, somos ao mesmo tempo presenteados com belas animações. David Lynch certamente conseguiria transmitir muito melhor seus experimentos oníricos se optasse pela animação para transmiti-los. Os japoneses são os que melhores exploram os recursos quase que ilimitados do gênero para criar suas originalíssimas fantasias, como Paprika. O modo como Satoshi idealizou seus sonhos permitiram alcançar resultados muito interessantes, como as passagens em que as pessoas que mergulharam dentro desse sonho coletivo viram meros brinquedos. Satoshi também é discreto ao inserir diversos pontos de intertextualidade com o pensamento de Freud e com clássicos do cinema (os sonhos do detetive Konakawa relembra filmes como A Princesa e o Plebeu e Tarzan), complementado com diálogos interessantes: "Não acha que os sonhos e a internet são semelhantes? Ambos são lugares para se liberar o consciente reprimido."

Paprika guarda muitas semelhanças com A Origem de Christopher Nolan, tanto este diretor quanto Satoshi buscaram devassar o subconsciente humanos manifestado por meio de sonhos. Aqui o resultado é complexo, muitas vezes confuso em pontos que deviam ser claros, fica patente em tais passagens um desnecessário de preciosismo. Mas, ainda assim, Paprika está um degrau acima da média das animações adultas modernas.

PAPRIKA ****

(Papurika, Japão, 2006, 1h26, Animação)

Diretor: Kon Satoshi

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 7,7

Crítica - Karatê Kid

2010-12-25T21:33:00.001-02:00

A refilmagem do clássico juvenil Karatê Kid - A Hora da Verdade de 1984 foi uma das produções mais espinhosas e criticadas do ano. Uma releitura de um grande filme tão poucos anos após a produção original proporcionou as péssimas expectativas quanto a esse filme. Nem mesmo o nome de Jackie Chan como o Sr. Miyagi melhorou a sua imagem. A verdade é que, surpreendentemente, Karatê Kid (2010) superou a expectativa de todos e mostrou um resultado tão bom quanto o filme estrelado por Ralph Macchio.

O que mais garantiu o sucesso desse remake foi a opção de não se seguir fielmente o filme original e sim fazer uma releitura da história para os tempos de hoje. São várias as alterações, começando pelo fato da história se passar na China (e não nos EUA como antes), de modo que foi possível captar bem a tradição das artes marciais na cultura chinesa, o que nos remete a outra diferença: o kung-fu toma o lugar do karatê, justificando a feliz escolha de Jackie Chan como mestre. Também todos os nomes foram trocados, assim como os personagens e cenas. Na verdade, somente a essência da história remonta ao filme original.

A sinopse irá explicitar melhor as diferenças. Jaden Smith (filho de Will Smith de À Procura da Felicidade) é Dre, garoto negro que mudou junto com a mãe para China depois dela ser transferida no emprego. No novo bairro, Dre conhece Meiying, jovem violinista com quem ele começa uma simpática amizade. Mas Dre também faz inimigos. Não demora muito para ele começar a ser perseguido pelos garotos do bairro, garantido-lho boas surras. Numa delas, Dre é salvo pelo zelador Han, que costura um acordo com os seus agressores. Eles deixam Dre em paz, se ele participar do próximo torneio de luta local. A partir de então, Han ensinará ao jovem a técnica do kung-fu.

A parceria entre Jaden Smith e Jackie Chan não podia ser melhor. Ambos esbanjam profundidade e simpatia em seus papeis, o primeiro ao fazer o garoto novato conhecendo uma realidade diferente da que estava acostumado, o segundo ao fazer o papel de mestre do kung-fu anti-social e amargurado. Juntos os dois se complementam e dividem o que cada um sente falta: o jovem Dre de lições de kung-fu (e tudo que inclue nele, como disciplina e calma) e o senhor Han de redenção e paz.

O sucesso do filme não foi somente técnico, mas também comercial. Nona maior arrecadação de 2010, o filme faturou algo em torno de US$ 176 milhões somente nos EUA. Nada mal para uma produção que era mal vista por muitos desde que ela foi anunciada e para um diretor de gosto questionável como Harald Zwart, responsável por filmes como O Agente Teen e A Pantera Cor de Rosa 2. Como quase tudo que em hollywood que faz relativo sucesso, essa nova fase de Karatê Kid está bem perto de ganhar continuação.

KARATÊ KID ****

(The Karate Kid, EUA/China, 2010, 2h15, Ação)

Diretor: Harald Zwart

Com Jaden Smith, Jackie Chan e Taraji P. Henson.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 6,2

Crítica - Morte no Funeral (2010)

2010-12-25T16:08:00.006-02:00

Parece que em Hollywood os roteiristas estão sofrendo uma crise de ideias para comédias. A refilmagem da comédia inglesa dirigida por Frank Oz em 2007 foi uma produção totalmente desnecessária. Contar a mesma história apenas 3 anos depois da versão original não podia resultar em grande coisa. Para quem teve a oportunidade de conferir a deliciosa comédia de Oz com certeza não vai curtir nenhum momento do seu correspondente americano. Para quem não viu, talvez até se divirta com as bizarras confusões que acontecem durante o velório, rendendo algumas risadas esporádicas. Para estes recomendo ver o filme original antes, que é muito mais engraçado e espirituoso,

O novo Morte no Funeral se restringe a praticamente a copiar o filme de Oz. São as mesmas cenas, situações, diálogos e piadas, praticamente nada de novo é criado. Não se trata de uma releitura, nem de uma adaptação, o roteirista de Dean Craig (o mesmo do filme original) se limitou a fazer apenas uma pequena adaptação ao paladar americano dessa comédia. De resto, o filme é o mesmo, só que sem a metade da graça. Até a cena inicial que mostra a animação do caminho percorrido pelo caixão até o local do velório é repetido aqui.

Talvez achando que o humor negro usado por Oz não fosse do gosto das plateias americanas, Neil LaBute (O Sacrifício) deixou, teoricamente, tudo do gosto deles. Começando pelo elenco. Reuniu-se aqui um elenco de grandes nomes, como Chris Rock (Gente Grande), Martin Lawrence (Bad Boys), Danny Glover (Máquina Mortífera) , Zoë Saldana (Avatar), entre outros. Depois, LaBute tentou copiar tudo que havia de bom no filme original, como a "viagem" do personagem Simon do filme original depois de, por engano, tomar pílulas de LSD. O desempenho de Alan Tudyk (Coração de Cavaleiro) foi insuperável no papel. Ficou a cargo de James Marsden (o ciclope de X-Men) o encargo de fazer o seu papel e, apesar do seu digno desempenho, não conseguiu, assim como tudo no filme, alcançar um bom desempenho.

De premissa muito simples, o filme retrata o velório do patriarca de uma família. Com todos os parentes reunidos, começam a se desenhar diversas situações inusitadas que impedem que a cerimônia siga a diante. Mágoas familiares afloram, segredos obscuros são revelados e diversos outros problemas terão que ser resolvidos em pleno velório.

Mesmo reconhecendo que proximidade do filme de Frank Oz prejudique o desempenho de sua refilmagem, mas ainda assim é difícil não reconhecer que Morte no Funeral sofra de diversos defeitos. O principal deles são os seus atores, que não convencem com suas atuações forçadas e exageradas. Típico das recentes comédias americanas. Por isso, é altamente recomendado ver a versão inglesa desse filme, se é comédia o que procura.

MORTE NO FUNERAL **

(Death at a Funeral, EUA, 2010, 1h32, Comédia)

Direção: Neil LaBute

Com Chris Rock, Martin Lawrence, Tracey Morgan, Zoë Salnada, Luke Wilson, Danny Glover, Regina Hall e James Marsden.

Cotação: RUIM

Cotação IMDB: 5,2

Crítica - Os Mercenários

2010-12-24T01:19:00.005-02:00

Talvez o maior problema na maioria dos filmes de Sylvester Stallone, principalmente os dirigidos por ele e logicamente excetuando a série Rocky, seja aturar o seu impulso em literalmente explodir tudo no final. Isso é o suficiente para também acabar com a credibilidade da história passada para as telas. Isso acontece porque Stallone só quer mesmo entreter o seu espectador com muitas cenas de ação. Sua linha de trabalho é, portanto, muito bem definida. Opção muito válida, mas é preciso reconhecer que o cinema está farto de aturar a história do país de terceiro mundo refém do tráfico de drogas que precisa ser salvo pelos justiceiros americanos. E quando essa "salvação" ocorre quando eles espalhafatosamente põe abaixo tudo o que veem pela frente, o clichê se faz completo.

Stallone foi ambicioso em seu projeto. Reuniu aqui um verdadeiro time de brucutus de respeito e colocou todos para fazer o que eles mais sabem fazer: lutar e atirar. No meio de figurões como Jason Stathan, Dolph Lundgren, Jet Li e o próprio Stallone, vemos nomes interessantes, como Terry Crews (o Julius de Todo Mundo Odeia o Chris) e as participações especiais de Bruce Willis e Arnold Schwarzenegger, que estava afastado das telas a seis anos (sua última participação foi em Volta ao Mundo em 80 Dias de Jackie Chan). A brasileira Giselle Itié ganhou no filme um papel de destaque, cumprindo a tradicional função de colírio, essenciais em filmes de ação altamente masculinizados como esse.

Mas Os Mercenários não é um filme para grandes atuações, o elenco serve apenas como isca para espectadores mais saudosos. O que o filme tem para oferecer nos seus 90 minutos de duração são cenas de ação bem executadas, mas muito mal complementadas pelos efeitos especiais. A destruição, por exemplo, do palácio do governo (na verdade o Parque Lage do Rio) no final do filme beira o ridículo. Foi o que deu para fazer com o limitado orçamento do filme, que mesmo assim acumulou dívidas, como a com a produtora brasileira O2 de Fernando Meirelles.

O também limitado enredo do filme conta a história do grupo de mercenários encabeçado por Stallone que recebe a missão de derrubar uma republiqueta ditadorial do terceiro mundo, financiada pelo dinheiro das drogas de um figurão norte-americano. Ou seja, um amontoado de clichês que beira o ridículo. Mais que mercenários, o filme passa a imagem de justiceiros ao para o grupo. Todos, uns mais outros menos, são bem humorados e passam uma boa imagem de companheirismo, principalmente o personagem "aposentado" do grupo, interpretado por Mickey Rourke (convincente).

Curto, dinâmico, sem dar muita brecha para diálogos mais elaborados, Os Mercenários alterna bons momentos (como as perseguição de carro) e outros nem tanto (as da cenas finais). A aposta de Stallone é que ele apoiasse somente na ação tresloucada que ele elaborou junto com o carisma, já decadente, dos seus astros. O resultado é meio capenga, mas o suficiente para estimular uma continuação. Mais bomba em vista.

OS MERCENÁRIOS ***

(The Expendables, EUA, 2010, 1h33, Ação)

Diretor: Sylvester Stallone

Com Sylvester Stallone, Jason Stathan, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Giselle Itié, Mickey Rourke, Terry Crews, Bruce Willis e Arnold Schwarzenegger.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,8

Filmes Essenciais #10 - Os Intocáveis

2010-12-22T20:18:00.006-02:00

Baseado numa série de muito sucesso da TV americana, Os Intocáveis conta a história do agente federal Eliott Ness (Kevin Costner) na luta contra o império do crime de Al Capone (Robert De Niro) durante a época da lei seca nos EUA. Junto dele se une outros agentes de sua confiança, formando um grupo de policiais incorruptíveis, daí a designação "os intocáveis".

De todos os grandes cineastas que já retrataram a máfia, como Coppola em O Poderoso Chefão e Martin Scorsese em Os Bons Companheiros e Cassino, Brian De Palma certamente é o que usa mais da violência. Scarface, por exemplo, é um dos filmes mais sangrentos já feitos. De Palma sempre foi conhecido como um diretor que se vale muito dos exageros para passar sua mensagem. Em Os Intocáveis o diretor está muito mais contido do que antes e, apesar de violento, está mais contido do que o costume, pois se dedicou mais a construir as elaboradas cenas de ação que compõem o filme.

Duas clássicas cenas do filme comprovam a inspiração do diretor: a cena da emboscada na fronteira entre os EUA e Canadá, ambientado por belas locações montanhosas, e a cena das escadas da estação de trem. Feita em slow motion para valorizar o tiroteio e o drama do carrinho de bebê rolando escada abaixo, esta cena é o ponto chave do filme.

O elenco é um caso a parte quanto as qualidades do filme. Contando com nomes que hoje fazem parte do primeiro time de atores de hollywood, De Palma promoveu a ascensão de dois astros que naquela época estavam começando a carreira: Kevin Costner e Andy Garcia. Costner estava recém-saído do seu sucesso em Silverado e desbancou outros grandes atores que estavam cotados para o papel, como Harrison Ford, Jack Nicholson e William Hurt. Andy Garcia depois vários trabalhos na TV ganhou seu primeiro papel de destaque em Os Intocáveis. Em complemento aos dois, temos a presença de Sean Conery como o policial veterano que se junta ao grupo de Eliot Ness. Ele está ótimo num papel inteligente e de muito bom humor que parece ter sido escrito especialmente para ele, ganhando inclusive o Oscar de melhor ator coadjuvante. Completando o time de astros há De Niro como Al Capone, que numa daquelas típicas injustiças do Oscar, não foi ao menos indicado para o Oscar.

Como um todo, Os Intocáveis foi praticamente ignorado pela Academia, sendo apenas indicado, além na de ator coadjuvante, nas de direção de arte, figurino e música. Merecia não somente a indicação, como a estatueta de melhor filme (que em 1988 ficou para O Último Imperador) e de diretor (que ficou para Bernardo Bertolucci, diretor do melhor filme). Tudo seria muito merecido para um dos melhores filmes sobre a máfia do cinema.

OS INTOCÁVEIS *****

(The Untouchables, EUA, 1987, 1h55, Ação)

Diretor: Brian De Palma

Com Kevin Costner, Sean Conery, Robert De Niro, Andy Garcia e Patricia Clarkson.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,0

Top 10 - Filmes de Natal

2010-12-22T11:10:00.016-02:00

Resolvi antecipar a primeira lista para mostrar os melhores filmes natalinos. Eles já são tradição em todo mundo às vésperas da data, e os grandes motores desse costume são as TV's que fizeram muitos desses títulos algo especial para muitas pessoas. Listamos aqui, sem a pretensão de ser uma lista definitiva, os melhores e mais importantes filmes natalinos.

10) O Grinch

(How the Grinch Stole Christmas, EUA/Alemanha, 2000, Comédia)

Direção: Ron Howard

Com Jim Carrey, Jeffrey Tambor, Bryce Dallas Howard e voz de Anthony Hopkins

Jim Carrey está irreconhecível nesse filme que já figura batida na programação natalina da TV brasileira. Grinch é um monstro amargo que guarda grande ressentimento dessa época do ano. Para acabar com o Natal de todos ele bola um plano de roubar das pessoas tudo o que lembre a data. O filme é legalzinho com algumas cenas engraçadas, mas tem todos os defeitos dos filmes de Jim Carrey: humor de mal gosto e cheio de caras e bocas desnecessárias.

9) Sobrevivendo ao Natal

(Surviving Christmas, EUA, 2004, Comédia)

Direção: Mike Mitchell

Com Ben Affleck, Christina Applegate, Catherine O'Hara e James Gandolfini.

Essa comédia coloca a família no olho do furacão em pleno Natal e quem veio para tumultuar a paz dela é Ben Affleck, que sem família decide pagar uma desconhecida para fingirem que ele seja parte dela. Affleck coloca o ar canastrão de lado e faz um papel convincente e engraçado. Também é um bom programa para se ver no Natal da TV.

8) Esqueceram de Mim

(Home Alone, EUA, 1990, Comédia)

Direção: Chris Columbus

Com Macaulay Culkin, Joe Pesci, Catherine O'Hara e Daniel Stern.

Esse clássico infantil marcou época e lançou ao estrelado a figura de Macaulay Culkin. Após ser esquecido pela família durante o feriado de Natal depois de saírem de férias para Paris. Sozinho ele tenta impedir que sua casa seja assaltada por atrapalhados ladrões.

7) O Estranho Mundo de Jack

(The Nightmare Before Christmas, EUA, 1993, Animação)

Direção: Tim Burton

A mistura de Haloween e Natal é uma ideia típica de Burton que realizou uma obra original e muito divertida. Jack é a criatura que cansada de preparar o Halloween tenta preparar um inédito Natal na Cidade do Halloween, chegando ao ponto de até sequestrarem o Papai Noel. O interessante é a terceira participação de Catherine O'Hara, agora fazendo a voz da namorada de Jack, Sally.

6) Milagre na Rua 34

(Miracle on 34th Street, EUA, 1947, Comédia)

Diretor: George Seaton

Com Edmund Gwenn, Maureen O'Hara e John Payne.

Essa comovente história de um Papai Noel de loja que afirma ser ele o verdadeiro foi regravado em 1994, que é muito reprisado até hoje na TV. Um clássico do gênero.

5) Os Fantasmas Contra-Atacam

(Scrooged, EUA, 1988, EUA, Comédia)

Diretor: Richard Donner

Com Bill Murray, Karen Allen e John Forsythe.

Nada de Papai Noel, aqui são espíritos dos Natais do passado, presente e futuro quem irão aprontar. Bill Murray é quem vai ser assombrado por eles e terá que desvendar a suas mensagens para salvar o seu amigo Frank da morte. O filme é baseado num conto de Charles Dickens.

4) Uma História de Natal

(A Christmas Story, EUA/Canadá, 1983, Comédia)

Diretor: Bob Clark

Com Peter Billingsley, Melinda Dillon e Darren McGavin.

Ralphie é o garotinho atentado que tenta convencer todo mundo que o presente ideal para ele de Natal seria uma espingarda.Um filme não muito conhecido por aqui, mas que é sempre lembrado por todos como um dos mais originais e divertidos.

3) Duro de Matar

(Die Hard, EUA, 1988, Ação)

Diretor: John McTiernan

Com Bruce Willis, Alan Rickman e Bonnie Bedelia.

Grupo terrorista não respeita- ram o feriado de Natal e atacaram um edifício em Nova York, onde trabalha a esposa do detetive John McClane. Não se encaixa bem no perfil de filme natalino, mas desde o que o filme seja bom e seja durante Natal, entra na lista.

2) Um Conto de Natal

(A Christmas Carol, Inglaterra/EUA, 1984, Comédia)

Diretor: Clive Donner

Com George C. Scott e Frank Finlay.

Esse filme trata-se talvez da melhor adaptação do conto de Charles Dickens para o cinema, que são inúmeras. Jim Carrey inclusive recentemente participou de uma, que ganhou o nome por aqui de O Fantasma de Scrooge. ssa é uma produção inglesa produzida para a TV. Ela é muito lembrada em listas dessa época do ano.

1) A Felicidade Não Se Compra

(It's a Wonderful Live, EUA, 1946, Drama)

Diretor: Frank Capra

Com James Stewart, Donna Reed e Lionel Barrymore.

Esse filme não é somente o topo dessa lista, como é também um dos filmes essenciais do cinema. Frank Capra enalteceu nesse filme a bondade humana e o valor dos sonhos humildes. Apesar de muito criticado na época de seu lançamento, chegou a ser indicado a cinco Oscars, mas não venceu nenhum. James Stewart faz o papel do pai de família que sucumbido pelas responsabilidade, decide se suicidar, mas é salvo por um anjo que mostra a sua importância das vidas das pessoas que gosta.

Reformulações

2010-12-21T23:35:00.006-02:00

Nos últimos meses o blog deu uma reformulada em seu conteúdo. Passou de blog composto de artigos de opinião, de temática política, cultural e econômica, para um blog sobre cinema. Não é preciso mencionar que as atualizações aumentaram bastante depois dessa alteração, ultimamente somente colocava algumas tirinhas para falar que eu não tinha desistido ainda do blog. Mas agora a vontade voltou. Sempre o cinema me exerceu certo fascínio. Nos últimos anos porém ele aumentou e fez crescer a vontade de conhecê-lo melhor. O blog faz parte desse projeto de aumentar meu conhecimento sobre a sétima arte. Pensava em começar a escrever críticas de todo filme que assistisse a partir do ano novo. Afinal, ano novo, projetos novos. Mas decidi não esperar o ano novo chegar e logo no final de outubro resolvi começar esse plano. A audiência do blog aumentou com isso, apesar dos comentários continuarem na mesma. E se engana, porém, quem acha que não guardei nada para o início do ano. Começarei a fase 2 desse projeto que não vai se limitar apenas a fazer críticas sobre os filmes que ver, mas também escrever artigos sobre a vida e obra de atores, diretores, produtores, técnicos, qualquer um que marcou de alguma forma o cinema. Também formularei as famosas listas de 10 mais. Aí será tema livre. Por fim, pretendo escrever a história dos principais festivais de cinema que estão tão em moda nessa época do ano. Portanto, além das críticas e da seção "Filmes Essenciais", a partir de janeiro haverá as estreias de:

VIDA E OBRA: O blog trará o relato sobre a vida e obra de grandes personalidades do cinema. Atores, diretores, produtores, roteiristas, técnicos ou qualquer figura de relevância terão espaço nessa seção, que buscará, ainda que de maneira simples, resgatar um pouco da história dessas pessoas de ontem e de hoje que contribuíram de alguma forma para a sétima arte.

TOP 10: O blog trará as mais diversas listas sobre o mundo do cinema. São listas temáticas sobre filmes, atores, diretores, personagens, enfim, listas com referências a curiosidades e fatos interessantes. Poderão ser classificatórios ou meramente enumeratórios, pois a única intenção aqui é levantar curiosidades, fatos relevantes e resgatar um pouco a história da sétima arte.

FESTIVAIS E PREMIAÇÕES: Frequentemente, dependendo da minha disponibilidade de tempo, irei trazer também a história dos principais festivais e premiações de cinema ao redor do mundo. Não mencionarei todos os vencedores e participantes, mas somente os fatos mais relevantes.

Não prometo uma assiduidade de jornal diário. Dentro da medida do possível tentarei levar esses planos adiante. Críticas serão bem vindas.

Crítica - Babel

2010-12-21T18:28:00.006-02:00

O cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu concluiu em 2006 a sua trilogia, iniciada com Amores Brutos (2000) e 21 Gramas (2003), com o premiado Babel. Em todos os filmes da série há em comum o fato de que os conflitos partem de um trágico conflito que se desenrola em diversas consequências. Em Babel, essas consequências ganham escala mundial e mostra que um simples fato pode se acarretar alterações em diversas partes do mundo. Para conseguir retratar esse fenômeno Iñárritu optou por contar paralelamente 4 histórias diferentes, de modo intercalado, aparentemente sem ligação alguma umas com as outras, mas o filme mostrará que tudo está conectado, que uma tragédia em uma parte do mundo pode ganhar repercussões globais. Algo como um Efeito Borboleta em escala mundial.

O filme começa mostra o interior do Marrocos, onde dois irmãos são responsáveis por espantar os chacais do rebanho de cabras com um rifle recém-comprado por seu pai. Em uma brincadeira eles acertam com um tiro Susan (Cate Blanchett), turista americana que passava as férias com marido Richard (Brad Pitt). Eles são pais de dois filhos que ficaram em San Diego aos cuidados da babá Amelia. Sem ter com quem deixar as duas crianças para ir ao casamento do filho no México, ela decide levá-los junto. Do outro lado do mundo, no Japão, conhecemos o drama da jovem Chieko, surda-muda e de temperamento difícil, ela não se conforma em ainda ser virgem e então passa, quase desesperadamente, a procurar alguém para sair.

De todos os núcleos do filme, é a parte japonesa da história que mais chama a atenção do público, em grande parte sustentada na inspirada atuação de Rinko Kikuchi que recebeu uma indicação ao Oscar de melhor atriz coadjuvante pelo papel. Seu esforço em se interagir em uma cidade cujos estímulos sensitivos e a comunicação são constantes e valorizados é amargo. Suas sucessivas frustrações fazem que ela reflita sobre o trágico destino de sua mãe que ainda a assombra. Mas, curiosamente, esse núcleo do filme é o que menos se liga aos demais. Todo o drama passado por Chieko somente se relaciona com os demais quando analisado pelo lado das dificuldades de comunicação, pois faticamente apenas a ação de seu pai acarretou consequências. O casal Susan e Richard, por exemplo, tem problemas pessoais não resolvidos, cujo assunto são evitados por ambos.

Babel ostenta uma bonita fotografia, composto de locações que vão desde da aridez do deserto até as locações urbanas de Tóquio, cheia de arranha-céus, luzes e modernidade. Apesar disso, tudo parece muito artificial, assim como o roteiro, assinado pelo próprio Iñárritu. Complexo e bem amarrado, ele erra ao ostentar uma dinâmica esquemática, sem profundidade e, na maioria do tempo, pretensioso. O modo como a história de Tóquio se uniu ao restante foi superficial. O espectador passa todo o filme imaginando como ela irá se ligar aos outros acontecimentos, para no final do filme perceber que quase nada importa dentro da proposta do filme.

Vencedor do Globo de Ouro de Melhor Filme e do Oscar de Melhor Trilha Sonora, Babel foi bastante festejado pela maioria da crítica na época de seu lançamento, considerando-o como um clássico desses novos tempos de globalização. O problema é que, apesar de em nenhuma parte Iñárritu errar completamente a mão, também não tirou todo o potencial possível de sua história.

BABEL ***

(idem, EUA/México/França, 2006, 2h23, Drama)

Diretor: Alejandro González Iñárritu

Com Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael Garcia Bernal, Rinko Kikuchi, Adriana Barraza e Elle Fanning.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 7,6

Crítica - Irmãos de Sangue

2010-12-21T10:00:00.006-02:00

Surpreendeu-me muito ao ver depois de assistir Irmãos de Sangue que ele é classificado em primeiro lugar como uma comédia, para mim pareceu muito mais com um drama com diversas toques de humor, nada escrachado. E vendo que o ator principal é ótimo Edward Norton, fica ainda mais difícil prever que estamos diante de uma comédia. De todo modo, seja ele catalogado em uma ou outra categoria, trata-se de um filme interessante, com Norton fazendo um papel duplo, dos irmãos gêmeos Brady e Bill Kincaid.

Bill é um famoso professor de filosofia e passava pelo auge de sua carreira quando soube que seu irmão traficante foi morto. Ao chegar em sua terra natal depois de 12 anos, ele descobre que tudo não passou de uma farsa de Brady para que ele retornasse e fizesse parte de um plano para encobrir o seu álibi. Bill será forçado então a reencontrar a vida que deixou para trás, inclusive resolvendo pendências com a sua mãe (Susan Sarandon).

Edward Norton demonstrou muita versatilidade ao encarnar os dois papeis, demonstrando que é ainda um bom ator apesar dos filmes abaixo da média que anda fazendo. Aqui, ele é o principal responsável em tocar o filme adiante. O personagem de Brady, o irmão traficante, é a figura mais interessante do filme, com o seu jeito de falar mastigado, sonoro, com o típico sotaque dos habitantes do interior dos EUA. Bill, por outro lado, faz o típico homem íntegro que é levado a cometer loucuras por influência de seu irmão pirado.

Escrito pelo ator Tim Blake Nelson, que também assina a direção, o roteiro não chega empolgar muito. O início satisfatório tomou rumos inesperados em sua parte final, algo no estilo Tarantino, prejudicando a história como um todo. O personagem Bill perdeu em coerência no final, causando uma sensação de estranhismo logo após que o filme acaba.

O elenco é recheado de nomes interessantes e competentes, como Richard Dreyfuss (o astro do filme Tubarão), no papel do traficante que emprestou dinheiro a Bill, Keri Russel (que ganhou o Globo de Ouro de melhor atriz em série em 1998 por Felicity), Melanie Lynskey (de Two and A Half Man), Ty Burrel (o atrapalhado Bill Dunphy de Modern Family) e Lucy DeVito, filha do saudoso Danny DeVito.

Por tudo isso, Irmãos de Sangue é um filme em grande parte sustentado no talento de seus atores, principalmente no de Edward Norton, que se desdobrou ao fazer dois papeis, ás vezes contracenando sozinho, sendo preciso que a edição incluísse a imagem do outro irmão após as filmagens. O filme não é lá grande coisa, inclusive foi um fracasso de bilheteria nos EUA, forçando a distribuidora a lançar diretamente em DVD por aqui, mas vale conferir pela inspirada atuação de Norton.

IRMÃOS DE SANGUE ***

(Leaves of Grass, EUA, 2009, 1h39, Comédia Dramática)

Diretor: Tim Blake Nelson

Com Edward Norton, Keri Russel, Tim Blake Nelson, Susan Sarandon, Melanie Lynske, Richard Dreyfuss e Lucy DeVito.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,7

Crítica - O Solteirão

2010-12-20T17:56:00.007-02:00

Ben Stiller não entrava numa fria tão grande como O Solteirão desde do fiasco de Starsky e Hutch. Todos que vão assistir a um filme cujo elenco é encabeçado pelo ator sabe muito bem o que esperar. No mínimo um filme que causasse algumas risadas, ou que pelo menos tentasse. O que não é o caso desse filme totalmente despropositado, vazio de sentido, cujo objetivo, reconheço, não consegui definir.

Stiller faz o papel do solteirão do título nacional, um sujeito recém-saído de um hospício que vai passar algumas semanas na casa do irmão mais velho, que está fora com a família passando férias no Vietnã. Lá ele conhece a assistente do irmão, uma solitário jovem que também não sabe bem o quer da vida. Eles então começam um estranhíssimo romance que em nenhum momento do filme cheguei a entender por completo. Além de ter começado por motivos bem obscuros, os dois não possuem nenhuma química e não convencem em momento algum, assim como tudo no filme.

Os diálogos são horrorosos e provocam reações totalmente vazias de significado. O espectador passa o filme todo entender o rumo que ele vai tomar, qual o sentido de tudo aquilo, até que o filme sem mais nem menos acaba. Sim, além de sem sentido, o final é inconclusivo. Não que isso seja algo necessariamente ruim, desde que o restante da obra faça algum sentido. Parece que o diretor Noah Baumbach (Lula e a Baleia) tentou fazer um filme original, pretensiosamente cult, sustentado num fajuto tom de profundidade.

Se o final não fosse tão ruim, talvez o filme tivesse salvação, pois alguns de seus elementos analisados individualmente são interessantes, como alguns acessos de raiva do personagem de Stiller (que fazem jus ao fato dele ser recém-saído de um hospício) e a figura de Greta Gerwig. Mas olhando o conjunto, tudo se perde completamente, restando apenas a impressão de tempo perdido. Por fim, é importante não confundir essa bomba com o filme estrelado por Michael Douglas, recém saído nos cinemas nacionais com o mesmo título. Este sim, parece ser um filme interessante.

O SOLTEIRÃO *

(Greenberg, EUA, 2010, 1h47, Comédia Romântica)

Diretor: Noah Baumbach

Com Ben Stiller, Greta Gerwig, Rhys Ifans e Jennifer Jason Leigh.

Cotação: PÉSSIMO

Cotação IMDB: 6,4

Crítica - A Estrada

2010-12-20T15:37:00.006-02:00

Baseado num livro de muito sucesso nos EUA, de autoria de Cormac McCarthy, que inclusive ganhou o prêmio Pulitzer pela obra, A Estrada mostra o drama de um pai e um filho (em nenhum momento eles chegam a serem nomeados) ao tentar sobreviver em um mundo pós-apocalíptico. Não há mais animais, as árvores secaram, não há mais nada além de um mundo cinza e empoeirado. Achar comida e água são os grandes desafios a se enfrentar, assim como manter-se isolado de outras pessoas, pois os estupros e canibalismo são frequentes. Em nenhum momento é explicada a causa desse cataclisma, na verdade não importa muito saber, pois o filme foca muito mais na relação dos dois em sobreviver em meio a um mundo caótico.

Viggo Mortensen faz o papel do pai, que busca de todas as maneiras manter a sua dignidade em meio a um mundo onde tudo que lembra a dignidade humana foi extinta. Não há mais ordem social, solidariedade, apenas a mais crua luta pela sobrevivência. O objetivo deles passam a ser chegar até o sul, onde acreditam que pode haver vida. Em meio a esse cenário aterrador, o pai faz de tudo para passar os bons valores humanos para o seu filho, que não chegou a conhecer o mundo como era antes. A sobrevivência de ambos acontece graças a muita teimosia, e reconheçamos, muito otimismo, do pai, pois a mãe (Charlize Theron), não vislumbrando nenhuma esperança para eles, decide tirar a sua vida.

O cenário pós-apocalíptico é recriada através de uma bela fotografia monocromática, ressaltando um mundo sem vida, seco, contraposta a um mundo ensolarado e colorido das cenas de flash-backs que remontam aos tempos felizes. A direção de arte também caprichou. As ruínas, lixo, árvores secas dão o tom do cenário catastrófico. Tudo muito desolador.

Talvez o ritmo lento e cadenciado do filme comprometa um pouco o resultado final, mas a questão é que A Estrada difere de outros famosos filmes sobre o fim do mundo, como Eu Sou a Lenda e O Livro de Eli. Aqui o que mais interessa é a perspectiva da família em desintegração, a resistência em sobreviver às intempéries, em não desistir aos primeiros sinais de pessimismo. O novato diretor John Hillcoat escolheu os diálogos e os pequenos gestos para demonstrar a proximidade da família, principalmente entre pai e filho.

A ESTRADA ****

(The Road, EUA, 2009, 1h45, Drama)

Diretor: John Hillcoat

Com Viggo Mortensen, Charlize Theron, Robert Duvall e Guy Pearce.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 7,4

Filmes Essenciais #9 - O Homem Elefante

2010-12-19T20:56:00.007-02:00

Muito antes da época de lançamento de O Homem Elefante, Mel Brooks sonhava em levar para as telas a história real de John Merrick, o homem que de tantas deformidades físicas que cobrem praticamente todo o seu corpo, foi apelidado com o nome do título e explorado cruelmente no circo. O produtor somente decidiu levar o projeto adiante quando David Lynch, ainda em início de carreira, aceitou seu convite para dirigir o filme. Mesmo tendo apenas dirigido o pouco conhecido, mas desde já elogiado, Eraserhead, Lynch conseguiu fazer um trabalho primoroso em O Homem Elefante.

A opção do diretor de filmar apenas em preto-e-branco contribuiu bastante para recriar o clima de uma Inglaterra no alvorecer da revolução industrial, com a nítida divisão entre a sociedade aristocrata (ansiosa em conhecer a história de John Merrick) e as camadas populares (desejosos apenas de olhar para o seu físico aberrante). O médico Frederick Traves (Anthony Hopkins) que, com a melhores das atenções, resgatou Merrick (John Hurt, irreconhecível) da exploração e o ressocializou, reflete sobre qual a diferença da curiosidade da aristocracia em tomar um chá e conversar com ele, com a curiosidade das camadas populares em pagar para ver seu físico. Essencialmente, qual seria a diferença do médico com o cruel tutor de Merrick que o exibia no circo? Essa é apenas uma questão levantada por Lynch em seu filme.

É surpreendente a mudança por qual passou Merrick após a começar ser tratado como um ser humano. Educado, inteligente e sensível, ele provou que os monstros na verdade são aqueles com quem tinha vivido toda sua vida e não deram oportunidade de viver uma vida digna. É tocante o modo como Merrick se ressocializa e ganha a simpatia de todos.

Lynch realizou aqui uma de suas obras mais "lineares", sem se valer de narrações abstratas e oníricas pelas quais ficou famoso anos depois, quando realizou Cidade dos Sonhos (Mullholand Drive) uma de suas obras mais emblemáticas. Mas é possível ainda assim achar de forma incipiente alguns recursos característicos seus, como a forma que ele retratou a tragédia da mãe de Merrick logo no início do filme. Lynch também foi perfeito quanto aos efeitos de som, departamento que ele também tomou frente no longa.

O Homem Elefante é um filme tocante e sensível, que tratou de forma singular o drama vivido por Merrick. Muitos elementos parecem que foram inspirados em Monstros, outro clássico do cinema que retrata o drama de deficientes físicos, mas Lynch se restringiu mais a temática do preconceito, lhe dando profundidade. A respeito disso, se tornou clássico a cena em que Merrick é encurralado por um bando de curiosos em uma estação de trem e ele grita: "Não sou um animal! Sou um ser humano! Eu...sou...um homem!"

O HOMEM ELEFANTE *****

(The Elefant Man, Reino Unido/EUA, 1980, 1h55, Drama)

Diretor: David Lynch

Com Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft e John Gielgud.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,4

Crítica - O Homem de Ferro 2

2010-12-18T21:19:00.004-02:00

O Homem de Ferro 2 é o típico filme que se não fosse pelos incríveis efeitos especiais e pelo prestígio do primeiro filme, seria um fracasso completo. Apesar de Robert Downey Jr. continuar perfeito no papel, Tony Stark perdeu muito do seu charme e carisma apresentado anteriormente, assim como todos os outros personagens. Até mesmo os vilões ficaram devendo. Michey Rourke fez o que pode para passar profundidade ao seu personagem, mas simplesmente não havia como deixar ele convincente. Talvez o único personagem que salva seja o interpretado por Sam Rockwell. Cínico e canalha, Justin Hammer não convence como inimigo direto de Tony Stark, mas apenas como um empresário que não mede esforços para conseguir o que quer. Sua interpretação chega até ser cômica, contribuindo para que certa empatia se crie com o personagem. Ou seja, sem intenção, Jon Favreau criou o melhor personagem do filme.

Tony Stark dessa vez precisa se explicar para o governo o porquê de não entregar a sua armadura para o exército. Talvez o maior interessado nesse acordo seja o empresário Hammer (Rockwell), que almeja o domínio da técnica de produção da armadura, e não mede esforços para tanto, ainda que precise tirar da cadeia o vingativo Ivan Vanko (Mickey Rourke). Ele crê que a família Stark arruinou a vida do seu pai. No meio desse "todos contra o heroi" há diversas inserções, como o problema sanguíneo de Stark que pode o matar e a mal explicada intervenção da S.H.I.E.L.D. (que pode servir de um gancho para uma provável continuação), com direito a rápida participação de Samuel L. Jackson.

As cenas de ação continuam bem elaboradas, principalmente em relação às inserções de CG's que se interagiram perfeitamente com o cenário. Mas tudo isso foi mal aproveitado dentro do fraco roteiro. Assim foi durante a luta entre o Homem-de-Ferro de Tony Stark e a réplica comanda pelo seu amigo Coronel James Rhodey (Don Cheadle). Uma boa luta, mas motivada por motivos risíveis. A analisar pelo imenso sucesso de bilheteria do filme (terceira maior arrecadação do ano com US$ 312 milhões), é quase certa a realização da terceira aventura da franquia. Que na próxima produção se preocupem mais com o roteiro e menos com as cenas de ação e computação gráfica.

O HOMEM DE FERRO 2 ***

(Iron Man 2, EUA, 2010, 1h58, Ação)

Diretor: Jon Favreau

Com Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke e Samuel L. Jackson.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 7,2

Crítica - Gente Grande

2010-12-18T20:23:00.004-02:00

O maior atrativo de Gente Grande é sem dúvida o plantel de astros do humor reunidos: Adam Sandler, Kevin James (Eu Vos Declaro Marido e... Larry), Chris Rock (Um Pobretão na Casa Branca) e Rob Schneider (Big Stan - Arrebentando na Prisão) são os nomes de peso que compões o longa, soma-se a isso nomes femininos do calibre de Salma Hayek (Bandidas), Maria Bello (O Clube de Leitura de Jane Austen) e Maya Rudolph (Idiocracy), além de um diretor como Dennis Dugan, acostumado a dirigir filmes de humor dos mesmos atores, como Zohan e Segurança Nacional. Semelhante composição tão gabaritada é garantia de sucesso? Não, e Gente Grande sentiu isso na pele. O filme foi detonado pela crítica que o achou sem unidade, composto apenas de um amontoada de piadas, tiradas e situações constrangedoras. Crítica exagerada ao meu ver.

Basicamente Gente Grande mostra o reencontro de cinco amigos de infância durante o feriado de 4 de julho americano. Com eles trazem esposas, filhos e até sogra. Todos juntos no mesmo lugar renderam os ingrediente para se fazer uma boa comédia. Tem piadas sobre família, amigos, sogra, filhos mimados, gordos, enfim, um verdadeiro caldeirão de tendências. Interessante foi a opção do roteiro de não se concentrar num ponto de tensão específico. O reencontro dos amigos da infância é tudo o que você precisa saber do roteiro, a partir disso os comediantes tiveram mais liberdade para fazer suas piadas e criar uma maior proximidade da turma de amigos com o espectador. Crie empatia com os personagens e com o vínculo que os une, que o filme será mais bem apreciado.

Não se trata de nenhuma obra-prima do humor, muito menos o melhor filme de qualquer ator que esteja no filme, mas é um filme agradável, recheado de boas piadas. Mas se você nunca gostou do humor de Adam Sandler ou de qualquer um dos outros comediantes, não adianta nem tentar, pois certamente se entediará com o filme, talvez mais ainda do que no último filme de Sandler, Tá Rindo do Quê?, que também foi muito criticado.

GENTE GRANDE ****

(Grown Ups, EUA, 2010, 1h33, Comédia)

Diretor: Dennis Dugan

Com Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, Rob Shneider, David Spade, Salma Hayek, Maria Bello e Maya Rudolph

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 5,8

Crítica - O Golpista do Ano

2010-12-17T18:40:00.007-02:00

Antes de falar qualquer coisa sobre O Golpista do Ano, é preciso alertar que o filme não se trata exatamente de uma comédia convencional, principalmente aquelas em que estamos acostumados a conferir o humor caricatural de Jim Carrey, e sim um relato real sobre a vida do golpista Steven Russel (Carrey). O filme está permeado de um humor velado, mas na verdade o drama, e em segundo plano o romance, é que dão o tom durante o longa. Subversivo para os padrões da indústria, o seu roteiro rodou hollywood, mas apenas encontrou seu caminho como uma produção independente. Os grandes estúdios acreditavam que a sociedade não estava preparada para apreciar um filme de amor homossexual explícita.

O Golpista do Ano conta a história de Steve Russel, casado com filhos, que após sofrer um grave acidente de carro, decide assumir a sua homossexualidade. Só que ele percebe que não ganha o suficiente para bancar a sua nova vida e começa então a aplicar diversos golpes financeiros em seguradoras, bancos etc. Não demora muito para ele ser preso. Na prisão ele conhece Phillip Norris (Ewan McGregor), com quem se apaixona e decide viver junto. O filme somente engrena nessa segunda parte, quando Steve e Phillipe passam a viver juntos, mais precisamente quando Steve começa a realizar os seus golpes mais notórios e incríveis. Ver a inventividade do personagem de Jim Carrey em aplicar golpes é o que tem de melhor no longa, assim como também as suas diversas fugas da prisão.

O desempenho de Carrey é preciso e contribui para dar mais profundidade ao seu personagem, que resolveu transgredir todas as convenções e regras da sociedade para alcançar a felicidade. O humor inerente a atuação de Carrey caiu bem para o papel, incorporando o espírito transgressor e jovial de Steve. Ewan McGregor, como de costume, também está muito bem num papel que não é tão simples quanto parece. Note também a pequena, mas de destaque, participação de Rodrigo Santoro como o primeiro namorado de Steve após revelar sua homossexualidade.

Se visto desavisadamente, ainda mais para quem o assiste pensando em uma sessão família, talvez se surpreendam com a temática adulta abordada. Mas para quem está disposto a vê-lo de mente aberta e sem preconceitos, poderá extrair do filme uma boa diversão, que infelizmente podia ser maior se não fosse o fraco começo.

O GOLPISTA DO ANO ***

(I Love You Phillip Morris, França/EUA, 2010, 1h42, Comédia)

Direção: Glenn Ficarra e John Requa

Com Jim Carrey, Ewan McGregor, Leslie Mann e Rodrigo Santoro

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,7

Crítica - Como Treinar o Seu Dragão

2010-12-17T00:45:00.007-02:00

O gênero animação ganhou nos últimos anos grande importância para a indústria cinematográfica dada a sua elevada participação no share de bilheteria do ano. Em 2010, por exemplo, a lista dos dez maiores lançamentos em rendimento nos cinemas inclui quatro animações, inclusive uma encabeça a lista: Toy Story 3 arrecadou nada menos que US$ 415 milhões. A lista ainda é composta por Meu Malvado Favorito (7º lugar com US$ 250 milhões arrecadados), Shrek Para Sempre (8º lugar, US$ 238 milhões) e, finalmente, Como Treinar o Seu Dragão, ocupando o 9º lugar de maior bilheteria com US$ 217 milhões. Nada mais previsível, portanto, que as animações tenham recebido um maior aporte de recursos para produção, bancando inovações caras como a tecnologia 3D. Uma pena que o roteiro não tenha evoluído tanto quanto a técnica.

Como Treinar o Seu Dragão é um filme bonito visualmente, composto de belos cenários, bem ambientados e dinâmicos. Mas o argumento deixa um pouco a desejar. Composto de um amontoado de clichês, excessivo até para uma animação, ele se vale do visual para impressionar crianças e adultos. A história de um sujeito que não se encaixa no grupo e, por um golpe de sorte, consegue grande façanha que o leva ao reconhecimento imediato já foi usado em incontáveis filmes, em diferentes proporções. Encontra-se aí o principal defeito dessa animação, que foi criada como tentativa da DreamWorks de emplacar um carro chefe para o estúdio, já que Shrek, apesar do bom desempenho que ainda mantém nas bilheterias, perde qualidade a cada filme lançado.

O jovem Soluço é o heroi da vez. Viking, ele sonha em combater os dragões que frequentemente atacam o seu vilarejo. Mas o seu porte franzino não condiz com o modelo viking de guerreiro. Por isso o seu pai o proíbe de lutar. A situações do garoto muda quando ele, num tiro certeiro, consegue apanhar o mais temido dos dragões.

Muito mais focado nas cenas de ação, o filme deve muito no quesito comédia, ao contrário das últimas produções da DreamWorks, como Kung-Fu Panda. Mas isso não chega a incomodar, pois os personagens chegam a ser tão carismáticos que só numa análise mais profunda é que se percebe a falta de um humor mais agudo. O dragão Banguela é de uma carisma singular. Qualquer semelhança sua com os personagens de Lilo e Stitch não é mera coincidência, já que a dupla Dean DeBlois e Chris Sanders também dirigiram o sucesso da Disney.

COMO TREINAR O SEU DRAGÃO ***

(How to Train Your Dragon, EUA, 2010, 1h38, Animação)

Diretor: Dean DeBlois e Chris Sanders

Vozes de Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera e Jonah Hill.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 8,2

Crítica - As Duas Faces da Lei*

2010-12-16T21:05:00.006-02:00

Como a maioria dos cinéfilos, sou um grande fã do trabalho de Robert DeNiro e Al Pacino. Acompanhei quase todos os filmes desses dois, desde "O Poderoso Chefão", filme que projetou Pacino e "O Poderoso Chefão 2", que rendeu a DeNiro o Oscar de melhor ator coadjuvante. Como pode-se perceber, foi com muita expectativa que fui assistir As Duas Faces da Lei, filme que traz Pacino e De Niro com parceiros na polícia de Nova York. Pode-se dizer que o encontro dessas duas lendas do cinema foi efetivamente realizada neste longa, já que em "O Poderoso Chefão 2" não contracenaram e em Fogo Contra Fogo fizeram apenas uma cena juntos (apesar de serem protagonistas em ambos). Só por isso "As Duas Faces da Lei" é um belo programa.

O filme conta a história de dois detetives de Nova York se empenhando na perseguição de um serial killer que sempre deixa, na cena do crime, um poema onde tenta justificar o crime. Desde o início já somos apresentados ao assassino. Mas se engana quem acha que, por isso, o filme se tornará previsível, seguindo o filão que nos mostra o final da trama no início cabendo ao público descobrir o que aconteceu antes. Há mais do que isso e o espectador mais perspicaz é capaz antecipar o que esta acontecendo realmente.

De início o roteiro pode soar um tanto manjado, mas a forma como as cenas e as sequências são construídas não deixam que a mesmisse se instale. Claro que parte desses créditos se deve à dupla principal, responsável em parte pela densidade da trama. Pacino está melhor que De Niro, fato que vem sendo comum ultimamente, mas a razão pode tanto no maior entrosamento dele com Jon Avnet (pois já trabalharam juntos em 88 minutos), quanto pelos filmes de gosto duvidoso que De Niro vem participando (como Fora de Controle).

Por tudo isso, não se pode esperar de As Duas Faces da Lei uma grande viagem, apesar do trabalho de Avnet não ser desprezível. Não é um novo Fogo Contra Fogo, filme com o qual há muitas similaridades, mas nem é por isso menos interessante. Definitivamente, Michael Mann não é Jon Avnet.

AS DUAS FACES DA LEI ***

(Righteous Kill, EUA, 2008, 1h40, Policial)

Direção: Jon Avnet

Com Robert De Niro, Al Pacino, 50 Cent, Carla Gugino, Donnie Wahlberg e John Leguizamo.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,0

*Crítica originalmente postada em 16 de fevereiro de 2009.

Crítica - O Operário

2010-12-16T12:54:00.007-02:00

O maior atrativo desse filme de 2004 talvez seja ver a enorme transformação pela qual teve que passar o ator Christian Bale para o papel. Ele emagreceu cerca de 30 quilos para fazer o personagem Trevor Reznik, operário de uma fábrica de maquinário pesado que, sem dormir há um ano, causa um terrível acidente de trabalho. A partir de então, ele começa a suspeitar que os outros funcionários estão de complô contra ele.

Logo na primeira cena do filme, Trevor tenta se livrar de um corpo, cuja identidade não é revelada. Aparentemente o assassino é ele, mas nada está muito claro. O diretor Brad Anderson deixa tudo muito obscuro no início e deixa para o espectador a tarefa de ir pescando significados e teorias que expliquem a complexa situação por qual passa Trevor. Seria verdade a sua aparente paranóia? Ou tudo não passa de criação de uma mente cansada e em frangalhos, que não sabe o que é descanso há um ano? Anderson não teve nenhuma pressa em responder nenhuma dessas perguntas.

O resultado disso é um filme tenso, misterioso, que sustenta o suspense até o final. Tudo sustentado sobre um roteiro bem construído (apesar da história em si não passar de um mero clichê) e sobre uma atuação de hipnotizante de Bale, que se entregou para o papel como poucas vezes foi visto antes no cinema. Essa entrega física de Bale, comprometendo a própria saúde, lembra a de outros grandes atores: como a célebre transformação de Robert De Niro para o papel de Jake LaMota em O Touro Indomável (chegou a engordar 25kg) e o emagrecimento de 25kg de Tom Hanks em Náufrago. Mas nenhum deles ficou com uma aparência tão assustadora (e esquelética) quanto Bale.

Mas O Operário não é recomendável apenas devido ao desempenho de Bale, mas também porque é realmente um bom filme, porque faz o espectador pensar e não entrega de bandeja, pelo menos não até a parte final, a solução do mistério. É interessante notar nesse ponto, a sutil, porém significativa, remissão à Dostoiévski e ao seu livro O Idiota, que Trevor estava lendo. Mas creio que o filme se relaciona mais com uma outra obra do autor, Crime e Castigo, onde o personagem principal é perseguido pela culpa de um assassinato, mas só encontra paz dentro da prisão. Maiores divagações quanto a isso daria pistas demais sobre o final. É melhor conferir e tentar descobrir por si só.

O OPERÁRIO ****

(The Machinist, Espanha, 2004, 1h32, Suspense)

Diretor: Brad Anderson

Com Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijon e John Sharian.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 7,8

Filmes Essenciais #8 - Cães de Aluguel

2010-12-15T16:13:00.010-02:00

Quentin Tarantino não era conhecido em 1992 quando ele lançou o seu primeiro, e talvez o maior, sucesso de sua carreira. Hoje o seu nome é significado de ousadia e arrojo nas telas de cinema, mas quando Cães de Aluguel foi lançado ele era apenas mais um entre tanto diretores que buscavam sucesso em Hollywood. No primeiro longa de sua carreira (antes ele apenas havia dirigido um curta-metragem) Tarantino surpreendeu o cinema com um filme ousado e brilhante. De roteiro bem elaborado, diálogos inteligentes e uma peculiar técnica na hora de filmar, o filme surpreendeu a todos numa época que o cinema carecia de sangue novo.

O roteiro, de autoria do próprio Tarantino, conta a história de um crime mal-sucedido. O empresário Joe Capot (Laurence Tierney) reúne cinco criminosos de sua confiança para executar seu plano de assalto a uma rica joalheria. No entanto, nada dá certo durante a execução do crime. A partir de então, os que se safaram começam a desconfiar que há um traidor entre eles, que os denunciou para a polícia.

Tarantino decidiu não retratar as cenas do assalto fracassado, deixando para que o espectador faça sua própria construção do ocorrido com base nos diálogos entre os personagens. De narrativa não linear, o filme é construído brilhantemente sob duas linhas temporais: a principal, que se passa principalmente dentro do galpão onde os criminosos se reúnem depois da frustrada tentativa de assalto; e a secundária, que mostra através de flash-backs os preparativos para o crime. Antes disso, no início do filme, somos apresentados a pelo menos duas cenas memoráveis: a que o grupo de criminosos discutem a música "Like A Virgin" da Madonna e a em que os mesmos saem caminhando da lanchonete em slow-motion enquanto rolam os créditos. Antológico!

Em apoio a tudo isso está o desempenho memorável de quase todos os atores, principalmente de Michael Madsen, em uma inspirada atuação, que passou perfeitamente a psicopatia e frieza de seu personagem.

Recheados de referência a cultura pop, os diálogos são espirituosos e muito bem conduzidos, até mesmo aqueles que não diz respeito a trama. Isso ajudou a traçar mais nitidamente a personalidade dos principais personagens do que as ações de qualquer um deles fizeram durante o filme todos. Tarantino sempre foi ótimo nesse fundamento, sendo sempre um dos pontos-fortes de seus filmes. Podemos ver isso recentemente em Bastardos & Inglórios, cujos diálogos também são brilhantes.

Com uma estreia tão retumbante como essa, Tarantino abriu seu espaço no cinema moderno onde não demorou muito para ganhar cadeira cativa. Dois anos depois, em 1994, ele dá outro soco no estômago da crítica com o seu revolucionário Pulp Fiction - Tempo de Violência. Sem sombra de dúvida, o diretor foi uma das maiores revelações da década de 90.

CÃES DE ALUGUEL *****

(Reservois Dogs, EUA, 1992, 1h32, Crime)

Diretor: Quentin Tarantino

Com Harvey Keitel, Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi, Chris Penn, Quentin Tarantino e Laurence Tierney.

Cotação: ÓTIMO

Cotação IMDB: 8,4

Crítica - O Livro de Eli

2010-12-13T22:55:00.004-02:00

Não nego que filmes apocalípticos, principalmente aqueles que mostram a realidade depois dele, é um filão o que me agrada muito. Vários filmes bons já foram feitos a respeito: Mad Max, O Filho da Esperança, A Estrada e, o meu preferido, Eu Sou a Lenda. O Livro de Eli, pro meu prazer, retrata muito bem um mundo pós-apocalíptico onde a sobrevivência é dura e selvagem. Somente restaram poucos de nós e menos ainda da ordem social que outrora existia. Alguns "luxos", como água limpa, sabonete e óculos escuros (essenciais para se proteger da corrosiva luz solar) são itens disputados até a morte.

No início do filme somos apresentados a Eli (Denzel Washington), um peregrino que obstinadamente segue seu caminho rumo ao oeste, onde acredita existir um foco de civilização, um lugar onde possa confiar o último livro sagrado existente no mundo. No entanto, Carnegie (Gary Oldman), tirano chefão de um vilarejo, também quer o livro e não economizará meios para consegui-lo. Para ele, o livro sagrado é uma arma, poderoso meio de subjugação dos fracos e desesperados. Para Eli, a base sobre onde se construirá o futuro da civilização.

O início do filme é animador. A direção de arte caprichou e conseguiu retratar esplendidamente o clima sufocante e árido que se instalara na Terra após um aparente cataclisma (que em nenhum momento foi muito explicado). Tempestades de areia, a fotografia praticamente em preto-e-branco, as armadilhas de marginais pelo caminho conseguem dar o tom adequado da situação de desordem social e climática que se imagina de um cenário pós-apocalíptico. Isso vindo de uma dupla de diretores de carreira curta, cujo último filme feito foi o obscuro Do Inferno de 2001, é um feito e tanto. Mas não tardou para que as coisas desandassem um pouco.

O discurso religioso toma conta mais do que deveria do roteiro, deixando de lado a maior qualidade do filme até então: a luta de Eli para fugir de Carnegie e chegar até o oeste. Mas a desnecessária pregação de Eli para a sua companheira Solara (Mila Kunis) desacelerou o ritmo do filme, perdendo boa parte da tensão inicial. Quem mais segurou as pontas do filme foi Gary Oldman, que está ótimo como vilão cruel e obsessivo. Denzel Washington, por outro lado, não dá nenhum show, mas extrai máximo que o papel permite.

O Livro de Eli não vai se tornar nenhum referencial do gênero, mas como filme passatempo ele funciona muito bem, principalmente com o seu final, que certamente pegará muitos de surpresa.

O LIVRO DE ELI ***

(The Book of Eli, EUA, 2010, 1h58, Ação)

Diretor: os irmão Hughes (Albert e Allen)

Com Denzel Washington, Gary Oldman, Mila Kunis, Ray Stevenson e Jennifer Beals.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,9

Crítica - Mary e Max - Uma Amizade Diferente

2010-12-13T09:34:00.007-02:00

Quando fui alugar este filme, eu o encontrei na prateleira de filmes infantis, bem ao seu pé, para que os pequenos o veja com facilidade. Nunca tinha ouvido falar dele e achei estranha a capa em preto-e-branco. Filmes infantis costumam ter a capa toda colorida como forma de chamar a atenção das crianças. Decidi alugar e, depois de vê-lo, percebi que este realmente não é um filme para crianças.

Animado com técnica stop motion (a mesma de filmes como Fuga das Galinhas e Wallace & Gromit - A Batalha dos Vegetais), Mary e Max - Uma Amizade Diferente começa mostrando a triste de vida Mary Daisy Dinkle, uma criança australiana sem amigos que escolheu alguém aleatoriamente na lista telefônica para se corresponder, contar sobre sua vida, suas curiosidades e dúvidas. Max Jerry Horovitz, nova-iorquino, obeso e portador da Síndrome de Asperger (espécie moderada de autismo), é o destinatário das cartas de Mary e não demora muito (não sem uma das suas crises de ansiedade) para que ele respondesse e daí nascesse uma amizade entre eles.

Depressivo seria a palavra que melhor resumisse a animação. O relato da vida de ambos os personagens são capazes de chocar até os mais frios. Mary precisa conviver com a sua mãe alcoólatra, com o bullying na escola que a deixa sem amigos e todo o sofrimento que disso provém. Situação não muito diferente da de Max, que devido a sua deficiência não consegue entender o mundo, nem entender as emoções alheias. Sem falar na sua compulsão por comer, principalmente o seu prato preferido: cachorro-quente de chocolate. Seus ataques de ansiedade permitem que ele coma mais de vinte desses numa noite.

Como dá pra perceber, otimismo não é com esse filme. Mesmo quando o roteiro toma caminhos inesperados que dão esperança de um final feliz para ambos, não demora muito para que elas se frustrem. A improvável amizade entre Max e Mary tem também seus percalços, mas ela perdura e fortalece. Talvez seja essa a única mensagem do filme que as crianças talvez possam apreender. Porque de resto o filme trata de temas maduros, como a solidão, depressão, suicídio, necessidade de perdão, tudo tratado de forma bastante sincera e aberta, em momentos até crua demais.

Mary e Max é um filme triste, que não poupa o espectador com tolas esperanças ou ilusões, muito diferente das animações que existem por aí. Os filmes da Pixar talvez são os que mais se aproximaram desse tipo de abordagem mais séria sobre a vida, sobretudo em Up - Altas Aventuras, que abordou muito bem o tema solidão e morte. No entanto, o modo aberto e sem rodeios que Mary e Max abordou os seus não explorou bem os recursos que a animação proporciona para tratar de assuntos assim. Uma abordagem lírica ou bem-humorada talvez trouxesse melhores resultados.

MARY E MAX - UMA AMIZADE DIFERENTE ***

(Mary e Max, Austrália, 2009, 1h29, Animação)

Diretor: Adam Elliot

Vozes de Toni Collette, Philip Seymour Hoffman e Eric Bana.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 8,3

Crítica - Alice no País das Maravilhas

2010-12-12T21:47:00.007-02:00

A escolha de Tim Burton para dirigir a adaptação da obra de Lewis Carrol para os cinemas não podia ser mais acertada, o conjunto de sua obra mostra sua predileção em lidar com o nonsense, criando, mais precisamente interpretando, o mundo de uma maneira bastante peculiar. Assim como fez em A Fantástica Fábrica de Chocolate, Burton tem um clássico em mãos para recriar. Talvez a obra de Carrol seja ainda mais propícia para que a inventividade típica do diretor seja bem recebida. O fato de a obra ser recheada de elementos oníricos, onde realidade e sonho se misturam, deram muita liberdade para que se soltasse a imaginação na produção. Inclusive alterando diversas parte da história original.

O roteiro assinado por Linda Woolverton (conhecida pelo seu trabalho em A Bela e a Fera e O Rei Leão), recorreu a licença poética para criar uma Alice de 19 anos de idade e também ao retratar o encontro entre a Rainha Branca e a Rainha Vermelha, que também não ocorre no livro Alice no País das Maravilhas e Através do Espelho e o que Alice Encontrou Lá.

O resultado dessa liberdade dada a Button e equipe resultou num grande delírio, recriando, graças aos efeitos especiais de ponta, todo o sonho (ou pesadelo?) de Alice com seus personagens. E eles estão todos lá: o Coelho Branco, o Gato Listrado e principalmente o Chapeleiro Maluco. Johhny Depp praticamente reinventou o personagem. No filme ele está muito menos louco e mais sonhador e sensível. Ele é, ao lado de Alice, o personagem central da trama, pois ficou clara a intenção de Burton em trabalhar melhor o personagem. Por isso chamar um ator de sua confiança para o papel.

O ótimo desempenho técnico do filme (principalmente da direção de arte) não supriu a falta de conteúdo. Apesar de todas as alterações da história original, faltou ao roteiro criatividade para conduzir uma trama profunda, que rompesse toda a carapaça estética criada por Burton. As cenas de ação não convenceram, principalmente a luta entre Alice e o monstro Jabberwocky, que de clímax do longa, se pareceu mais como escada para a mera troca de coroas, que finalizou de maneira jocosa a trama no sub-mundo.

ALICE NO PAÍS DAS MARAVILHAS ***

(Alice in Wonderland, EUA, 2010, 1h50, Fantasia)

Diretor: Tim Burton

Com Johnny Depp, Mia Wasikowska, Helena Bonhan Carter, Anne Hathaway e com vozes de Michael Sheen, Stephen Fry e Timothy Spall.

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,7

Crítica - Pânico na Neve

2010-12-12T11:47:00.007-02:00

Adam Green é um novato na direção, mas já ganhou certa notoriedade entre os aficionados de filmes de terror. Sua estréia em longas-metragens, Terror no Pântano (2006), foi bem recebido e chegou angariar alguns prêmios em festivais especializados, garantindo inclusive uma continuação lançada esse ano. Em Pânico na Neve ele optou por fazer um suspense psicológico, sem recorrer para cenas apelativas. E resolveu ousar também, pois sustentar toda a projeção em apenas um ponto de tensão é realmente tarefa das mais difíceis, cujos muitos diretores rodados já falharam, como M. Night Shylaman no seu novo filme Demônio.

O filme conta a história de três amigos que vão esquiar no Monte Holliston. Quando, de noite, eles decidem fazer uma última decida antes que a estação fechasse, eles ficam presos nas alturas do teleférico sem que ninguém percebesse. A partir desse ponto o longa se concentra no desespero das três pessoas que percebem que a estação de esqui ficará fechada até o próximo fim de semana, sem possibilidade de resgate imediato.

Foi ousada a decisão de jogar todo o suspense do filme apenas naquela situação desesperadora, pois os riscos de deixar a história enfadonha e repetitiva foram grandes. Mas na verdade Green conseguiu todos os planos dramáticos possíveis dentro das limitações do roteiro. Usou bem de ingrediente naturais como o frio e os famintos lobos como inimigos dos personagens, sem precisar se valer de assassinos ou serial killers para que a luta contra a morte surgisse. Apesar de em, alguns momentos, o drama se resumir as conversas da vida pregressa do grupo, que nada interessa para a trama, o clima de tensão ainda se faz presente. Pena que os atores eram bem fracos e não conseguiram darem dimensão dramática para seus personagens. Mas por si, o cenário construído garantiu o suspense.

PÂNICO NA NEVE ***

(Frozen, EUA, 2010, 1H25, Suspense)

Diretor: Adam Green

Com Emma Bell, Shawn Ashmore e Kenin Segers

Cotação: REGULAR

Cotação IMDB: 6,4

Crítica - Toy Story 3

2010-12-11T21:22:00.005-02:00

A franquia Toy Story amadureceu muito em sua terceira versão. E em diversos sentidos. Já não temos aquela aventura mais infantil dos primeiros filmes, recheada de situações inusitadas e engraçadas. Agora, o fato de Andy estar indo para universidade e de ter que escolher entre guardar os brinquedos antigos no sótão ou doar para a creche, dá ao filme contornos mais existen- cialistas. Os brinquedos precisam encarar a nova realidade em que seu dono cresceu e não quer mais brincar com eles. Qual o destino a tomar? Ou será que há morte também para os brinquedos? De qualquer maneira, os brinquedos estão perdendo o seu dono, que pode ser interpretado como a perda dos pais ou qualquer ente querido, forçando os brinquedos a tomar uma dura decisão.

Durante toda a série o caubói Woody fez o papel de líder frustrado, pois sempre toma a decisão que ninguém está disposto a cumprir, e dessa vez não vai ser diferente. Apesar dos seus esforços de tentar convencer a todos que Andy os queria guardados no sótão e não jogados no lixo, o restante dos brinquedos se unem e entram na caixa dos brinquedos que vão para a creche. Não vai demorar muito para perceberem que lá nada é o que parece ser. Woody, que tomou a decisão sozinho de deixar a creche, precisa então voltar para salvar seus amigos

A aventura de Woody e cia ganhou em grandiosidade em relação a últimas versões, o que não é necessariamente uma coisa boa, pois a simplicidade que tanto agradou antes perdeu-se um pouco agora, pois foi necessário que a turma movesse mundos e fundos para conseguir se safar dos perigos. No quesito comédia, o resultado se aproximou bastante das últimas versões. Se antes fomos surpreendidos com o dinossauro medroso, agora conferimos a presença de uma Barbie nada fútil e um Ken metrossexual. Hilário! As maiores qualidades desse terceiro filme estão nas pequenas coisas, nos diálogos precisos e nas impagáveis gags.

Toy Story 3 não é a melhor versão da franquia, mas ainda assim não decepciona, pois tanto a história quanto a comédia é de primeira, agradando crianças e adultos, sem falar na altíssima qualidade da animação a cargo da Pixar, que nunca decepcionou no quesito. Por isso, Toy Story 3 é altamente recomendado para quem quer fez um filme de alta qualidade, um dos melhores desse ano.

TOY STORY 3 ****

(idem, EUA, 2010, 1h43, Animação)

Diretor: John Lasseter

Vozes de Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack e Michael Keaton.

Cotação: BOM

Cotação IMDB: 8,8

Crítica - Indiana Jones e o Templo da Perdição

2010-12-08T00:09:00.007-02:00

Cronologicamente ocorrido antes dos eventos do primeiro filme, Indiana Jones e o Templo da Perdição mostra a aventura que o herói de chapéu e chicote passou na Índia, após um acidente de avião que o lançou, juntamente com o seu jovem assistente "Short Round" (baixinho) e a histérica cantora Willie, em meio a uma vila. Os nativos então pedem ajuda para recuperar a pedra sagrada que protege os habitantes daquele vilarejo. Indy e cia terão então pela frente que entrar nas profundezas de um misterioso palácio para recuperar a relíquia roubada.

A segunda aventura de Indiana Jones nos cinemas foi a primeira sequência realizada por Steven Spielberg em sua carreira. Três anos após ao sucesso de Caçadores da Arca Perdida, a dupla Spielberg e George Lucas tentou repetir a fórmula em O Templo da Perdição, mas o resultado infelizmente ficou longe do satisfatório. Vários elementos que garantiram muita diversão no primeiro filme foram praticamente esquecidas nessa continuação, como o fato desse filme se concentrar praticamente em uma única locação (o palácio), ao contrário de Caçadores que explorou diversas locações. Outro ponto de discrepância entre as duas primeiras versões é que O Templo da Perdição é mais lento que seu predecessor (o que não significa que seja pouco agitado) chegando a momentos em que vários minutos se passavam sem que houvesse algum tipo de ação, como nas cenas em que eles espionavam o ritual de sacrifício.

Essas cenas, a propósito, foi um dos principais motivos para o longa ter sido mal recebido pela crítica. São cenas de sacrifício, tortura (inclusive com crianças), mutilações, tudo regado a muito sangue, algo a primeira vista incoerente com a figura de Indiana Jones. O próprio Spielberg posteriormente reconheceu que o filme assumiu um tom mais dark do que ele gostaria. O filme deu trabalho para censura americana, que precisou criar uma nova faixa etária de classificação para garantir que das salas de cinema não se ausentassem seus principais fãs.

Apesar dos seus defeitos, o filme não decepciona em muitas partes. O indispensável humor, talvez a característica mais marcante do herói, está por toda a parte. Talvez por isso que ele não tenha se saído tão mal, pois aliado ao humor de Indy estava a figura simpática do jovem Jonathan Ke Quan (de Os Gonnies), muito convincente e engraçado no papel de assistente de Indy. Talvez o único porém seja Kate Capshaw, que não chegou aos pés do carisma de Karen Allen no primeiro filme. No entanto, estes e outros dissabores foram deixados de lado cinco anos depois, quando a série tomaria o rumo certo novamente com Indiana Jones e a Última Cruzada.

INDIANA JONES E O TEMPLO DA PERDIÇÃO ***
(Indiana Jones and the Temple of Doom, EUA, 1984, 1h58, Ação)
Diretor: Steven Spielberg
Com Harrison Ford, Kate Capshaw e Jonathan Ke Quan.
Cotação: REGULAR
Cotação IMDB: 7,5

Crítica - Repo Men - O Resgate de Órgãos

2010-12-05T01:04:00.006-02:00

Nada pior do que você ver um filme cuja principal premissa seja promissora e interessante e depois perceber que ele é, na verdade, uma verdadeira perca de tempo e dinheiro. Com Repo Men - O Resgate de Orgãos aconteceu assim. E com um agravante: o seu respeitado elenco, que conta com nomes como Jude Law (Alfie - O Sedutor), Forrest Whitaker (O Último Rei da Escócia), Liev Schreiber (Um Ato de Liberdade) e a brasileira Alice Braga (Eu Sou a Lenda). Apesar de todo esse suporte e do orçamento de US$ 32 milhões o filme conseguiu se transformar em uma bomba daquelas, capazes de manchar, um pouco que seja, uma carreira de respeito como a de Jude Law e Forest Whitaker.

Com base em premissas que fazem lembrar A Ilha de Michael Bay (esse sim, um bom filme), Repo Men mostra um mundo onde os transplantes de órgãos evoluíram bastante. Agora eles são artificiais e vendidos a preços muito altos, um negócio muito vantajoso para a fabricante União. Precisando de algum órgão, muitas pessoas desesperadas procuram a empresa e aceitam o negócio, mesmo sem poder pagar. Em caso de inadimplência, a pena é cruel: os Repo Men são autorizados (inclusive judicialmente) a retirar o órgão da pessoa, mesmo que seja a força. Os amigos de infância Remy e Jake (Jude Law e Forest Whitaker, respectivamente) são os melhores "coletores" de órgão da empresa. No entanto, essa parceria ameaça a acabar quando Remy decide abandonar a profissão.

Todas as expectativas boas que se pode ter do filme não correspondem. A dupla Law e Whitaker decepciona. Estão péssimos como amigos de infância. Em nenhum momento é criada empatia por nenhum dos personagens e a química entre eles simplesmente não existe. As cenas de ação, que é o que mais se pode exigir em um filme do gênero, deixam também a desejar. O começo do filme se mostra morno e irritantemente auto-explicativo. A metade final, apesar de ser mais movimentada, não correspondeu as expectativas. São cenas tétricas, manjadas e incoerentemente exageradas, dado que elas não se justificam pelo contexto do filme, como a cena em que Remy sai esfaqueando todo mundo que está no corredor que dá pra computador central da empresa. E, talvez o mais decepcionante (pois era o que mais tinha me motivava ver o filme), o roteiro: muito mal aproveitado e em grande parte confuso e incoerente. Nesse ponto não tecerei maiores comentários, pois são tantas falhas que somente vendo o filme é possível conferir a dimensão do problema. O único ponto positivo do filme talvez tenha sido a trilha sonora. Composta por uma grande diversidade de músicas, desde as agradáveis até as agitadas, todas de bom gosto.

O péssimo resultado alcançado pelo longa pode ser em boa parte creditado ao estreante diretor Miguel Sapochnik, que não soube extrair praticamente nada dos vastos recursos que contava para contar sua história. O dado curioso são as várias referências ao Brasil, desde a presença de Alice Braga até a música Garota de Ipanema, que soava como música de fundo na cena em que é mostrada a linha de produção dos órgãos, na parte final do filme.

REPO MEN - O RESGATE DE ÓRGÃOS *
(Repo Men, EUA/Canadá, 2010, 1h51, Ação/Sci-fi)
Diretor: Miguel Sapochnik
Com Jude Law, Forest Whitaker, Alice Braga e Liev Schreiber.
Cotação: PÉSSIMO
Cotação IMDB: 6,3

Filmes Essenciais #7 - Monstros

2010-12-04T10:12:00.005-02:00

O diretor Tod Browning é lembrado e comentado até hoje por ser responsável pela versão original de Drácula (1931), mas poucos lembram de um outro trabalho dele no ano seguinte: Monstros. Nele Browning foi mais ousado e usou de aberrações físicas reais das pessoas para compor o seu filme de horror, tanto que todas as deficiência dos personagens são verdadeiras, não se valendo de nenhum tipo de efeito ou maquiagem para criar seu grupo circense composto principalmente desses aparentes "monstros".

A história se passa dentro dos bastidores de uma companhia circence e acompanha a história do anão Hans, apaixonado pela trapezista Cleópatra que, de conluio com o brutamontes Hercules, tenta se apoderar de sua herança, provocando a ira de todos os outros deficientes do circo, que são unidos como uma família.

A grande sacada de Browning é que, apesar de aparentemente ele explorar apenas as deficiências físicas dos seus personagens para os compor, ele demonstra que eles são os que mais incorporam os bons sentimentos humanos, em contraposição com os maquiávelicos Hercules e Cleopatra, que não possuem deficiência alguma. É impossível não simpatizar com todos os "monstros".

O filme até hoje aspira originalidade, no estilo das maiores obras vanguardistas da época, quando diretores como Luiz Buñuel, que havia recentemente chocado plateias com o seus Cão de Andaluz. Na época de seu lançamento, Monstros era considerado um filme de terror, mas hoje essa classificação se perdeu, transformando-se muito mais em um drama sobre a auto-afirmação de deficientes físicos e mentais e em uma lição de moral que ensina que monstros são aqueles que os enchergam como tal.

MONSTROS ****
(Freaks, EUA, 1932, 1h05, Drama)
Diretor: Tod Browning
Com Wallace Ford, Olga Baclanova, Leila Hyams e Harry Earles.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 7,9

Filmes Essenciais #6 - Os Pássaros*

2010-12-03T18:02:00.004-02:00

É de conhecimento geral que Hitchcock era fascinado pelas loiras. Pelos seus filmes consagrou inúmeras delas, como Kim Novak (Um Corpo que Cai), Janet Leigh (Psicose) e Grace Kelly (Marnie, Confissões de uma Ladra). Mas o que talvez possa surpreender é sua excentricidade no trato com elas; e nenhuma outra atriz sofreu mais com isso do que Tippi Hendren. Por ela, Hitchcock desenvolveu uma verdadeira obsessão, a ponto de deixá-la isolada das outras pessoas no set de filmagens. Com Rod Taylor, o mocinho de Os Pássaros, se encontravam apenas durantes as cenas. Além disso, por um motivo que Hitchcock nunca explicou, exigiu dela, talvez como mais uma forma de domínio sobre a atriz, que ela passasse a assinar o seu primeiro nome com aspas. Dessa maneira que é apresentada nos créditos de Os Pássaros (EUA, 1963, 119 min.)

Nesse longa, Tippi (ou ‘Tippi’) faz a jovem rica que segue um solteirão (Taylor) até uma pequena comunidade no litoral, onde vive com a família. A partir de então, os habitantes do vilarejo começam a ser alvo de deliberados ataques de pássaros. Pondo a parte a sua controvertida personalidade (mas nunca sua genialidade), Hitchcock cria aqui um dos melhores suspenses do cinema, numa obra de referência para o gênero. Conforme a sua consagrada característica, ele não apela para cenas fortes para construir um cenário de terror e tensão genuínos, amparado pela própria temática abordada: a natureza descontrolada e em fúria.

As cenas com os pássaros ainda impressionam, tanto que rendeu uma indicação ao Oscar de Melhores Efeitos Especiais na época. Tanto as tomadas que, pelo jogo de câmeras, retratam as pessoas sendo atacadas quanto aquelas em que os atores realmente contracenam com os pássaros. Essas cenas deixaram em Tippi ferimentos reais, mais atribuídos ao exagerado rigor de Hitchcock com a atriz.

Os Pássaros é mais uma obra imortal do mestre do suspense e, como todo clássico, sua fórmula foi posteriormente repetida a exaustão por outros filmes que só mudavam o tipo de algoz, se usando de abelhas, formigas, ratos, aranhas etc. Talvez por isso aos olhos modernos o filme possa parecer envelhecido. Nenhum de seus similares conseguiram, no entanto, reproduzir a sutileza e a intensidade da câmera hitchckoquiana. A propósito, a desoladora cena final constitui uma das mais perturbadoras do cinema.

OS PÁSSAROS *****
(The Birds, EUA, 1963, 1h59, Suspense)
Diretor: Alfred Hitchcock
Com Rod Taylor, Tippi Hendren e Jessica Tandy
Cotação: ÓTIMO
Cotação IMDB: 7,9

* Artigo originalmente postado em 22 de abril de 2009

Crítica - [REC]

2010-11-29T22:04:00.010-02:00

Creio que já se pode considerar a existência de um novo sub-gênero cinematográfico, cuja principal característica é o fato de todas as cenas serem registradas das câmeras dos próprios personagens, aparentemen- te sem edições nem efeitos especiais, tudo para que se tenha uma impressão de realismo ainda maior. Esse filão de filmes já conta com títulos bastante conhecidos, como Cloverfield - O Monstro (onde se mostra a invasão de Nova York por um monstro gigantesco), o recente Atividade Paranormal, e o mais conhecido A Bruxa de Blair. Entretanto, apesar de ser o mais desconhecido de todos entre o público brasileiro, o melhor resultado foi alcançado pelo espanhol [REC], o mais assustador de todos, que finalmente fixou um parâmetro de qualidade para os filmes com esse estilo. Isso graças aos diretores espanhois Jaume Belagueró e Paco Plaza que injetaram sangue novo no gênero, resultando num dos melhores filmes de terror de 2007, inclusive ganhando o prêmio de European Film Awards, como melhor filme.

[REC] mostra as sonolentas gravações de uma equipe de TV que realizavam uma reportagem sobre a rotina noturna do corpo de bombeiros. Tudo isso muda quando, após receberem um chamado para irem até um prédio residencial onde vizinhos ouviram barulhos estranhos de dentro da casa de uma idosa, todos (equipe de TV, bombeiros e moradores) são misteriosamente isolados dentro do prédio pelo controle sanitário

O interessante seria assistir ao filme sem saber nada sobre ele, ir descobrindo aos poucos os rumos que a história toma e se surpreender com a escalada de suspense reservada. Ao contrário dos similares do gênero, [REC] se preocupou em dar uma boa justificativa para a câmera ficar continuamente ligada, mesmo nos momentos mais tensos e desesperadores da história. A ânsia dos repórteres em transformar uma chata reportagem sobre os bombeiros em um grande furo jornalístico, fez com que fosse plausível a presença dela em todos os momentos, de forma a registrar o isolamento forçado dentro do prédio, assim como a posterior aparição dos zumbis.

O resultado é um filme ágil e assustador, que não perde tempo com cenas desnecessárias ou sub-tramas que não levam a lugar algum. Por isso os seus 75 minutos de duração. No final , além dos sustos, fica a sensaçaõ de quero-mais. E o mais apareceu: em 2009, o filme ganhou uma continuação com os mesmos diretores.

[REC] ****
(idem, Espanha, 2007, 1h15, Terror)
Diretor: Jaume Belagueró e Paco Plaza
Com Manuela Velasco, Ferran Terraza e Pablo Rosso.
Cotação: BOM
Cotação IMDB: 7,7

Filmes Essenciais #5 - A Viagem de Chihiro

2010-11-21T19:24:00.005-02:00

"O anime morreu". Foi o que disse o polêmico gênio da animação Hayao Miyazaki ao receber seu prêmio no Festival de Cinema de Berlim. Sua visão pessimista sobre a realidade dos animes se fundamentou na ideia de que a animação japonesa atualmente se resume basicamente na constante reciclagem das mesmas ideias, sempre apelando para enredos infantis e cada vez mais apelativos. Comparado por muitos como o Walt Disney do oriente, Miyazaki certamente tinha em mente durante essa declaração o seu mais recente trabalho na época, o aclamado mundialmente A Viagem de Chihiro. Colecionador de vários prêmios ao redor do mundo (como o Oscar de Melhor Animação e o Urso de Ouro do Festival de Berlim), o filme, comparado com a atual lavra de animes, chega a dar certa razão à contundente previsão de Miyazaki, pois o que o diretor conseguiu nele é notório.

Visualmente impactante, A Viagem de Chihiro nos mostra um mundo muito diferente do nosso, onde a pequena Chihiro precisa aprender a viver. A saga dela tem início quando, junto com os pais, realiza viagem para uma nova casa em outra cidade. Depois de tentar pegar um atalho, eles se perdem e vão parar em um parque de diversões abandonado. Mas o que eles encontram é um mundo fantástico, permeado de espíritos e seres sobrenaturais. Logo que chegam, Chihiro se perde dos pais, que após comerem a comida local acabam virando porcos. A partim de então, a garota, com a ajuda do nativo Haku, começa a procurar um jeito de salvar seus pais e retornar para o seu mundo.

Cada elemento desse mundo é desenhado de maneira peculiar, Miyazaki nos proporciona aqui um curioso conjunto de seres interessantíssimos e originais, seja pela aparência gozada deles, seja pelos seus modos. Esse resultado somente se tornou possível através da impecável qualidade da animação, que ganhou toques de computação gráfica no acabamento.

Tanto crianças quanto adultos podem se divertir com o filme, aqueles por causa das dinâmicas aventuras que Chihiro trava para sobreviver nesse novo mundo, estes pela temática cercada de simbolismos complexos, como a transformações dos pais da garota em porcos, o roubo do nome pela bruxa Yubaba (representando a perca da personalidade) e a "limpeza" feita por Chihiro do Deus-Rio (que antes estava imundo devido a poluição) na casa de banho frequentada por espíritos.

Responsável também por outros clássicos do gênero, já não tão conhecidos no ocidente, como Meu Amigo Totoro e Porco Rosso - O Último Herói Romântico, Hayao Miyazaki certamente está no panteão dos gênios do cinema, pois ao unir a simplicidade de uma aventura infantil com a complexidade do universo que a contextualiza, ele conseguiu realizar uma das melhores obras cinematográficas do início desse século.

A VIAGEM DE CHIHIRO *****
(Sen to Chihiro no Kamikakushi, Japão, 2001, 2h01, Animação)
Diretor: Hayao Miyazaki
Cotação: ÓTIMO
Cotação IMDB: 8,5

Crítica - Simplesmente Complicado

2010-11-21T00:56:00.007-02:00

Nancy Meyer, mais conhecida pelo seu trabalho em Alguém Tem Que Ceder (2003), com Jack Nicholson e Diane Keaton, aplicou uma fórmula semelhante no novo Simplesmente Complicado. O comum entre ambos os filmes está a abordagem do tema amor na terceira idade. Entretanto, o novo filme da diretora está muito mais para comédia do que seu trabalho de 2003 e também muito melhor como um todo, seja em relação ao roteiro (mais interessante) quanto ao elenco (todos fazem um ótimo trabalho).

O filme conta a história de Jane (Meryl Streep), dona de uma padaria e separada a 10 anos do seu antigo marido Jake (Alec Baldwin), com o qual tem três filhos. Já casado com uma mulher bem mais nova que ele, Jake volta a se apaixonar pela ex-mulher e ambos começam a ter um caso. Contudo, o arquiteto da reforma da casa de Jane, Adam (Steve Martin) , também se interessa por ela, esboçando a formação de um confuso triângulo amoroso.

Muito engraçado e dinâmico em sua primeira parte, o filme fica, infelizmente, muito maçante em sua parte final. Longos diálogos, divagações desnecessárias e uma necessidade de deixar tudo muito bem explicadinho no final prejudica o desempenho do filme como um todo. Ao contrário do que possa parecer, o excesso de diálogos não contribui para deixar o filme mais profundo ou reflexivo. O tema do amor na velhice que, no início do filme, parecia que seria bem explorado, descamba no final para meros casos de família.

O que vale realmente é apreciar os momentos divertidos que o filme proporciona. Alec Baldwin e Steve Martin tem desempenhos satisfatórios, mas quem roubou a cena de verdade foi o ator John Krasinski (conhecido pela participação na série The Office) no papel de cunhado de Jane. Ele está fantástico do começo ao fim do filme, sem exagerar e sem se omitir, ou seja, no ponto certo. Foi ele o responsável pelas duas mais engraçadas cenas do filme: a parte em que ele se desdobra para que sua noiva não veja sua mãe e seu pai subindo para um quarto de hotel e a parte que ele surpreende Jane e Adam no banheiro fumando maconha.

Simplesmente Complicado funciona muito melhor como um filme de comédia, que predominou na primeira meia hora, do que um drama comum, dentro dos moldes do que Nancy Meyer aplicou em Alguém Tem Que Ceder. Somente os próximos filmes dela revelarão se ela aprendeu a lição.

SIMPLESMENTE COMPLICADO ***
(It's Complicated, EUA, 2009, 1h58, Comédia)
Diretor: Nancy Meyer
Com Meryl Streep, Alec Baldwin, Steve Martin e John Krasinski
Cotação: REGULAR
Cotação IMDB: 6,7

Filmes Essenciais #4 - Os Imperdoáveis

2010-11-15T19:21:00.014-02:00

Após um período em que seu trabalho como diretor ter sido injustamente pouco reconhecido, Clint Eastwood finalmente se consagrou com Os Imperdoáveis, conquistando merecidos 4 Oscars (filme, diretor, ator coadjuvante para Gene Hackman e edição). Tido por muitos como o último clássico do gênero faroeste, muito que se vê nas telas possui apelo singular. Está claro que Eastwood quis que fosse assim: o filme é do início ao fim permeado por um clima soturno que busca revelar um lado mais real e menos glamoroso do gênero que consagrou Eastwood. Depois de uma carreira, tanto como ator (vide a trilogia de Sergio Leone) quanto como diretor (em Josey Wales, o Fora da Lei), dedicado em grande parte ao faroeste, Eastwood quis encerrar essa fase de sua carreira e começar uma nova, mais madura (onde figuram grandes filmes como As Pontes de Madison e Gran Torino), ao filmar a história de Os Imperdoáveis, cujo roteiro ficou rodando por 20 anos entre os estúdios, sem ninguém se interessar por ele.

Em Os Imperdoáveis acompanhamos a história de Bill Munny (Clint Eastwood), outrora perigoso assassino, que, depois de conhecer a mulher, se regenera e passa a ser um simples criador de porcos. Viúvo com dois filhos para criar e abalado pelo mal estado do sítio, Bill aceita a proposta de um jovem matador para juntos matarem duas pessoas que mutilaram uma prostituta na pequena localidade de Big Whiskey. Seduzido pela recompensa de mil dólares prometido por outras prostitutas, Bill chama para o serviço o amigo Ned (Morgan Freeman) e, os três, se juntam para o serviço. O problema é o que o truculento xerife de Big Whiskey (Gene Hackman) vai fazer de tudo para espatar assassinos do lugar.

A grande força do filme está na profundidade dos personagens. Bill, assom- brado por um passado sombrio, quando era um sanguinolento assassino, está convicto de que é outra pessoa depois que conheceu sua mulher, mas no seu íntimo há um anseio de liberar a antiga violência, esperando apenas por um motivo para isso. Ele não encontra tal motivo no serviço de matar os dois vaqueiros. Ao alvejar o primeiro, um pesado clima se instaura entre Bill e Ned, forçando inclusive este a abandonar a missão. Eles não eram mais os mesmos assassinos frios de antes. Ao alvejar o segundo, o jovem matador (que mais tarde se revela não tão matador assim) também se arrepende do que fez e sucumbe. O único que parece que não se abala ao matar é o xerife, característica essa que distingue este filme da maioria dos faroestes tradicionais. Aqui não há maniqueísmos. Aqui se mostra tênue a linha que separava o "vilão" do "mocinho" ao revelar que este (convencionalmente incorporado na figura do xerife) possa ter menos compaixão do que aquele.

Escorado em ótimas interpretações de todo o elenco, o filme empolga do começo ao fim. Eastwood parece o mesmo dos seus westerns anteriores: cara fechada, de poucas palavras, mas de um vigor incomparável. Gene Hackman está soberbo no papel do xerife. Ele conseguiu passar toda a firmeza que o personagem exigia. Outro ponto forte é a fotografia. Trata-se de um filme esteticamente bonito. Durante todo o filme somos contemplados com belas locações e imagens emblemáticas (como o início, quando Bill aparece enterrando a mulher enquanto correm os créditos).

Os Imperdoáveis demonstra o gênio de Clint Eastwood na direção e marca o seu primeiro grande sucesso. A partir de então, ele mudou o foco de sua carreira, investindo em dramas mais complexos. O resultado foi filmes tão bons ou melhores do que este (como o magnífico Gran Torino). Os seus tão emocionantes faroeste, no entanto, serão sempre relembrados com saudosismo.

OS IMPERDOÁVEIS *****
(Unforgiven, EUA, 1992, 2h11, Faroeste)
Diretor: Clint Eastwood
Com Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman e Richard Harris.
Cotação: ÓTIMO

Crítica - Os Homens Que Encaravam Cabras

2010-11-14T00:23:00.008-02:00

Os Homens Que Encaravam as Cabras faz parte daquele filão de filmes de comédia em que fazer rir parece ser uma das menores de suas intenções. No longa conta-se a história do jornalista Bob Wilton (Ewan McGregor) que, abandonado pela esposa, decide ir para o Iraque para cobrir a guerra. Em um hotel do Kuwait ele conhece Lyn Cassady (George Clooney), um aposentado do exército americano que pertencia ao desconhecido "Exército de Terra Nova", cujo objetivo era buscar a paz por meio de poderes psíquicos dos seus soldados, Tais poderes possibilitam até mesmo parar o coração de uma cabra apenas com um olhar (daí o nome do filme). A partir de então os dois embarcam em todo o tipo de confusão dentro do Iraque, enquanto Cassidy tenta cumprir uma missão secreta.

O argumento do filme, como se pode perceber, é altamente original, sendo responsável pela sensação de estranhismo que surge quando ele é aos poucos apresentado. Por isso talvez a opção de se fazer uma comédia light, pois, caso contrário, o filme correria o risco de ficar insuportável. A tentativa de aplicação da filosofia hippie aplicada nas técnicas de combate do exército toma boa parte do filme e aliada às diversas cenas em que o filme tenta se auto explicar, deixa tudo ainda mais enfadonho.

No entanto, vale a pena conferir as ótimas atuações de McGregor e de Jeff Bridges, interpretando o oficial que idealizou o "Exército de Terra Nova" (cujos integrantes são ironicamente chamados de Jedis). As cenas mais engraçadas do filme são aquelas em os poderes psíquicos de Clooney não funcionam, deixando ainda mais incrédulo o personagem de McGregor e até o próprio expectador, que não sabe se a história contada por ele é real. O elenco também é composto por Kevin Spacey (convincente) e por Stephen Lang (o vilão de Avatar). No final do filme fica a sensação de que falta mais experiência ao diretor Grant Heslov, que já é bastante rodado como ator, que tem filmes como Escorpião Rei (2002), Boa Noite e Boa Sorte (2005) e O Amor Não tem Regras (2008) em seu currículo.

OS HOMENS QUE ENCARAVAM CABRAS ***
(The Man Who Stare at Goats, Reino Unido/EUA, 2009, 1h34, Comédia)
Diretor: Grant Heslov
Com George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges, Kevin Spacey e Stephen Lang.
Cotação: REGULAR

Filmes Essenciais #3 - Viagem à Lua

2010-11-10T15:35:00.008-02:00

Não há como discutir a origem da arte cinematográfica sem passar em vista a obra do francês George Méliès. Considerado o pai dos efeitos especiais, ele produziu centenas de obras numa época em que o cinema ainda engatinhava. A maioria das produções do começo do século XX tinham um forte caráter experimental, principalmente as dos irmãos Lumiére e de Méliès. Hoje é comum os críticos atribuírem a obra de Lumiére um carater mais científico (pois se preocupavam mais em explorar os limites da tecnologia disponível na época) , enquanto que Méliès dava os primeiros contornos de arte ao cinema.

Sem dúvida a sua obra pela qual Méliès é mais lembrado é Viagem à Lua (La voyage dans la lune) de 1902, onde ele utilizou a técnica da projeção dupla de tela para alcançar efeitos que jamais foram alcançados anteriormente. Viagem à Lua conta o empreendimento de um grupo de sábios e cientistas que decidem atigir a lua em uma nave tripulada. Por meio de um canhão, a nave tripulada chega à lua, pousando exatamente sobre seu "olho". Lá o grupo se depara com diversos seres nativos que os conduzem até seu líder. A história, a despeito de simples, fixou diversos marcos para o gênero de ficção científica: extraterrestres, nave, a busca pelo desconhecido etc. Muito lógico ter sido Mèlies, ilusionista de profissão, ser o precursor de todo esse sonho.

O longa é de difícil acesso atualmente. Somente encontrei disponível na internet, ainda assim com um áudio comprometido por um narrador que imagino não estar na obra original. Mesmo assim, a experiência de conferir a obra de Mèlies ainda é válida, de elaborada execução, não prejudicando o fato de ser um filme mudo e de curta-metragem (apenas 12 minutos), e de relevante valor histórico, sendo conhecido como o primeiro exemplar de ficção científica do cinema.

VIAGEM À LUA

(La Voyage dans la Lune, França, 1902, 12 min., Ficção)

Diretor: George Mèlies

Elenco: Victor André, Bleuette Bernon e Geroge Mèlies.

Filmes Essenciais #2 - Caçadores da Arca Perdida

2010-11-07T00:05:00.009-02:00

George Lucas, recém saído do sucesso de Star Wars, unido ao diretor Steven Spielberg produziram o clássico Caçadores da Arca Perdida, um dos maiores expoente do cinema de aventura. O filme, que mais tarde virou uma série, deu origem ao personagem Indiana Jones, interpretado por Harrison Ford, cuja atuação se encaixou perfeitamente ao personagem criado. Incansável na busca de seus objetivos, Jones encarna o verdadeiro herói moderno: versátil, persistente e de um refinado senso de humor. Todos encarnados com excelência por Ford.

A partir do estrondoso sucesso do filme, essa fórmula a partir de então foi exaustivamente repetida em outras produções, como A Múmia (1999) e A Lenda do Tesouro Perdido (2004), para citar apenas dois exemplos. Mas nenhum outro filme do gênero conseguiu superar Caçadores da Arca Perdida. Tal conclusão não é alcançada ao se olhar apenas para a sua história, é notável também o desempenho da parte técnica, que é impecável. A cena da perseguição de caminhão pelo deserto é excelente, muito bem executada, principalmente no uso dos efeitos especiais. Pudera, com George Lucas assinando a produção não se esperava que os efeitos especiais ficassem devendo, o mesmo acontece com a trilha de John Williams (compositor que já foi indicado até agora a incríveis 45 Oscars), que produziu a clássica música do herói em ação e é assíduo parceiro tanto nas produções de Lucas (trabalhou em toda a séries Star Wars, inclusive ganhou um Oscar pelo Episódio IV) quanto nas de Spielberg (parceria que lhe rendeu o Oscar em A Lista de Shindler).

A figura de Indiana Jones (com o seu chapéu, chicote, aparência amarrotada e sempre pronto para a aventura) foi rapidamente incorporada ao imaginário popular. É possível até traçar um paralelo com os super-heróis dos quadrinhos. Todos eles possuem figurino, comportamento e personalidade bem definidos, mas o apelo peculiar de Indiana Jones é que com ele aprendemos a não esperar sempre que vença e saia bem do problema. Sua persistência é o seu "poder". Essas características tão humanas é que deixa o personagem tão interessante e divertido.

CAÇADORES DA ARCA PERDIDA ****

(Raiders of The Lost Ark, EUA, 1981, 1h55, Ação)

Diretor: Steven Spielberg

Com Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman e Alfred Molina

Cotação: BOM

Filmes Essenciais #1 - Taxi Driver

2010-11-06T18:09:00.012-02:00

Aproveitando o ensejo da crítica sobre o último trabalho de Martin Scorsese, Ilha do Medo, decidi ver aquele que lançou o diretor para o escalão dos mais prestigiados de Hollywood. Foi Taxi Driver o trabalho que mostrou as credenciais de Scorsese para o cinema e no qual se iniciou uma das parcerias mais frutíferas do cinema nos últimos quarenta anos, entre ele e Robert DeNiro (já consagrado com o seu trabalho em Poderoso Chefão II, que lhe rendeu um Oscar de Melhor Ator Coadjunvante). Nele já é possível identificar o tema mais forte dentro dos trabalhos do diretor: a redenção pessoal. E em Taxi Driver ele está muito latente.

O personagem de DeNiro é Travis Bickle, um desocupado, outrora fuzileiro naval, que decide ser taxista. O cenário é Nova York, mais especificamente aquela de clima boêmio e decadente, onde Travis passa a maior parte do seu tempo. Desse contato surge uma profunda aversão dele às ruas: “Qualquer dia uma chuva de verdade virá lavar toda essa ralé das ruas”, deseja ele enquanto perambula pela cidade. Apesar de todo esse ressentimento, ele nunca deixa de estar ligado a escória da cidade, seja pelos passageiros que aceita ou dos lugares que freqüenta. Tudo isso ameaça a mudar quando Travis conhece Betsy, auxiliar de um candidato a presidente. Mas o relacionamento não se sustenta e logo Betsy não quer mais vê-lo.

A partir desse momento Travis fica dividido entre a vingança, fruto da sua revolta quanto ao meio em que vive (“Um homem que se rebelou contra a escória, as vadias, os cães, a sujeira, a merda. Aqui está um homem que se rebelou”), e a redenção pessoal, tentando livrar uma adolescente do mundo da prostituição. Esse conflito é um dos mais significativos do filme.

As tomadas noturnas de Nova York, quando Travis melancolicamente vagava em meio a escória, foram ricamente realçadas por uma trilha jazzística elaborada pela lenda da música cinematográfica Bernard Herrmann (responsável pela clássica trilha de Psicose entre outras), que morreu poucas horas depois de concluir este trabalho.

DeNiro está soberbo e é inevitável surgir uma ponta de saudosismo ao se deparar com ela. Acostumados com suas atuais performances, onde parece que atua no piloto automático, é impossível não se impressionar com o resultado que DeNiro obtém aqui. A cena onde ele começa a falar com o espelho, “Você está falando comigo?”, é inesquecível. Sua entrega para o papel foi incomum. Para incorporar o personagem e sua rotina, ele passou um mês dirigindo 12 horas por dia como taxista de verdade.

Grande injustiçado pelo Oscar (foi indicado a quatro prêmios, mas não levou nenhum), o único festival a reconhecer sua qualidade foi o Festival de Cannes, que cedeu ao longa a Palma de Ouro. Fato comum a boa parte das obras-primas, Taxi Driver só teve o devido reconhecimento de sua qualidade décadas depois, quando foi alçada a categoria de obra essencial do cinema.

TAXI DRIVER *****

(Taxi Driver, EUA, 1976, 1h56, Drama)

Direção: Martin Scorsese

Com Robert De Niro, Albert Brooks, Harvey Keitel e Judie Foster.

Cotação: ÓTIMO

Crítica - Filme - Ilha do Medo

2010-11-03T15:48:00.007-02:00

O mais novo filme de Martin Scorsese não foi muito bem recebido pela crítica. Talvez influenciados pelo mostrado em Os Infiltrados, eles esperavam por um final mais ortodoxo ou que seja condizente com a carreira do diretor. Mas parece aqui que Scorsese decidiu se enveredar em outras técnicas que em muito se assemelham ao de David Lynch. Permeado de cenas oníricas, Ilha do Medo recorre muito a sonhos, delírios para contar a sua história e também para confundir o espectador. O não ser tudo o que parece é o que mais intriga na história do filme e a tática é usada até o fim do filme que, apesar do alguns críticos acharam, não se trata de uma pegadinha de Scorsese. Apesar de maneira sutil, ele deixou pistas para o final do filme desde o começo da trama, não apelando para uma solução fácil, tirada da manga. Ao contrário, o final foi bem construído, sem deixar pontas soltas.

Não se trata de uma obra inferior do diretor. Scorsese conduz o filme de maneira primorosa: ótimos diálogos, câmera segura e uma dinâmica condução do roteiro que permitiu manter a tensão até o fim, apesar das mais de duas horas de projeção. Aliado a tudo isso está as seguras atuações de todo o estelar elenco. Faço aqui uma especial referência a presença do lendário Max Von Sydow, que no auge dos seus 81 anos ainda mantém uma intensa rotina de gravações (ele pode ser também visto atualmente na nova versão de Robin Wood). Ele consegue dar uma especial densidade ao personagem do Dr. Jeremiah Naehring, que aparentemente não teria nada de especial, mas contribuiu para realçar o clima sinistro presente na trama.

Pode não ter agradado todo mundo, mas o resultado conseguido com a Ilha do Medo não é nada desprezível e revela a tentativa de Scorsese de produzir um longa mais abstrato e aliar o cinema autoral com apelo comercial, uma de suas principais marcas.

PS.: (SPOILER) só eu reparei que o final ficou em aberto? A última cena, mais precisamente o último diálogo me fez duvidar se o detetive Teddy realmente teve uma recaída. Seu comportamento me pareceu premeditado para sair da ilha.

ILHA DO MEDO (Shutter Island) *****

(EUA, 2010, 2h18, Suspense)

Diretor: Martin Scorsese

Elenco: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Max Von Sydow, Michelle Williams, Emily Mortimer, Jackie Earle Haley e Patricia Clarkson

Cotação: ÓTIMO